No habia estado nunca en un concierto en el Centro Internacional de Exposiciones de Caracas y debo decir que es una gran locación para eventos de este tipo, quizás algunos pensaran que es pequeño, pero por el precio de las entradas y la naturaleza de la banda era quizás predecible que no se explotara de gente (vamos que ya saben, que aqui poca gente esta dispuesta a pagar por rock) pero de vuelta al sitio, es genial, estaba en la cola y veia mi carro, estacionamiento y todo a la mano (alguna gente llevo sillas e iba y las guardaba al carro o birras en una cavita)

Sibelius

Puntual a las 8 empezo el concierto con la presentación de Sibelius a quienes no habia escuchado y de quienes quede gratamente sorprendido, si tengo que compararlos con algún sonido, seria con Angra, especial nota al momento en que tocando su tema “Venezuela Infinita” sacaron la bandera, un genial sentimiento de que alli solo habia gente queriendo rockear de buena manera, sin maltripeos, y orgullosos de su pais desbordo el sitio.

A eso de las 9 se montaron los finlandeses que dieron todo en el escenario, interactuaron muchisimo con el publico y hicieron verdaderos malabares con los cellos.

Apocalyptica

Apocalyptica se paseo por todos sus exitos, acompañados por Tipe Johnson, cuando fue necesario y por el publico cuando no, que probablemente sorprendio, entonando bastante bien las canciones de apocalyptica como bittersweet y los covers de metallica.

Un publico encendido que siempre pidio mas a la banda y 2 bandas que cumplieron entregando todo hicieron de este un concierto para emprender el 2012 con buen pie!

Setlist
On the Rooftop With Quasimodo
2010
Grace
Master of Puppets
(Metallica cover)
Not Strong Enough
(with Tipe Johnson)
I’m Not Jesus
(with Tipe Johnson)
Quutamo
Psalm 1
(Perrttu Solo)
Bittersweet
Nothing Else Matters
(Metallica cover)
Last Hope
Life Burns!
(with Tipe Johnson)
Seek & Destroy
(Metallica cover)
Inquisition Symphony
(Sepultura cover)
Encore:
At the Gates of Manala
I Don’t Care
(with Tipe Johnson)
Enter Sandman
(Metallica cover)
Encore 2:
Hall of the Mountain King

Rock on!
Nos leemos!

Realmente no se con que banda compararla que les de buena idea de que se van a encontrar, ojo y no es que el sonido sea unico, nada mas lejos de la verdad, es que realmente no importa! es simplemente musica para soltar el cuello!

Nos leemos!

Resulta curioso cuando a estas alturas de la carrera profesional de un compositor éste decide publicar el que es uno de sus mejores discos de toda su trayectoria musical. Gregor Mackintosh es de esos casos excepcionales que así lo atestiguan. Con su banda Paradise Lost (porque, no nos  engañemos, él es Paradise Lost, el principal compositor) fundó lo que se llamó el género Doom/Gothic Metal a finales de los 80; y cada vez que decidía modificar un poco su estilo a más o menos electrónico el resto de bandas coetáneas del género hacían lo mismo (Moonspell, Tiamat, Theatre of Tragedy…) excepto una: My Dying Bride (amigos de los Paradise Lost, por cierto). A finales de 2009, durante la gira del último disco de Paradise Lost (Faith Divides Us Death Unites Us) falleció el padre de Gregor de un cáncer fulminante (ya tenía una gran metástasis). Gregor no olvidó que su padre fue quien le introdujo en la música, junto con su hermano mayor. Tras sufrir y sentir por lo que a uno/a se le pasa por la cabeza y por su alma cuando muere uno o sus dos padres, o cualquier familiar directo (digo esto porque me siento totalmente identificado con Gregor: yo también perdí hace 27 años a mi madre, la cual murió de cáncer, también…y hace 9 años a mi padre quien murió de un infarto; para entender lo que uno siente ante algo así sólo puedo decir que lo teneis que vivenciar…vivenciar esa “travesía por el desierto” moral, emocional y existencial que os cambia para siempre). Gregor decidió dar rienda suelta a esa rabia y dolor que sentía en su interior. Así fue como nació esta catársis en forma de proyecto y banda musical llamada Vallenfyre (que significa Strong Fire o fuego fuerte en inglés antiguo). Los otros miembros de la banda son Adrian Erlandsson (batería de Paradise Lost), Hamish Glencross de My Dying Bride a la guitarra rítmica y melódica, Scott al bajo, y Mully (técnico de guitarras de Paradise Lost) a la guitarra rítmica. Gregor toca la guitarra melódica y canta con una sepulcral voz deathmetalera.

La portada es obra del artista Orion Landau, y por lo que entiendo representa al dios celta Lug/Cernunnos (con todas sus connotaciones y significados que no voy a explicar aquí); otra clave para entender esta portada y el doble sentido de las letras del disco es el día en que fue publicado: 31 de octubre, la mítica noche de Halloween, fiesta pagana céltica muy representada en los países anglosajones. Más allá de las payasadas yankis de esta fiesta (las otras dos fechas paganas son Walpurgis el 30 de abril, y San Juan el 24 de junio, aparte de los Sabbats) Halloween representa oficialmente la Víspera de Todos los Santos…extraoficialmente el mito de la Tierra Hueca o Agartta (de ahí lo de las calabazas huecas), tal vez asociado al sentimiento de oquedad que te queda tras sufrir algo así y de lo efímero de esta “vida”…”Carpe Diem, Memento Mori” (aprovecha el momento, recuerda que vas a morir). Así pues, estamos ante un disco muy Death Metal Old School, de producción muy dura, con sonido muy sepulcral y duro, muy duro; las voces son implacables, y los ritmos muy machacones. El disco recuerda mucho al Death Metal de los orígenes y hay quien lo ha querido comparar con los primeros Entombed, con Celtic Frost (yo diría Hellhammer, padres del Black/Death metal, y ahora bajo el nombre de Triptykon), o con Autopsy. Personalmente pienso que tiene su particular sonido propio, y que, incluso recuerda ,dados sus elementos Doom, al primer disco de Paradise Lost (Lost Paradise) y a la pesadez sepulcral del disco In Requiem de Paradise Lost. Vamos a ver el disco tema a tema.

1. All Will Suffer (Todos van a sufrir). Tras unos sonidos de guitarra irrumpe la pesadez brutal y casi Doom de las guitarras e instrumentos. No es un inicio súbito y machacón sino que nos adentra poco a poco en este mundo de dolor y sufrimiento. La voz de Gregor es tan dura como los instrumentos. Irrumpen después otros ritmos más deathmetaleros y pesados. No se trata del tema más rápido del disco pero sí de uno de los más pesados. Todos van a sufir, una letra que gira en torno al sufrimiento de cualquier tipo (tanto de enfermedades como el cáncer que padeció su padre) como del sufrimiento de este mundo, del habido y del que habrá (pues la época que estamos iniciando va a traer mucho, mucho sufrimento). “La procesión de dolor infernal” es el sufrimiento. Y así se desarrolla este durísimo tema entre ritmos doom y deathmetaleros con guitarras melódicas intercaladas.

2. Desecration. (Profanación). El single. el tema que dio a conocer el disco. Unas guitarras melódicas muy nerviosas y entrecruzadas dan paso a un ritmo vertiginoso e implacable…profanando los oídos. Un tema de ritmos muy pegadizos (para cabecearlo en los conciertos) alternados en unos más rápidos y otros menos, pero comandados por la guitarra melódica y las guitarras rítmicas. El dolor, la carga que no se puede compartir. El vacío y océano de desesperación en el que vivimos se vuelve negro, implacable un vacío que empuja a la profanación de la falsedad de la “felicidad” (la cual pienso que, en realidad no es más que la ilusión de este mundo “Maya”  (como dice el hinduismo) en el que vivimos). Y finalmente el tema concluye con unas melodías muy desalentadoras.

3. Rabenous Whore (Puta Voraz). Pese a su inicio tranquilo la canción se vuelve muy ràpida y muy cruda, sin concesiones y asfixiante. Salvaje, atroz y rabiosa (como debe ser). La indignidad humana, la mentira (tan extendida estos tiempos) es la Puta Voraz, que sólo queda contrarrestada por la Verdad: el sufrimiento, vamos. En cierta parte, la canción se vuelve un tanto Doom con unas notas de guitarra melódica (que no agradable) para volver al ritmo machacón e infernal (“Ravenous Whore”) del final. En este tema también se puede entender como Gregor está asimilando con mucho dolor la muerte de su padre, entregado al infierno del dolor interior. También puede entenderse como Puta Voraz a la Muerte que todo lo consume.

4. Cathedrals of Dread (Catedrales de los atemorizados). Este tema ha sido el elegido para hacer un video (que podeis ver en Youtube). Un tema muy crudo y pesado. De inicio un tanto doom, pero que conforme avanza se vuelve más veloz y mucho más crudo y despiadado. Otro tema que combina elementos de su primera y su segunda canción: un tema pesado y machacón pero a la vez pegadizo. La letra profundiza todavía más en las atmósferas de autodestrucción, de sufrimiento y dolor que envuelven todo el disco. Cambios de ritmo a partes melódicas y pequeños solos de guitarra aparecen a lo largo de la canción. Rugidos deathmetaleros muy despiadados. “El horror de la realidad”, “una ilusión mórbida” (eso es la realidad), “las catedrales del temor”. A pesar de toda la eternidad se mantiene la Muerte. Un dios vacío y “desaparecido”…”un desfile sin sentido”, “vítimas de la gran decepción”…todo esto son fragmentos de la letra inmisericorde de esta brutal canción; no creo que haga falta que me explique más. Tremendo tema.

5. As The World Collapses. (Como se derrumba el mundo). Otro tema que profundiza mucho más en el dolor interno que sufre Gregor tras su dolorosa pérdida. Otro sonido similar al del primer tema introduce un ritmo creciente que da paso a su vez a otro ritmo deathmetalero muy pesado con elementos doom. Este tema es más rítmico que los anteriores. Sin embargo los rugidos de Gregor y el aumento de velocidad de los instrumentos hacen de esta canción una de las más duras, crudas y salvajes del disco. Las guitarras melódicas se entrecruzan con las rítmicas así como los ritmos rápidos y salvajes y los ritmos más doom, así como una voz muy sepulcral. Un tema impresionante y muy cruel. La desolación y rabia de Gregor se mezclan con la podredumbre de este mundo en decadencia que poco a poco está colapsando, un mundo de traidores, un mundo cuyo aroma es el hedor de la maldad. Una letra muy desesperante, como veis. Un pequeño solo de guitarra aparece al final de esta brutal y despiadada canción. Otro tema salvaje y crudo.

6. A Thousand Martyrs. (Mil Mártires). Unos acordes de guitarra melódica dan paso a un rugido muy grave y a una guitarra muy melódica que recuerda a los mejores Paradise Lost. Inmediatamente todo esto da paso a unos ritmos crecientes y a un monólogo incesante de Gregor (es uno de los temas donde más se escucha su voz). Y vuelve a irrumpir esa guitarra melódica que recuerda a discos como In Requiem o el trabajo más reciente de Paradise Lost (Faith Divides Us Death Unites Us). A mitad de tema se produce un aceleración del ritmo y un súbito cambio de ritmo hacia guitarras  melódicas cargadas de tensión y guitarras rítmicas muy pesadas. Y otro cambio de ritmo introduce partes más rápidas y pesadas en la canción para así finalizar. La letra trata del dolor personal que siente Gregor por la muerte de su padre, y de cómo los demás “borregos” no saben lo que él siente. Por eso repito lo que he dicho al principio de la reseña: sólo los que hemos pasado por algo así sabemos el brutal dolor interior que se siente, un dolor que ahí queda (no se supera un dolor así…sencillamente se aprende a convivir con algo así, sin más), un dolor que te hace ver a los demás y la vida de otra forma.

7. Seeds. (Semillas). Se trata del tema Doom del disco (más doommetalero que deathmetalero). Ritmos densos, pesados, sepulcrales…son los ritmos que impregnan este tema durante toda la canción. Las guitarras melódicas también acompañan a estos ritmos pesados y densos. Pese a que en algún fragmento se vuelve más rápida y la aparición de un pequeño solo de guitarra, la canción vuelve a ser otra vez pesada en su mayor parte. Es un tema totalmente dedicado a su difunto padre. El cual, tras su muerte ha dejado un gran vacío en su semilla (Gergor). Su padre se adentra en un “sueño eterno” y, mientras, Gregor, se enfrenta un “eterno invierno” de dolor y sufrimiento. Se despide así, de su padre e ídolo, del que fuera su rey. Queda claro que Gregor quería mucho a su padre.

8. Humanity Wept. (El llanto de la humanidad). Otro de los temas más rápidos y crudos del disco, ya desde el inicio comienza rápido y brutal. Un tema de ritmos muy frenéticos y rápidos. Conforme avanza aumenta en brutalidad más que en rapidez, tanto los instrumentos como la voz de Gregor. Otra canción para dar “cabezazos” en los conciertos. Casi al final el ritmo sufre un cambio hacia una sección más pesada y menos rápida. Una humanidad ciega en sus esperanzas, demasiada ocupada en vivir al día y en la corrupción, una humanidad que apenas llora por aquellos que quedan atrás. Una humanidad ciega a la verdad y que se acerca al abismo sin fin del olvido.

9. My Black Siberia. (Mi negra Siberia). Tras unos acordes calmados el tema se inicia con un ritmo un tanto tranquilo y muy rítmico. Unas guitarras melódicas e incluso un solo de guitarra aquí y allá se intercalan en medio de ese ritmo, dándole un toque de nostalgia a la canción. Todo el tema es así, calmado y tranquilo musicalmente, muy doom. Un tema que lanza una dura crítica hacia los gobernantes de la humanidad, a la corrupción, a los genocidios, al matadero en el que se hemos convertido nuestro planeta, un matadero perparado para unos “cerdos” que parece que es lo que somos, de usar y tirar. La Siberia Negra puede ser el sentimiento interno de dolor y frialdad (frialdad que quema y consume) con el que convive Gregor (y muchos de nosotros), pero a la vez una negra frialdad que te vuelve más duro y te hace mirar al resto con otros ojos, un mundo que va hacia a su devastación y desolación (bueno dicen que nos vamos ya a una inminente glaciación y hacia la Sexta Gran Extinción de Especies…purificar el planeta para luego nacer otra humanidad y vuelta a empezar, como decían los Mayas y los hindúes sobre las siete razas de la humanidad…siendo nosotros la quinta). Son tantas las interpretaciones de estas letras tan encriptadas como los cuentos de Borges o la Doctrina Secreta de Blavatsky…algo propio de Gregor, incluso en su banda Paradise Lost.

10. The Divine Have Fled. ( Los dioses han huído). Otro tema que, tras un inicio un tanto indeciso se adentra en un ritmo muy machacón y pesado. La voz de Gregor es muy dura, más que en otras canciones. Pese a ser una canción dura y muy pesada no es rápida como otras. Digamos que se alternan partes muy doommetaleras y partes rápidas y machaconas por igual. Las guitarras melódicas y rítmicas se mezcaln de manera muy magistral, incluso la irrupción de unas guitarras melódicas muy propias del estilo de Paradise Lost le dan mucha personalidad a este tema tan singular y variado. Los dioses no están, la humanidad está sola en su sufrimiento y su agonía. Gregor sigue reflexionando de forma más profunda sobre la pérdida de su padre y el tormento que ello conlleva.

11. The Grim Irony. (La cruda ironía). Un tranquilo y pesado inicio nos lleva a una canción con bastantes guitarras melódicas al más puro estilo Doom Metal de Paradise Lost. Un tema que parece una procesión de angustia y desolación sin límite, acrecentada por las voces guturales de Gregor y por las guitarras melódicas que le dan mucha tensión y desazón. En esta canción son las guitarras melódicas las que adquieren mucho protagonismo y las que marcan los cambios de ritmo, incluso las guitarras rítmicas siguen esos cambios de ritmo a veces lento, a veces algo más rápido, siempre transmitiendo desazón y resignación. “Condenado a un infierno en vida. Flagelado y crucificado”,”una sociedad sin sentido” ,son fragmentos de un alma totalmente desolada y entregada a sufrir en un mundo donde la gente siente morbo y fascinación por lo cruel y despiadado…hasta que les toca sufrir, y ahí se acaba el morbo y la fascinación. “El cadáver congelado de un sol” (como la enana marrón Némesis que acompaña nuestro sol), “las guerras apenas han comenzado” (y encima es verdad), “Genocidio global, olvidaos de los cielos” (genocido que llegará por guerras, y por tal vez una glaciación (provocada por el sol “congelado”)…la cruda ironía: la fascinación por lo brutal, atroz y desagradable hasta que a uno le toca sufrirlo (y entonces ya no resulta fascinante, esa es la cruda ironía y cruda realidad; ironía de una sociedad hipócrita y decadente).

12. Majesty Dethroned. (Majestad Destronada). El Bonus Track del disco resulta ser el tema más crudo, salvaje, cruel y despiadado de todo el disco. La mejor manera de concluir el disco, a mi parecer. Tras unos acordes de guitarra un ritmo frenético y unas voces brutales irrumpen en la canción, para dar paso a unos ritmos muy brutales y encarnizados. Durante casi toda la canción estos ritmos salvajes y brutales muy deathmetaleros están presente, aunque hay varios cambios de ritmo hacia otros ritmos más densos todavía. La fría verdad de un ángel negro que te espera al final de esa oscuridad cerrada llena de sombras silenciosas. El cuerpo roto de una majestad destronada que avanza hacia su estancia enterna. Un tema con cambios de ritmo más y menos rápidos, pero todos ellos ominosos y una letra mucho más ominosa todavía, en la que se refleja el destino final de todo humano, de quien fuera el padre de Gregor, su rey destronado.

En definitiva, si eres fan de géneros de metal comerciales y suaves mejor no escuches este disco, pero si te gustan los discos más duros y doom de Paradise Lost este disco te gustará, así como si te gusta del Death Metal Old School sin concesiones y despiadado. Este disco es el duro retrato de una pérdida, del dolor, de la rabia, del sufrimiento y una catársis pura y dura. Un disco con el que me siento muy identificado (es el disco en el que me he sentido reflejado, por motivos personales, de forma similar a Gregor) ya que también pasé por mi calvario particular tras perder a mis padres. Ahora os dejo unas fotos de la banda.

Una foto promocional de la banda.

Y otra foto promocional de la banda con apariencia menos siniestra.

A estas alturas imagino que conocereis todos este disco, pero pienso que se merece una reseña. El disco es de 1998, pero en 2008 la banda decidió reeditarlo, al igual que sus discos: Angels Fall Fisrt, Wishmaster, Century Child, y el E.P Over The Hills And Far Away (curiosamente hay una canción de la banda de rock gótico The Mission UK que se llama así). Oceanborn fue el disco que supuso el gran salto cualitativo en la banda. Aunque el reconocimiento les llegó con Wishmaster la verdad es que Oceanborn es su mejor obra maestra. Muchos creen que Nightwish empezaron a flojear tras la marcha de Tarja, pero pienso que ya en los discos Century Child y Once pese a que estaba Tarja ya no mostraban tanta calidad, aun siendo discos muy buenos. Este disco está lleno de simbolismos tanto en las letras como en la portada: Las Aguas del Océano del Caos (Nun para los egipcios, o las “Aguas de Ain” que decían Watain en su disco más reciente). El búho o lechuza como mensajero de los dioses (el Búho de Minerva), la mujer que representa la Tierra, el espíritu de Gaia; el Ojo que Todo lo ve, el ojo de Horus/Osiris reptiliano, que parece la Luna en la que está reflejada la Tierra, siendo observada está última por ese Ojo representado por la Luna. Un disco con referencias totalmente esotéricas.

1. Stargazers. Unos solemnes sintetizadores inician este rápido y épico tema. La voz de Tarja irrumpe de manera tan épica como los demás instrumentos. Tarja utiliza en este tema diversos registros vocálicos operísticos unos más intensos que otros. Las guitarras y los teclados se compenetran perfectamente en este tema más powermetalero. Stargazers pueden ser los “astrónomos o astrólogos”, y con esta ambigüedad juegan, ya que en la Edad Antigua astronomía y astrología eran una misma cosa. ¿Y quienes eran esos “dioses astrónomos o astronautas” de la humanidad?. Tras varios cambios de ritmo unos más épicos que otros la canción se vuelve un tanto tranquila para finalizar de manera apoteósica.

2. Gethsemane. El tema que más me gusta del disco. Aunque se inicia con todos los intrumentos a la vez el teclado, en este caso piano adquiere un gran protagonismo  durante toda la canción. La voz de Tarja también adquiere gran protagonismo. Las melodías son más góticas, más melancólicas y tristes. Una vez más Tarja vuelve a utilizar varios registros de voz. A mitad de canción se produce un cambio de ritmo hacia melodías más épicas pero igual de tristes. Gethsemane además de ser un nombre femenino es también el Huerto de los Olivos donde estuvo Jesús de Nazaret antes de morir. Así que la letra es una alegoría al dolor, a la pena, al sufrimiento, a la angustia y la soledad.

3. Devil and The Deep Dark Ocean. Este tema es más ominoso y siniestro, además la presencia de una voz masculina (Tapio Wilska) acentúa más esa característica. Los instrumentos  van acelerados, pero no da la sensación de ser un tema powermetalero. La voz de Tarja es más ominosa, igualmente operística pero no transmite sensación de melancolía sino de desazón. Tras un momento pausado, unos registros vocálicos masculinos más crudos llega una parte más épica pero igualmente ominosa en la canción. Es en este tema donde se habla de los elementos de la portada del disco (la lechuza, la dama de blanco, el océano, el Ojo). El Primogénito Lucifer (mal llamado el diablo) el “Oceanborn”, que empieza y finaliza los ciclos de la eternidad.

4. Sacrament of Wilderness. Otro de los grandes y épicos temas del disco. Unas notas de sintetizador abren este gran tema. Pese a que el tema tiene partes más rápidas es más propio del Gothic Metal. La voz de Tarja es más bien triste excepto en los coros que se vuelve más épica. El Sacramento del Yermo habla de la soledad de los páramos del Norte de Europa, de la nieve, del frío, de los lobos, de la noche oscura. Tras un breve solo de guitarra el tema acaba repitiendo de manera muy épica el estribillo, cada vez más rápido.

5. The Passion And The Opera. Unos acordes rítmicos de guitarra inician este tema tan curioso. La voz de Tarja entra con unos sincopados y muy imponentes rítmos. Los cambios de registro vocalícos de Tarja vuelven a ser notables en este tema). A mitad de tema se produce un gran cambio de ritmo de manera que la canción parece otra; Tarja hace unos registros de voz totalmente operísticos para finalizar de manera épica la canción. A ritmo de ópera se describe la pasión y la lujuria como elementos innatos en nuestra naturaleza humana.

6. Swanheart. Con unas tristes notas de piano y flauta se inicia esta hermosa y a la vez triste canción. La voz de Tarja es igualmente muy triste y bella. Poco a poco van entrando los demás intrumentos hasta acabar de manera más triste si cabe que cuando empezó el tema. El amor por seres queridos, la tristeza por la pérdida de los mismos, la añoranza son conceptos que aparecen en la letra de este triste pero a la vez hermoso tema.

7. Moondance. La danza de la Luna, se llama este baile pagano y tal vez tribal. Tras unas notas de piano entran los demás instrumentos pero de forma que parece todo una danza pagana (parece no, es una danza). Tras una pausa tranquila marcada por un piano y una flauta vuelven los sonidos propios de la danza cada vez más intensos y rápidos e incluso con coros al final de la canción. Una canción ideal para bailarla de noche, en un claro de un bosque nevado y a la luz de la Luna llena.

8. The Riddler. (El acertijo). Una canción que es más bien épico-gótica. Tarja se vuelve a lucir con sus registros vocálicos tan buenos. Las guitarras tienen más protagonismo y lo mejor de la canción: un estribillo bastante épico. Todo ello aderezado con un ritmo muy dinámico. ¿Quienes somos? ¿De dónde venimos y a dónde vamos? ¿Por qué estamos aquí? La propia existencia es el gran acertijo el cual sólo lo saben las profundas aguas del océano del Caos. Éste es otro de los mejores temas del disco.

9. The Paraoh Sails To Orion. Otro de los temas ominosos y posiblemente el más impresionante del disco. Una vez más se vuelve a escuchar una voz masculina que le da un toque muy ominoso y siniestro al disco. Los instrumentos también suenan igual de ominosos (atención al piano que suena en la canción) al menos la primera mitad de la canción, incluso la voz de Tarja suena como si estuviera anunciando el Apocalipsis. La canción tiene un ritmo bastante rápido y enérgico. a mitad de canción hay un cambio de ritmo que vuelve el tema bastante más imponente y espectacular. El Faraón viaja (navega) a Orión, la “patria de los dioses egipcios”. Recientemente se ha descubierto en las Pirámides una Barca Sagrada, como si el Faraón hubiese pretendido realizar un viaje estelar. Orión, el lugar hacia donde están orientadas las Pirámides de Giza, uno de los lugares mágicos para el Antiguo Egupto, el otro es Sirio. Y allí espera evitando mirar al rostro del  dios Horus/Osiris/Seth (o Nyarlathotep, como lo llamaba Lovecraft). Monumental tema.

10. Walking In The Air. Se trata de una excelente versión del tema de Howard Blake que lleva el mismo nombre y que compuso para el filme “The Snowman”. La versión original está compuesta para niños pero esta versión posee una variedad instrumental mayor. Ya digo, majestuosa versión de un bonito tema, con guitarra melódica y cambio de ritmo incluídos.

11. The Sleeping Sun. El tema que cierra el disco. Otro tema muy melancólico y triste. La voz de Tarja es lo más destacable en esta canción, acompañada de sintetizadores también muy tristes y melancólicos. Los demás instrumentos suenan de forma tranquila. en el estribillo de la canción la voz de Tarja cambia de registro siendo más imponente y haciendo que a uno se le ericen los pelos. Cuando el sol se esconde la noche queda reflejada en el océano tranquilo y oscuro, donde también queda reflejada la melancolía, la tristeza y la pena.

12. Nightquest. El Bonus Track del disco. Una canción bastante heavymetalera. donde las guitarras eléctricas (aparece un pequeño solo de guitarra) tienen bastante protagonismo pero donde también el piano juega un papel muy importante, y menudas notas de piano. Un tema muy dinámico y vivo. La voz de Tarja también adquiere un tono muy vivo y dinámico. La temática es un tanto fantástica, la búsqueda nocturna de personajes fantásticos y de lugares de ensueño. Quizás es lo que trae o lo que inspira una noche mágica en “la Tierra de los Sueños”.

Los otros  temas son canciones en directo de tres de los temas de este disco (Sleeping Sun, Swanheart y The Paraoh Sails To Orion). El mejor disco de Nightwish se merecía una reseña (aunque tampoco está nada mal el disco Wishmaster) y por ello he hecho esta reseña. Hay discos que por mucho que pasen los años nunca envejecen ni pierden cualidades, al contrario, ganan en calidad y se convierten en clásicos, y este disco es un claro ejemplo.

Una foto de la banda en la época de la primera edición del disco (1998)…¡Sí, Jukka no tiene el pañuelo en la cabeza!:

El nombre de la bandam Nachtblut es una amalgama de las palabras Noche y Sangre en Alemán, (algo asi como decir “Noche de Sangre” o “Noche sangrienta”), la banda fue formada en el año 2005 en la ciudad alemana de Osnabrück por Sacerdos (Voz, Bajo), Askeroth (Voz), Greif (Guitarra), Skoll (Batería) y Lymania (Teclados). Su estilo musical es un Black Metal muy melódico… aunque creo que encajan más dentro del Dark Metal ya que su música no tiene mucho de diabolica (que es uno de los fundamentos del Black Metal), más bien los temas de sus canciones son de carácter político y problemas sociales. Durante los primeros años de la banda logró hacerse de algo de fama en la escena underground alemana gracias a su primer concierto en 2007.

Su primer trabajo, titulado Das Erste Abendmahl (la primer cena), salió a la venta en junio del 2007, al no tener una disquera que los patrocinara fue publicado por ellos mismos, pero gracias a este disco se les abrieron las puertas a más fama, dandoles la oportunidad de que abrieran conciertos para bandas de renombre como Immortal, Sodom, Watain, Varg, Endstille y muchas más.

1. Intro
2. Ketzer
3. Schreckenschor
4. Nie Gefragt
5. Heiliger Krieg
6. Mein Gebieter
7. Kindstod
8. Des kleinen Herzens Letzter Schlag
9. Augenschein
10. Blutgerüst
11. (pista oculta)

Intro comienza con un ritmo de latidos de corazón seguidos por unos golpeteos metálicos, seguido por un ritmo electronico acompañado de sintetizadores, es una pieza corta para abrir telón.

Ketzer (Hereje), nos presenta el estilo musical que caracteriza a esta banda, ritmos melódicos de unas guitarras electricas fuertes, sintetizadores y un par de voces, unos susurros y la voz black del vocalista, me encanta la mágia que transmite una simple melodía de piano casi al final de la canción.

Schreckenschor (coro de terror) comienza con un sintetizador emulando unas voces corales, seguido de otro sintetizador con una melodía que suena un poco medieval y la batería como acompañamiento, abriendo paso para las guitarras eléctricas y al vocalista. Aunque es una buena canción no destaca en el disco.

Nie Gefragt (nunca preguntó) es una de mis piezas favoritas del disco, quizá por el intenso uso de los teclados y lo bien llevada la melodía durante toda la canción. Comienza con un sintetizador que acompaña al piano, guitarra y sonidos de cuerdas (hechas con sintetizador), aquí el vocalista hace dos cambios de voz, entre limpia y voz black (de troll como suelen decir), la melodía parece sacada de una caja musical… con el toque de black metal correspondiente que agregan los demás instrumentos.

Heiliger Krieg (guerra santa) eleva la velocidad y agresividad del estilo musical… como que aquí quisieron hacer parecer más black metal su música. Además de las guitarras aquí agregan a la sopa sonidos de cuerdas y algo que parece el sonido de un violín que es tocado como guitarra (vamos, ese sonido de “requinto” pero en violín).

Mein Gebieter (mi maestro) continúa con el estilo velóz de la anterior pista, comienza con una guitarra acústica que abre paso a una veloz batería y guitarras, algunos cambios de tiempo y bueno, a mi gusto algo repetitiva.

Kindstod (infanticidio/muerte infantil) Aquí cambia un poco la cosa, el ritmo parece más industrial, guitarras repetitivas, tono rítmicos muy marcados, aunque en momentos se acelera, como si estuvieramos escuchando Rammstein con voz Black.

Des kleinen Herzens Letzter Schlag (el último latido del corazón) otra de mis favoritas del disco… si, también tiene mucho teclado, vuelven a retomar el estilo melódico de las primeras canciones, es una canción triste y fuerte, habla de la muerte de una pequeña niña que fue violada y masacrada y la maldad inherente en los hombres.

Augenschein (apariencia) después de una pequeña introducción de cuerdas toma algo de velocidad con las guitarras, la canción agrega algunos sonidos de organo de iglesia pequeña, cuerdas, latidos para agregar un poco de variedad al ritmo.

Blutgerüst (andamio) es una buena canción para cerrar el disco, muy melodica, con sonidos de piano y cuerdas como acompañantes de las guitarras, algo lenta pero agradable.

Para el 2009 producen su segundo disco, titulado Antik (Antiguo) un disco aún más melódico que el anterior, con una mejor calidad de sonido, además que se puede apreciar un mejor dominio de los instrumentos.

1. Antik
2. Ijobs Botschaft
3. Die Blutgräfin
4. Gedenket Den Toten
5. Die Mutter Die Ihr Kind Verlor
6. Sturz Des Ikarus
7. Kreuzigung
8. Hexe
9. Des Menschens Kunst Blindheit Zu Säen
10. Kreuzritter

El disco comienza con la canción que da título al disco: Antik (antiguo), una pieza con un ritmo agradable para los headbangers, agradable ritmo de las guitarras acompañadas de sintetizadores y un piano al fondo, la letra hace referencia a la vejez y el sentido que le da la cultura actual a los ancianos… La vida es una guerra y la muerte es la paz eterna.

Ijobs Botschaft (mensaje de bob), un ritmo primitivo de la batería da apertura a unas melódicas guitarras industriales, la canción habla de un acaudalado sujeto a quién le son arrebatados todos sus bienes, y su esposa e hijos muertos por lo que parece ser un tornado o algo asi (algo del viento), no conozco mucho la biblia pero parece un pasaje sacado de esta.

Die Blutgräfin (la condesa sangrienta) una canción dedicada a la condesa Bathory, sus primeros años como gente de la realeza, su obsesión por mantenerse bella y sus rituales donde se bañaba en sangre de jovenes virgenes para mantener su belleza.

Gedenket Den Toten (recordar a los muertos), aunque el ritmo de la canción se parece mucho a la pista anterior tiene elementos que la distinguen, el sintetizador de fondo emula la voces de un coro, la letra de la canción habla sobre un remordimiento de la cantidad de muertes que generan las guerras y de lo agradecido que estan lo sobrevivientes de ver cada nuevo día.

Die Mutter Die Ihr Kind Verlor (la madre que pierde un hijo) es la canción más triste del disco, un melancólico piano acompaña a las guitarras y a un sintetizador que hace de coro. La canción habla del dolor que siente una madre al perder a su único hijo que murió ahogado, no puede olvidarlo y sigue haciendole ropa, preparandole comida y cantandole canciones.

Sturz Des Ikarus (la caida de Ícaro). En la mitología griega Ícaro se fabrica unas alas con plumas de aves y las pega con cera de velas, logra volar cerca del sol pero el calor de éste derrite la cera de las alas y hace que caiga de gran altura hacia su mierte, la canción habla precisamente de este acontecimiento y como su padre Deadalus lo ve caer y morir.

Kreuzigung (crucifixión) una excelente pieza, rítmica con buenas guitarras y batería, un organo de fondo acompaña la melodía durante toda la canción, la pieza como bien habrán intuído habla sobre la muerte del mesías de los cristianos y de cómo pide perdón a Dios por los actos que están cometiendo… perdonalos porque no saben lo que hacen.

Hexe (bruja) una muy destacable canción, acelerada en momentos para hacerla parecer más Black Metal, la canción habla sobre la santa inquisición y su feroz caceria por acabar con todo lo hereje.

Hoy día ya tienen contrato con la famosa disquera austriaca Napalm Records, por lo que debería ser más facil conseguir su material… aunque yo no he tenido suerte en conseguir su música en formato físico.

Des Menschens Kunst Blindheit Zu Säen (la cegera del hombre hacia el arte de sembrar) critica principalmente la religión judía y sus creencias de no comer carne de cerdo, rebajar a la mujer, los crímenes de honor, el fanatismo, el Ramadán, la apostasía… buena pieza pero no destaca lo suficiente en el disco.

Kreuzritter (cruzado) nos traslada al medievo y los ideales en los que creían esos “soldados de Dios” para cumplir los caprichos de la iglesia, vaya tiempos obscuros.

El disco tiene además una canción oculta de aproximadamente 6 minutos de duración, muy buena he de agregar, pero que no he podido conseguir la letra de la canción para saber sobre que habla.

Página web oficial: www.nachtblut.com

No es habitual que comente bandas de Trash Metal, pero el disco que voy a comentar se merece una buena reseña. Onslaught es una banda que apareció en 1983, la década en la que el Trash Metal tuvo su época dorada (así lo atestiguaron bandas como los legendarios Testament, Slayer, los primeros Metallica, Megadeth…). Las influencias del movimiento Punk de los 70 en esta banda son más que evidentes, sobre todo en sus letras tan brutalmente nihilistas (en todos sus discos son muy nihilistas, pero destacan más las letras de los dos más recientes, el que voy a comentar y el anterior, Killing Peace, de 2007). Las influencias del Punk también se deben a que esta banda es de Bristol, Reino Unido (concretamente de Inglaterra).

En 1985 publican su primer trabajo, Power From Hell, el cual, además de tener unos ritmos muy trashmetaleros y machacones poseía unas letras más propias del Black Metal (un Black Metal que por aquel entonces estaba dando sus primeros pasos). En 1986 publican el que para muchos es considerado el mejor disco de su primera época: The Force. Un disco que depura todavía más su estilo y que resultó ser uno de los mejores discos de Trash Metal del momento, con riffs de guitarra muy machacones y excelentes cambios de ritmo. Las letras ya son más nihilistas y abandonan un poco esas letras satánicas de su primer trabajo. En 1989 publican In Search of Sanity, un disco, que, si bien no era flojo, ya demostró que no pudo superar la calidad del disco anterior (el listón estaba muy alto) pero también fue el reflejo de una banda que empezaba a tener problemas internos. Fruto de estas diferencias la banda se separó temporalmente en 1991. En 2004 (13 años después) la banda se reunifica y empiezan a grabar su siguiente trabajo. Killing Peace vería la luz en 2007. Se trata de un disco que vuelve a recuperar el espíritu trashmetalero de los 80 y con unas letras muy cargadas de nihilismo, insolaridad y misantropía. Un disco muy cruel, pero de riffs muy buenos y con unos cambios de ritmo muy espectaculares. Recordaba mucho a The Force.

Ya en 2011 la banda ficha por el sello AFM Records (la última discografica en la que estuvieron los conocidos Theatre of Tragedy). Publican su disco Sounds of Violence, un disco brutal, bastante más agresivo que sus anteriores trabajos, va un poco más allá del Trash Metal en lo instrumental (también tene elementos de Speed Metal y algunos elementos de Death Metal pero muy pocos, algunas voces, la pesadez de los instrumentos en algunos temas). En cuanto a las letras es aquí donde Onslaught se vuelven más crudos, más misántropos, más insolidarios. La verdad es que el disco (que fue editado en enero de 2011) viene como anillo al dedo para describir la situación mundial actual. Estamos viendo y sufriendo como la crisis económica y social parece que no acaba y vemos cada vez más manifestaciones y revueltas. Lo que está claro es que el sistema (capitalista) se está resquebrajando; de momento las revueltas en muchos sitios, no en todos, son pacíficas, pero cada vez menos. La pregunta es si realmente la gente que se rebela lo hubiera hecho durante la bonanza económica. Digo esto porque el disco muestra una misantropía muy brutal y atroz hacia el género humano (sí, similar a la que vemos en autores como Louis Ferdinand Celine en su obra “Viaje al Fin de la Noche”, o Michel Houellebecq) un desprecio hacia los que están “jodidos”. Lo mejor para comprender estas letras (que comparto) es que veamos el disco tema a tema.

1. Into the Abyss (Intro). Unos tambores que parecen de guerra y marciales anuncian tiempos duros, tiempos salvajes. Unos sintetizadores (los únicos del disco) le dan un aire más siniestro a este tema instrumental, breve y ominoso.

2. Born for War. Ya empiezan las guitarras rítmicas y la batería a marcar un ritmo incesante y machacón. Las guitarras rítmicas y las cambios de ritmo se alternan de manera magistral. La voz de Sy Keeler alterna gruñidos deathmetaleros y alaridos trashmetaleros unas veces rápido otras más lento. Todo conun ritmo incesante, rápido, machacón, y muy enérgico. Las guitarras melódicas también hacen acto de presencia en algunos pasajes de esta monumental canción, incluso algunos solos de guitarra muy buenos. Y tras el solo de guitarra unos ritmos menos rápidos pero más contundentes, para dar paso a una parte con guitarras melódicas. Impresionante, monumental tema. Nacido para la guerra, muerte, odio, dolor, el rojo de la sangre…todas estas palabras se alternan en frases muy crueles en esta canción. Parece dedicado a todos aquellos que quieren ser carne de cañón.

3. The Sound of Violence. Unos acordes algo tranquilos empiezan esta canción que de repente se vuelve muy rítmica (un ritmo inconfundible). Un tema hecho para ser  un himno. Menos rápido que el anterior, pero más cruel y malvado. Se trata del tema homónimo del disco. “This is the sound of violence, the power and the pain”, “This is the sound of violence, in the realm of the insane”. No podía faltar un gran solo de guitarra en este rítmico y contundente tema con muy buenos cambios de ritmo. La voz de Sy varía menos, sin embargo se escuchan unas voces sintéticas en algunas partes del tema. Tremendo.

4. Code Black. Uno de los temas con letras más polémicas. Se escuchan ruídos de fondo al inicio,y entran los instrumentos de manera más lenta que en el tema anterior. Los timos son muy marcados y todavía más contundentes que en el anterior tema. Sy vuelve a alternar registros vocálicos deathmetaleros y trashmetaleros. Pese a que la canción no es tan rápida como las dos anteriores transmite más desazón y malestar. Las guitarras melódicas y un pequeño solo no podían faltar.”El código es negro…éste es el Nuevo Orden Mundial (el Gobierno Mundial)”; así es, esto es lo que vendrá de manera violenta y atroz, tal vez a través de un “Blackjack”, uno o varios megatentados nucleares (podeis leer la famosa novela de George Orwell “1984″, si quereis saber lo que viene). Conforme avanza la canción se vuelve más pesada y plomiza, y las letras mucho más crueles. No tiene piedad por nadie, ni por lo que va a venir. El Nuevo Orden Mundial, la destrucción de las religiones (eso se estaría tratando en la reunión del Grupo Bilderberg que tuvo lugar en Suiza hace poco). Preparando los “borregos” para el matadero (no a todos) y la exclavitud.

5. Rest In Pieces. Sí, el título es un juego de palabras muy cruel y sarcástico. El tema se inicia de manera veloz, como la primera canción. Los ritmos de las guitarras son muy intensos y machacones. Sy vuelve a jugar con sus registros vocálicos y hace coros con sus propios registros vocálicos de manera muy magistral. el sadismo, la violencia, la tortura, el desgarro y la desmembración del ser humano de manera violenta, su “descanso en piezas” y su muerte en el anonimato (a muchos os habrá venido a la cabeza el filme “Hostel”…o cualquier otra cosa peor). Un solo de guitarra tan rápido como los endiablados ritmos de este tema también hace presencia en esta canción. Y la magistral alternacia de ritmos más rápidos y otros un tanto menos rápidos.

6. Godhead. Unos golpes rítmicos de batería y guitarras dan paso a unos ritmos marcados por el doble bombo y una guitarra melódica de aire oriental en este magistral tema. Una parte rítmica se descuelga acontinuación. Sy canta en esa parte rítmica, y aparecen los cambios de ritmos a otros más lentos y otros más rápidos.

Children of god they hear no evil
Children of god they see no evil
Children of god they speak no evil
Children of god pure fucking evil
Children of god
Children of god
Children of god
Children of god pure fucking evil

Éste es el brutal estribillo de este tema, despiadado con la religión cristiana (y siguen las guitarras melódicas de aire oriental que dan paso a un desquiciado pero impresionante solo de guitarra y luego a una parte más pesada. Las mentiras de las religiones y de sus seguidores, especialmente el cristianismo. “Nos vemos todos en el Infierno”. ésta es la letra de este magistral tema.

7. Hatebox. La canción parece un guiño a la famosa caja cúbica del filme “Hellraiser”, la “Caja del Odio”. Unas guitarras pesadas dan paso a otras guitarras rítmicas y a un ritmo más marcado. Otro cambio de ritmo da paso a la voz de Sy y a unos ritmos más frenéticos  y pesados y éstos a su vez a unos riffs más propios del Death Metal y acompañados de gruñidos propios también del Death Metal, para volver a otra parte más rítmica y machacona, hasta llegar a un gran y corto solo de guitarra. Las voces de Sy en este tema son más crueles y desgarradas…más llenas de odio. La “Caja del Odio”, se extiende por doquier, lleva el odio, locura y la guerra por todas partes, se alimenta de ello. Una letra bastante explícita, vamos.

8. Antitheist. Unas guitarras melódicas muy orientales inician este tema. Cuando irrumpen los demás instrumentos lo hacen con un ritmo un tanto oscilante de guitarras rítmicas pesadas y las guitarras melódicas iniciales de fondo. Tal vez estemos ante el tema más “melódico” del disco. Aunque sea un tanto melódico también se trata de un tema pesado y con impactantes cambios de ritmo. Pero ya digo, esas guitarras melódicas del inicio aparecen durante toda la canción. La libertad de expresión y el desprecio hacia la religión cristiana, la Biblia y hacia su fe (de cobardes) es lo que cuenta la letra de este tema tan peculiar, pero igual de bueno que los demás.

9. Suicideology. El suicidio como liberación, el precipicio hacia la autodestrucción (seguro que con la crisis actual muchos/as han acabado o planean acabar así). Las letras de este tema recuerdan al la famosa obra de Albert Camus “El Mito de Sísifo”  (en la que se reflexiona sobre este tema tan delicado y cruel) y también a la novela de Dostoyevski “Los Demonios”, donde también se reflexiona profundamente sobre el suicidio. Un tema que ya desde sus inicios es rápido, muy rítmico y contundente…puro Trash Metal machacón y despieadado. Un tema desquiciado para una letra muy desquiciada, un tema con una letra que se precipitan en un abismo de locura sin fin. “Quiero escuchar el silencio, quiero sentir el dolor…de las venas rotas”. Ya digo, un tema muy cruel, con una letra muy despiadada hacia aquellos/as que deciden quitarse la vida y no luchan. Incluso el solo de guitarra es rápido y ominoso como el resto de la canción.

10. End of the Storm (Outro). Éste es realmente el tema que concluye el disco. Otra canción instrumental y ominosa como la primera. Unas notas de piano muy inquietantes se escuchan cada vez más cerca, y se vuelven a perder en la distancia al poco tiempo.

11. Bomber. (Motörhead cover). al final del disco aparece este bonus track de los clásicos Motörhead. La verdad es que la versión es muy buena y muy intensa, rápida, con partes rítmicas y melódicas alternadas (como la versión original).

En definitiva nos encontramos ante un renacer en todos los aspectos de esta gran banda de Trash Metal. Una banda que no fue tan conocida como sus coetaneos Testament, Metallica o Slayer pero de igual calidad. Incluso me atrevería a decir que aquéllas ya no hacen discos como antaño y Onslaught todavía hace discos muy buenos incluso más duros que sus primeros trabajos. No les ha sentado mal envejecer a estos grandes músicos. Para curiosos, Onslaught es el nombre del villano Marvel de los X-Men que fue fruto de un pensamiento del profesor Xavier. Este villano tiene los poderes de Xavier y de Magneto y se trata del villano Marvel más poderoso y malvado. De aquí se inspiraron estos músicos ingleses para bautizar su banda.

Una imagen actual de la banda Onslaught.

Otra imagen de Onslaught.

A esta clase de gente está dedicado el disco, a la humanidad borrega y sin remedio que se dirige al matadero.

A este cabrón le gustó mucho el disco…no es como los borregos.

P.D. Esta reseña está dedicada a Raúl, un gran compañero de trabajo y gran amigo, además de ser un gran fan del Trash Metal.

Passage, el disco más querido de los suizos Samael. Un disco que data de 1996, pero que fue reditado con bonus extra (en realidad estos bonus son los temas del E.P Exodus). Entre los años 1991 y 1998 muchas bandas de metal publicaron sus mejores discos y otras muchas muy buenas aparecieron (Watain, por ejemplo). En otra reseña que hice de la banda dije que su disco Above era (y ciertamente lo es) su disco más blackmetalero, pero no dije que fuera el mejor. Passage sí que es el mejor de su trayectoria (aunque para otros fans su mejor disco es Ceremony of Opposites). Las letras también hablan de ocultismo y esoterismo, como sucede en el resto de sus discos, incluso los dos primeros discos tocan estos temas aunque de forma más primitiva (de forma “satánica”) de hecho en uno de ellos hay una tema que es un homenaje a Cthulhu. Y la portada de este disco (que cambia un poco en la versión reeditada) quizás sea lo más enigmático: la Luna, nuestro satélite. Para muchos es un satélite natural, para otros es un satélite “artificial”, es decir, que no es propio de la Tierra. La verdad es que la Luna parece demasiado grande (es un cuarto del tamaño de la Tierra) para ser un satélite natural de la Tierra, pero ahí está. También se dice que es más antigua que la Tierra (Helena Blavatsky así lo dice en su Doctrina Secreta, y no es la única). ¿Acaso será el proyector de nuestra realidad?(realidad holográfica como decía el científico David Bohm). Quien sabe. Mientras reflexionais esto vamos a ver los temas de este disco, que son 17, ya que están también los temas del E.P Exodus.

1. Rain. El tema que abre el disco es un tema rápido, rítmico y muy enérgico. Aunque tenga algunas partes algo más tranquilas se trata d euno de los temas con más energía del disco. Las guitarras rítmicas marcan toda la canción, y los sintetizadores le dan un ambiente épico. La lluvia divina, las lágrimas del creador demiurgo que nos sueña, y con cada derramamiento de lágrimas se producen los diluvios cíclicos que hunden una civilización y hacen renacer otra, y esa otra civilización son las semillas germinadas de las lágrimas divinas del demiurgo que sueña.

2. Shining Kingdom. Otro tema que también se inicia de manera enérgica, pero que, sin embargo adquiere un ritmo diferente. Una canción más melancólica, más triste. Con ritmos más marcados y con un mayor protagonismo de los sintetizadores. La voz de Vorph es algo más desgarrada. Como ya he dicho son los sintetizadores los que marcan el ritmo principal de la canción. Un viaje largo, hacia el punto donde empezó todo (Punto Omega) ese punto de Luz ese reino de Luz hacia el que todo converge (para volver todo a la oscuridad primigenia de nuevo) es el viaje que debemos emprender. El viaje del conocimiento. Eso describe la letra de la canción.

3. Algel’s Decay. Con unas percusiones y un piano de fondo se inicia este tema. Un sintetizador que parece el órgano de una iglesia y un ritmo muy melancólico son los rasgos principales de este tema. Una canción que habla de la angustia y desesperación del agujero negro en el que se convierte un alma deprimida y atormentada. En esta canción letras y música van de la mano, es decir conectan perfectamente. Un tema lleno de angustia y dolor.Donde se alternan partes más tranquilas con otras más intensas.

4. My Saviour. Este tema ya es más intenso que el anterior, con un estruendo musical considerable y una intensidad mayor que en los temas anteriores. Aunque las guitarras y batería suenan con fuerza, al igual que la voz de Vorph siguen siendo los sintetizadores los que marcan el desarrollo de la canción. Los cambios de ritmo que posee son variados, hacia partes más densas, hacia partes más lentas. Nuestro salvador es cada uno de nosotros mismos, cuando encontramos la verdad en nuestro interior, cuando llega ese momento también somos el “Alfa y el Omega” somos Uno con el Todo, y alcanzamos la verdad y liberación.

5. Jupiterian Vibe. Posiblemente el tema más peculiar del disco. Su inicio es muy característico, unas percusiones tribales dan paso a unos riffs de guitarra muy agudos. La voz de Vorph irrumpe de manera violenta. La canción se vuelve oscilante y muy pesada, muy densa y plomiza. Es un tema muy propio del Death Metal. Solemne y siniestro avanza hacia su final. Esta canción fue uno de los “singles” incluso tiene video. La creación trasciende al creador, el poder de la palabra, todo está conectado, todo se mueve, hasta lo inanimado (en el video se intuye la influencia de la Luna). Todo está conectado con el Todo.

6. The Ones Who Came Before (Los que vinieron antes). Con unos ritmos casi marciales y muy machacones se presenta este tema. Unos sintetizadores de fondeo le dan una carácter más ominoso si cabe, y la voz de Vorph empieza inquietante y gana más furia conforme avanza la canción. Un tema lleno de rabia y odio contenido. Antes de las civilizaciones hubo otras humanidades (como dice Blavatsky) y otras razas; los que vinieron antes éramos nosotros, la humanidad. Parece ser que la humanidad somos avatares de nosotros mismos y fractales del multiverso los cuales formamos una porción del Todo Absoluto.

7. Liquid Soul Dimension. Tras unos pesados riffs de guitarra irrumpe un tema en el que los sintetizadores ganan más protagonismo, pero que van al ritmo de las guitarras rítmicas. Vorph canta con voz furiosa. La canción no tiene mucha velocidad pero transmite mucha energía y pesadez instrumental. Se dice que el Universo alguna vez fue líquido, y lo volverá a ser. “Solve et Coagula”, eso es lo que tiene “tatuado” Baphomet/Samael/Lucifer en los brazos. Por tanto, nuestra alma también es “líquida”, plástica, moldeable, llena de fuerza y adaptable a todo, independiente.

8. Moonskin. Uno de los temas más melancólicos del disco. Un piano se escucha durante toda la canción y es el instrumento que marca el ritmo y la melodía de la misma. La voz de Vorph es dolorosa y triste. Los riffs de guitarras también son melancólicos y tristes. Parece como si fuera una metáfora de la vida, como si nos enamoráramos de la belleza superficial de las cosas la cual no conduce a nada y es una ilusión, de ahí que diga que esa belleza se llama “Moonskin”. Enamorados de ilusiones sin sentido, que no conducen a nada.

9. Born Under Saturn. Un tema plomizo, pesado con riffs muy densos y con unos sintetizadores que transmiten desazón. Así es este tema que, además, posee bastantes cambios de ritmos y velocidades. La voz de Vorph también cambia bastante de registro según cambia el ritmo y la melodía de la canción, pero en líneas generales viene a ser todo un tema ominoso. El significado de Saturno está asociado con la muerte, el sacrificio, la mala suerte, la lucha contra el inevitable destino de cada uno, de la derrota y desilusión. También tengo que decir que está associado con Samael/Lucifer/Baphomet en su parte más siniestra, de aquello que está maldito.

10. Chosen Race. Se trata de un tema similar a “The ones who came before”. Un tema muy enérgico, contundente y pesado. Temabién se trata de un tema con bastante velocidad. La voz de Vorph también se recrudece bastante. Los sintetizadores si bien juegan un papel importante acompañando bien al resto de los instrumentos hacen de colchón atenuando un poco la crudeza y contundencia de los demás instrumentos. La raza elegida, la raza fuerte, libre, la raza que lucha contra el “miedo a la libertad” (esto es el título de un ensayo de Erich Fromm). ¿Acaso no se referirán a los 144.000?. El final del tema recuerda mucho a la pesadez plomiza de “Jupiterian Vibe”.

11. A Man In Your Head. Los sintetizadores y los efectos hechos por los mismos como son ecos de voces muy siniestras le dan a esta canción un aspecto muy tenebroso. Los riffs de las guitarras rítmicas son muy marcados, casi sincopados. La densidad y pesadez de este tema es incluso mayor que en los anteriores. Las melodías marcadas por los sintetizadores le dan un aspecto más solemne. La letras hacen alusión al despertar del hombre, del ser inteligente que tenemos en nuestra mente, que no nos dejemos guiar como ganado, como borregos por los demás, quienes crean guerras, generan miedo y destruyen nuestra libertad que tenemos innata. Despertad, no os dejeis engañar.

12. Exodus. Esta canción, y las que le siguen son del E.P Exodus. También se inicia con unas guitarras rítmicas pesadas y unos sintetizadores un tanto inquietantes. La voz de Vorph aparece tranquila en la mayor parte del tema. Los cambos de ritmo a otras partes más enérgicas y otras más tranquilas son una constante en esta canción. La migración del alma, “a través del desierto por el que fluye el Mercurio” (esta frase me recordó a la obra alquímica “De Signatura Rerum” de Jakob Böhme), hacia el reino de la Luz (Lucifer/Samael/Baphomet) y de ahí hacia el Todo Absoluto (Parabrahman) a través de la luz del Logos y la fuerza que poseemos de Él (Fohat) es nuestro destino, ese será nuestro éxodo.

13. Tribes of Cain. Con uno ritmo de sintetizadores oscilantes, una voz muy grave y unas guitarras rítmicas también oscilantes que, en ocasiones, siguen el ritmo de los sintetizadores transcurre este tema. Una canción que nos transmite una atmósfera tensa, cruel, inquietante. Las Tribus de Caín somos nosotros, la humanidad, “Profundo es el dolor del que nace la liberación”, “largo es el camino que conduce a la luz”. “Oponerse a la oscuridad no lleva a ninguna parte” porque todos venimos de esa oscuridad. Esa es el destino final de la humanidad (el Punto Omega que decía Teinhard De Chardin), volver a esa oscuridad a través de la luz.

14. Son of Earth. Otro tema que se inicia con guitarras rítmicas pesadas a las que se le unen unos sintetizadores que aportan melodía. Un tema duro, enérgico, lleno de rabia y desgarrador. Los sintetizadores aparecen y desaparecen como si fueran olas, lo que le da una sensación extraña a la canción, incluso al final del tema aparece uritmo más electrónico. a“Bienvenido al mundo de los vivos, aquí está tu castigo supremo”…”bienvenido al mundo de los muertos, aquí está tu recompensa prometida”. Esto es lo que significa ser hijo de la Tierra, estar de paso en este planeta para sufrir, y despertar de este mundo “Maya” (mundo de ilusión) para despertar una vez muerto (parafraseando un poco al filósofo alemán Arthur Schopenhauer en su obra “El Mundo como Voluntad y Representación”).

15. Winter Solstice. Otro de los temas melancólicos y tristes del disco, donde la presencia de notas de piano dominan toda la canción. Un piano que hace del tema una canción triste y melancólica. También se escuchan los demás instrumentos como las guitarras y batería, pero de manera más sosegada y triste, incluso la voz de Vorph también acompaña a esa melancolía. El sosticio de invierno en el Hemisferio Norte, el 21 de diciembre es un día muy simbólico en la cultura Occidental. La noche más larga del año, acompañada de misterio, a veces de la Luna brillante e inquietante y a veces no. Una noche llena de pureza y magia oculta y oscura.

16. Ceremony of Opposites. El tema homónimo del disco anterior. Una canción muy dura, con unos registros vocálicos muy deathmetaleros y una música muy pesada, y plomiza, acompañada de sintetizadores épicos. Incluso el propio tema es bastante épico a la vez que siniestro y duro. Pese a que n va a mucha velocidad es capad de mostrar mucha rabia y crudeza. Un tema de corte similar a Jupiterian Vibe (aunque este tema es anterior). La ceremonia de los opuestos, la parte superior se convierte en inferior (“Como es arriba es Abajo”) la fantasía se hace realidad y viceversa, todo se entremezcla, “el amor es un veneno que crece en el corazón de los débiles”…todo tiene su aspecto dual. Eterna lucha (como decía Hans Horbiger en su Cosmogonía Glacial).

17. From Malkuth to Kether. El tema más electrónico del disco, con ritmos machacones, alternados con partes melódicas de sintetizador. Pese a que se escucha la voz de Vorph no aparecen la letra de esta canción en el libreto del cd. Malkuth y Kether son dos esferas del árbol hebreo de la Kabbalah, dos sephiroth. Kether es la esfera superior, la culminación de nuestro camino para encontrarnos a nosotros mismos y nuestra libertad, y Malkuth es la esfera inferior, desde donde partimos, pudiendo escoger varios caminos.

18. Untitled. Un tema instrumental y electrónico (con algunas guitarras), melancólico, sin voces y triste despide este genial disco.

Como ya he dicho Passage es, en mi opinión, el mejor disco de Samael (para otros es Ceremony of Opposites) y pienso que se merecía una reseña. Fue el disco que marcó el punto de inflexión en su discografía. Su reciente disco “Lux Mundi” recuerda mucho al disco Passage (aunque con elementos del disco Above) incluso en la estructura de los temas. Incluso ellos mismos han reeditado este disco (y también los anteriores así como el disco “Eternal”) porque son conscientes de lo realmente bueno que es, todo un clásico. Ahora algunas fotos de la banda.

Samael también conocen a Hans Rudolph Giger (el “padre” de la criatura Alien). Hicieron una visita al museo de Giger. Samael y Giger son del mismo país, Suiza (Confederación Helvética es su verdadero nombre), y digo también porque en otra de mis reseñas nombro a Giger en relación a otra banda helvética pionera del Black Metal: Triptykon. Realmente fue pionera bajo el nombre de Hellhammer (fueron los verdaderos padres del Black Metal, allá por 1983), mutando a Celtic Frost y, finalmente a Triptykon.

Otra imagen de los suizos Samael. Banda pionera del Black Metal. Pioneros y experimentales

Os presento al verdadero Samael (también conocido por el videojuego Silent Hill).

Os presento a Baphomet. Efectivamente, son la misma entidad (junto con Lucifer) pero con diferente nombre. La banda Samael le dedica una canción en su disco Ceremony of Opposites.

P.D. Estos días se está celebrando en Suiza, concretamente en la localidad de  St. Moritz una reunión del Grupo Bilderberg. Habrá que estar atentos y bien despiertos ante lo que pueda venir.

Así de sencilla y aparentemente simple es la portada del nuevo trabajo de Samael llamado Lux Mundi. Su título significa “La Luz del Mundo”. Y puede parecer muy obvio el título pero desconcierta cuando vemos la portada, toda de color negro y con una imagen en el fondo la cual parece ser unos rayos de energía (cuántica, tal vez). No es casualidad que sea precisamente negra esta luz o brillo; pese a que Vorph juega al despiste o a no saber el significado imagino que sabrá que el Fuego (o brillo) Negro (así lo dice La Doctrina Secreta de Blavatsky en su tomo Antropogénesis) es el brillo y fuego de la Sabiduría, de Lucifer (quien también es Samael y/o Baphomet), y Lux es otro de sus nombres (como el nombre céltico Lug). Así que deduzco que el disco trata de la luz de nuestro mundo, es decir de la relación entre Lucifer (el primer nacido del Caos) y de nuestro mundo (acaso una de sus creaciones, como demiurgo). Quisiera recordar que en cuanto a temática es una continuación del disco anterior, Above; es más si os fijáis en la portada de Above (podeis mirad la reseña que hice del mismo en 2009) parece que la criatura de la portada sea el Demiurgo que está “soñando” (así lo dice la mitología y filosofía hindú y oriental, incluso el filósofo alemán Arthur Schopenhauer) y lo que parece que está en su “vientre” es nuestro mundo, con lo cual nos da su “luz”. (aunque no va conmigo hacer propaganda os aconsejo una web llamada www.syti.net, y un apartado llamado “Mandala Room”. Como veis no es fácil sacar a la luz la temática de este disco. De su música he de decir que es un híbrido entre el disco anterior (pero tranquilos no es tan Blackmetalero) y su mítico Passage (que también reseñaré, se lo merece, pues tengo que reconocer que es el mejor disco de Samael). La estructura de los temas es casi idéntica a la de los temas del disco Passage, incluso hay un tema llamado “Of War” que tiene una estructura musical muy similar al tercer tema del Passage llamado “Jupiterian Vibe”, y si no os lo creeis escuchad ambos. Esto es muy positivo, ya que el disco por decirlo de alguna manera hace una mirada retrospectiva a toda su discografía, y es el resultado de toda esa evolución. Al final de la reseña colocaré una imagen que, siendo anterior, tiene algún elemento en común a la portada de este disco (quizá no sea casualidad). Veamos los temas del disco, de los cuales veo una doble lectura.

1. Luxferre. De manera enérgica y veloz comienza el disco. Con guitarras ásperas , con una batería muy dinámica y con unos sintetizadores colocados en dosis exactas. La voz de Vorph sigue recordando el registro blackmetalero de su anterior disco. el estilo puede clasificarse como una mezcla entre Black/Death/Industrial Metal melódico. El título es un juego de palabras y un guiño a Lucifer en su verdadero significado: el portador de la Luz de la Sabiduría, que nos alumbra con su luz y nos abre los ojos. Uno de los rasgos distintivos a nivel musical es su estribillo un tanto machacón.

2. Let My People Be!. Un tema que se inicia un tanto calmado pero tras un cambio de ritmo entran unos ritmos sincopados y contundentes. Conforme avanca la canción se añaden más elementos y detalles (más doble bombo, más densidad en las guitarras, el bajo y los teclados) y suena cada vez más fuerte. Se trata de un efecto que, imagino, pretende  dar la sensación de “reafirmación”. ¡Dejad a mi gente en paz! ¡Dejad vivir/existir a mi gente! (¿es el Demiurgo quien dice eso?)…ese es el tema principal de la canción. Una reafirmación de la libertad, de la liberación de ser uno mismo y no ser exclavo de nadie.

3. Of War. Este tema tiene una estructura muy similar al tema “Jupiterian Vibe” del disco Passage. Un tema pesado, muy plomizo, machacón; sus sonidos son más propios del Death Metal pesado. No va a mucha velocidad, sin embargo la sensación de pesadez se nota a lo largo de toda la canción. Los sintetizadores se entremezclan bastante bien con el resto de los instrumentos (incluso hay alguna que otra melodía oriental, casi árabe). La guerra es lo que más marca y ha marcada la historia de la humanidad. Decía Vorph que el tema es también un recordatorio a guerras como la última guerra de Irak…una guerra que se inició en 2003, y este tema es el tercero del disco, que casualidad…o no.

4. Antigod. El single extraído del disco. Un tema muy equilibrado. Va a más velocidad que la canción anterior, y posee más variedad. Incluso diría que es más melódico, ya que son los sintetizadores los que marcan los cambios de ritmo, o al menos los acompañan con más frecuencia. Ya digo, un tema bastante melódico y a la vez rítmico, pero muy metalero, muy variado y con muchos cambios de ritmo. Vorph dice en las letras que es el “Antidios” que se ha liberado a sí mismo (otro concepto muy teosófico y esotérico: cuando seamos realmente libres seremos semidioses, como si creáramos nuestra realidad…recomiendo otra web que leo asiduamente: Pijamasurf, si buscais bien encontrareis cosas interesantes que pueden estar relacionadas con las letras de esta banda), y al final dice que es Dios; en realidad ya lo decía Blavatsky “Demon est Deus inversus”. Y es así.

5. For A Thousand Years. “Durante mil años”. Otro tema a medio tempo, donde predominan las guitarras rítmicas. Sin embargo la voz de Vorph es más tranquila en sus inicios, pero no en toda la canción. Pese a que predominen las guitarras rítmicas el tema es, lineas generales, tranquilo y un tanto melódico. La percepción del tiempo, la eternidad, su comparación con la vida humana, con la mente humana (tal vez un guiño al concepto del Universo Holográfico que nos interconecta a todos y todo con el TODO a través de nuestra mente) utilizando como referente temporal los milenios…un registro de tiempo muy usado en textos esotéricos y exotéricos (como la Biblia).

6. The Shadow Of The Sword. “La sombra de la espada”. Con unos riffs y unas notas de sintetizador inicia este tema más rápido y enérgico que los dos anteriores. Un tema donde los sintetizadores tienen un protagonismo considerable y marcan los cambios de ritmo más y menos rápidos. la voz de Vorph es un tanto extraña, parece pasada por algún filtro, no gruñe al estilo blackmetalero…y es entendible lo que dice durante todo el disco, curioso por otra parte. La temática de la canción trata sobre la época actual: la Edad media del Siglo XXI. Una época oscurantista y paulatinamente “draconiana” (ya os suena esta palabra, supongo), una época donde se comercializa y se banaliza todo, hasta los valores humanos. Ya nos estamos dando cuenta todos de los cambios que están aconteciendo poco a poco, cambios que podrían ser “orwellianos”.

7. In the Deep. Con sonidos tribales se inicia este tema, el tema más querido del disco por sus fans más acérrimos. Unos riffs muy característicos y unas melodías oscilantes y un tanto apocalípticas acompañan a la voz de Vorph…“llámame Samael…mil millones de años atrás cuando el sueño tomó forma…yo ya estaba allí”. Con un estribillo muy enérgico y rápido (con doble bombo de batería) acompañado de sintetizadores, alternado con ese ritmo oscilante del principio se desarrolla la canción. Desde las profundidades del Caos (las aguas del Caos, la Noche, Lilith) nació el primogénito Lucifer/Samael/Baphomet/Lug, que a su vez es hijo y esposo de Lilith (así lo comenta Blavatsky en su Doctrina Secreta). Y en su sueño crea los mundos y a los seres. Letras y música fusionadas en un gran tema.

8. Mother Night. Se trata de “la balada” del disco, del tema más melancólico. Y así parece ser cuando se inicia, sin embargo tras los primeros compases de música melancólica y melódica el ritmo cambia a otro un tanto más seco, y la voz de Vorph se endurece más, volviéndose casi deathmetalera. Reflexiones existenciales sobre la vida, el dolor, la tristeza, la angustia y nuestras vivencias. Siempre nos queda en el recuerdo las malas experiencias. El abrazo de la Madre Noche (¿acaso Lilith?) nos hace reflexionar sobre eso, y sobre cómo aprender a disfrutar del momento y ser libres. En otros tramos de la canción vuelven las melodías y en otros las partes rítmicas. Pero en definitva es el tema más melancólico y triste del disco.

9. Pagan Trance. Con unas voces sintéticas y unos ritmos que parecen de marcha marcial se inicia la canción. La voz de Vorph y la música es a la vez tranquila al principio, pero poco a poco va adquiriendo intensidad. Los sintetizadores le dan un toque un tanto épico y melancólico a la vez. La conexión del ser humano con la naturaleza, con la Tierra, el Sol, el aire, el agua… y con su espíritu femenino es la temática princiapl. Un tema que, pese a no ser melancólico sí tiene un aire de cierta tristeza. Un trance que nos une con la Tierra y la naturaleza, porque nuestra conexión con el telurismo de la Tierra y los elementos naturales es la máxima manifestación del ocultismo.

10. In Gold We Trust. “En el oro confiamos”. Desde luego, cuando hay una crisis muy dura el oro es el referente. Pero no es exactamente de lo que habla la canción. Un tema con más velocidad que los anteriores. Un tema inquietante, con cambios de velocidad, y más energía en el estribillo. Un tema donde se entremezcaln muy buen los sintetizadores y las guitarras, muy metaleras, melódicas y rítmicas a la vez. Esta energía y “autoridad” musical es la sensación que nos transmite el tema y su conexión con las letras; letras que hablan de la ambición, del poder de “Don Dinero”, con el oro como su máximo valor. Una crítica a la Plutocracia que nos gobierna (no hay Democracia real), y que siempre nos ha gobernado. De este tema sabrán mucho los Samael, ya que son helvéticos, suizos, vamos. (¿sabíais que de las 10 multinacionales corporativas que controlan los recursos naturales 8 de ellas tienen sede en Ginebra? además ninguna de ellas cotiza en Bolsa. Allí también está el CERN, con su Hadron Collider y su Shiva Nataraja que lo preside…¿sabéis el significado de esta estatua, la más simbólica de La India? Su relación con el Universo/Multiverso cuántico es total, leed si podéis el libro “El Tao de la Física”).

11. Soul Invictus. Unos ritmos  de batería contundente y guitarras sincopadas son los que inician este tema, que, si bien no es muy rápido, sí da la sensación de “autoritario”. Vorph canta con su registro blackmetalero. Ritmos tribales de batería vuelven a aparecer (ya aparecen otros ritmos tribales en su tema In The Deep), muy contundentes. Los sintetizadores acompañan muy buen al resto de los instrumentos. Las almas que encontrarán la verdad en sí mismas viajarán hacia el infinito (volverán al TODO) desde esta realidad que es soñada por el demiurgo. Alcanzarán su cénit, brillarán como soles (de ahí el juego de palabras) y serán UNO con el TODO y el Universo/Multiverso.

12. The Truth Is Marching On. Unos extraños sonidos dan paso a un ritmo muy rápido, totalmente blackmetalero, y a unos sintetizadores muy peculiares. vuelve el ritmo rápido y machacón. El tema es más propio de las canciones del disco anterior, y, posiblemente sea el tema más rápido y lleno de energía del disco. curiosamente éste tema y la primera canción (Luxferre) son los dos más rápidos y contundentes. Aunque hay pasajes menos rápidos éstos son más contundentes y cargados de “tensión”. También se escuchan sintetizadores que acompañan a los demás instrumentos. La Verdad está en marcha, viene de camino, la ascensión, el momento del despertar de las conciencias. Y claro, no es casualidad que sea el duodécimo tema, ya que ¿no es a partir de 2012 cuando aparece la verdad, y el cambio, y se inicia progresivamente la Nueva Era? Los que se liberen de la “exclavitud invisible”, los que despierten su conciencia…para todos/as ellos/as que se liberarán se les abrirán las puertas de la verdad. Y no es casual que la portada del disco sea negra, La Luz viene de la oscuridad del Caos, y en la oscuridad se ven las cosas más claras.

Parece como si cada canción representara un año de la década que dejamos atrás y se inicia en 2001 (los atentados del 11S, acaso su relación con Lucifer, metafóricamente hablando…o no). La Guerra de Irak en 2003. 2005, el año que se manifestaron con más claridad catástrofes naturales que son (según científicos que no pertenecen al IPCC, organismo de vendidos) prolegómenos de una inminente glaciación ¿milenaria?. 2007 y 2008, los años del inicio de la Muy Gran Depresión (oscuridad) económica a la que asistimos, y los resquebrajamientos de los cimientos sociales y económicos mundiales en 2010 (se disparó a partir de ahí el precio del oro)…el inicio de la toma de conciencia (de Almas Invictas que no pertenecen a la masa “borrega”) en 2011…y el inicio de la verdad a partir de 2012. ¿Acaso no significa Revelación la palabra Apocalipsis?. A esto me refería con la doble lectura del disco. Un disco para reflexionar. Si bien el Passage fue más innovador en su momento (Lux Mundi es un disco con elementos de todos sus anteriores discos) las letras de este disco son más reveladoras (las letras del Passage no tienen ningún desperdicio) y no olvidemos que es una continuación en cuanto a lírica (letras) del disco anterior, Above.

Para finalizar una imagen del dios lovecraftiano Azathoth (El Caos, el TODO) del dibujante mancuniano (de Manchester) John Coulthart. Fijaos que lo que aparece arriba y abajo de la “boca” central parece haces y rayos de energia cuántica simolares a la portada del disco…¿casualidad? no lo creo.

Myriads fue formado en el año 1997 por Alexander Skottene (voz y guitarra), su hermana Mona Skottene (voz, piano/organo/teclados), Jan Petter Skretting (guitarra) y Rudi Jünger (batería y percusiones).

La música de Myriads es un poco complicado de categorizar, el grupo describe su música como una fusión de metal y sonidos clásicos con algunos elementos de folclore e industrial. La letra de las canciones es escrita por Alexande y Mona, están basadas en psicología, filosofía, sueños y la realidad con elementos dramáticos.

Si primer demo se tituló In Spheres Without Time, salió al público en 1998 y tuvo una muy buena recepción, consiguiéndoles un contrato con la disquera Napalm Records, que se estaba haciendo de muy buena fama por la excelente calidad de los artistas bajo su repertorio, regrabando las canciones del demo y cambiando la portada del disco y saliendo a la venta global en 1999.

Cinco canciones (pero de larga duración) componen este disco de 45 minutos en total:

1. Fragments of the Hereafter
2. The Day of Wrath
3. Spheres Without Time
4. Seductive Hate
5. Dreams of Reality

Seductive Hate:

En 2001 graban su segundo y último disco a la fecha, titulado “Introspection”, pero salió a la venta hasta 2002, este disco está más inspirado en la psicología que su primer disco, la música de este disco también está más elaborada, con más técnica, algunas canciones son más rápidas y pesadas que en su primer producción, quitándole mucho del protagonismo que tenía el primer disco y aumentando el uso de la guitarra acústica.

Probablemente en Myriads se dieron cuenta que no es muy práctico hacer canciones de tanta duración, y para este disco decidieron cortarlas… solo un poco, mi canción favorita del disco (Portal to the Mind) dura casi 15 minutos. 9 Pistas componen este disco de 74 minutos:

1. Enigmatic Colours of the Night
2. Miserere Mei
3. Inside
4. The Sanctum of My Soul
5. Portal to the Mind
6. Falling in the Equinox
7. Flickering Thoughts
8. Encapsulated
9. The Ascent

Portal to the Mind:

En 2003 Mikael Stokdal se retira de la banda por motivos de intereses musicales, Mikael ahora toca en Deathfare, una banda de Death Metal.

En 2010 sacan un pequeño demo con 4 canciones de lo que promete ser su tercer álbum, simplemente titulado “demo” ya que aún no tienen el nombre final para este disco, tienen prometiendo el disco desde 2007, así que espero no tarden mucho en terminarlo.

The Sanctum of my Soul:

Myriads fue de las bandas que me iniciaron en metal más pesado (antes era fan de Metallica, Mötley Crüe, Slayer, White Zombie y demás metal comercial), le guardo gran aprecio no solo por este aspecto nostálgico, sino por que a través de los años he confirmado que su música no pasa, la calidad musical de esta banda trasciende el tiempo.

Página web oficial: http://www.myriads.no

BURDENS, del año 2.006, fue su primer disco. Un disco con temas muy melancólicos, muy sobrio. La atmósfera de este disco ya nos adentra en unos paisajes musicales densos, lentos, oscuros, melancólicos (de hecho eso significa “Burdens”: carga pesada, pero no una carga física, sino emocional). En algunos temas se escuchan piezas de piano que acompañan la voz de Carmen (se notan influencias vocalísticas, muy marcadas, de Lisa Gerrard, incluso en su etapa en solitario). Los juegos de voces de Carmen, más tranquilos, más alterados, más agudos e inquietantes también acentúan la personalidad tan sombría de este disco. No todo son guitarras eléctricas pesadas, también hay guitarras acústicas en algunos temas. como se ve el talento de Blasphemer no deja de sorprendernos (guitarrista que considero injustamente subestimado, y que para mí es mucho mejor y más versátil que el malogrado Euronymous). Como se ve la calidad de este disco pasó muy desapercibida, ya que entonces Blasphemer todavía estaba componiendo en Mayhem y tenía otra banda de Black/Trash Metal llamada Aura Noir; sin embargo Ava Inferi no iba a ser un proyecto pasajero como se ha visto después.

THE SILHOUETTE, del año 2.007, ya fue un disco más trabajado y completo que el anterior (y eso que Burdens fue un disco muy bueno, pero muy discreto). Su primer tema “A Dança das Ondas” ya nos muestra una música más melancólica, más profunda y llena de dolor. Ese sonido de las olas mezclado con las guitarras acústicas  y la preciosa voz de Carmen nos introduce en un disco doloroso, pero a la vez bello. Por supuesto, las guitarras eléctricas pesadas muy distintivas de Blasphemer se escuchan en éste y los demás temas. El disco presenta más cambios de ritmos en sus canciones. También hay coros de voces que acompañan a Carmen en algunos temas.

Se puede decir que este disco fue un paso más y un trabajo más elaborado que el anterior. Pero ya digo que no todo son temas melancólicos, también los hay más sombríos, con algo más de velocidad, pero igualmente atmosféricos, con ominosas notas de piano, voces también ominosas (Carmen tiene una voz que puede ser igualmente dulce y fantasmagórica, cosa muy destacable y que no he encontrado en otras cantantes de bandas Doom/Gothic o simplemente góticas (sí que escuché voces similares en Dead Can Dance, voces de Lisa Gerrard). Temas que oscilan entre la melancolía y las atmósferas sombrías, incluso dentro de la misma canción hacen de este disco una danza de sonidos espectrales, de siluetas y sombras. Incluso hay algún tema cantado “a Capela”, es decir, sólo la voz de Carmen, para ponerse la carne de gallina, vamos. También hay más presencia de piano, y de algo más de velocidad en las canciones que en su primer disco. El juego de guitarras eléctricas y acústicas de este disco, así como las partes de bajo y los cambios de ritmo constantes junto con los registros vocálicos de Carmen le dan una variedad mucho mayor que el anterior disco: un paso más, y una manifestación clara de intenciones, y es que no son una banda más y no es un proyecto más de Blasphemer.

BLOOD OF BACCHUS, del año 2.009, ya supuso un salto cualitativo respecto a los discos anteriores. La Sangre de Baco es su título. Baco fue una deidad romana, representaba las fiestas, la lujuria, el vino (la sangre de Baco), de ahí la palabra “bacanal”; aunque en este disco representaba algo más. Blasphemer ya se centra totalmente en esta banda, pues el año anterior a la publicación de este disco abandonó la banda Mayhem; y se fue a vivir a Portugal, con su mujer, Carmen Simoes. Tras un primer tema instrumental y que se oyen ecos lejanos (voces de Carmen) femeninos el disco da paso a un tema muy inquietante llamado “Last Sign Of Summer”; un tema inquietante debido a unos acordes de guitarra muy marcados que dan paso a ritmos más ominosos alternándose la mayor parte de la canción, y creando una sensación y atmósfera de desazón y malestar, como si fuera el preludio de que alguna desgracia fuera a suceder. Incluso las voces de Carmen acentúan esa atmósfera de malestar y desazón. Posiblemente sea uno de los temas más reconocibles del disco.

Como ya he dicho al principio, este disco inicia una etapa en la que la música de la banda se vuelve más Doom, y menos gótica, es decir, abandona progresivamente la melancolía de los primeros discos y se adentra en atmosferas más sombrías y oscuras. Además Blasphemer utiliza más la guitarra acústica que en otras ocasiones. Los cambios de ritmo también son frecuentes así como los cambios de registros vocálicos de Carmen, incluso elevenado la voz a tonos más agudos de lo habitual. En el tema “Black Wings” también canta Carmen “a Capela”, pero esta vez le acompañan coros de voces masculinas. Casi “a Capela”, ya que se escucha un poco la guitarra acústica y lo que parece ser un violín. Un tema muy triste y bello. Ya digo, parecen los Dead Can Dance del Doom/Gothic Metal. Pero no nos engañemos, en los siguientes temas se acentúan los ritmos más sombríos, las guitarras más metaleras, los ambientes más pesados y las guitarras acústicas (algunas de ellas parecen guitarras españolas). Blasphemer no deja de sorprendernos con sus composiciones. Incluso  su último tema, llamado “Memoirs” el instrumento principal es el piano, un piano que manifiesta una inquietante y oscura tranquilidad, muy buen acompañada por la magistral voz de Carmen, por algún violín que se escucha brevemente y por las guitarras de Blasphemer. Otra canción memorable de este disco.

ONYX, del año 2.011, es un disco que continúa con el lado más Doom y siniestro del disco anterior. Diría que incluso es más “Heavy”, algo más duro. Así empieza su primer tema, con más dureza, y con una variedad en ritmos más notable. El título del disco hace referencia una piedra llamada ónice, una piedra muy oscura que tiene propiedades esotéricas de lo más variadas (como amuleto que protege, principalmente, pero también otras propiedades). Incluso en el mítico cuento/novela de H.P Lovecraft “La búsqueda onírica de la desconocida Kadath” se habla de esta piedra, concretamente se comenta que la ciudad de Kadath está hecha de esta piedra, de ónice…y allí el protagonista Randolph Carter (quien está soñando toda la historia) se encuentra con la figura fantasmagórica e inquietante del dios Nyarlathotep (acaso el Logos) y ego de Azathoth, el Caos Primordial (¿no será la figura de la portada una representación de Nyarlathotep?). De hecho en las letras de este disco se hacen varias alusiones a Lovecraft y sus historias.

Su tema “The Living End” es uno de los más destacados; con unas guitarras melódicas y otras rítmicas más pesadas así como sus cambios de ritmo y sus voces (Carmen canta, pero también Blasphemer) así lo atestiguan. Un tema muy bueno, tremendo (y eso que los demás también son muy buenos). Es un tema melancólico y siniestro a la vez. El resto de los temas van en una línea similar: temas más pesados, más oscuros pero a la vez melódicos. Digamos que es un disco  más “vivo” que los anteriores, más intenso. La canción “The Heathen Island” tal vez sea otra de las más destacadas por sus melodías tan melancólicas, y tan desgarradoras. No todo el disco suena igual, hay variedad, variedad muy intensa. Y su último tema “Venice In Fog” termina el disco de la manera más triste posible; una canción muy bella y triste. Con unas guitarras melódicas muy dolorosas. La voz de Carmen también muestra mucha tristeza, pero aun así se trata de una voz muy bella.

En definitva, Ava Inferi es una banda de Doom/Gothic Metal que vale la pena escuchar, muy buena. Nos muestra a un polivalente y polifacético Blasphemer y a una preciosa voz (Carmen Simoes). Una banda para aquellos verdaderos amantes de este género (y cuando digo verdaderos amantes no me refiero los fans de Lacuna coil, Evanescence, Within Temptation y bandas similares). Aquí os dejo unas imágenes de la banda.

Carmen Simoes en primer plano, y al fondo Blasphemer y sus dos compañeros.

Otra imagen de Carmen Simoes.

Y dos imágenes promocionales de su disco Onyx. En la imagen inferior Blasphemer aparece en primer plano, con un bastón, y detrás de él vemos a Carmen.