Esta es la portada de lo nuevo de esta banda de Death Metal Melódico de Gotheborg (Suecia). Dark Tranquillity es una de las bandas pioneras del Death melódico junto con At The Gates, al poco tiempo apareció In Flames (curiosamente Nikklas Sundin, el guitarrista compositor de Dark Tranquillity es el responsable del sonido de In Flames hasta su disco Clayman inclusive). Dark Tranquillity ha tenido una trayectoria con menos variaciones en su sonido, bastante duro aun siendo melódico; sin embargo ha habido discos que han marcado un punto de inflexión como el Projector de 1999, disco que el cantante usa su registro de voz normal (”clean voice”) o el disco Haven del año siguiente, donde hay una presencia notable de pianos. Sin embargo los dos siguientes discos son todo lo contrario (Damage Done y Character), bastante duros.

We Are The Void (2010) es el nuevo trabajo, y, aunque comentan que es un disco que tiene elementos de todos sus discos anteriores, se decanta por la vertiente más dura de su música (aun así tiene partes de piano y sintetizador muy ambientales). Al parecer el título del disco es una mezcla un poco de elementos espirituales y de física, me explico, dada la tremenda influencia que está teniendo el mundo (religión, ocultismo, esoterismo) oriental, sobre todo La India en bandas metaleras (Behemoth, Mayhem, Dark Tranquillity, Triptykon…) y la Teosofía de Blavatsky pues la temática habla de que formamos parte del Vacío o Caos que todo lo rodea, que todo lo impregna, como si fuéramos una representación fractal a menor escala de ese Caos (Parabrahman según los hindúes o Blavatsky, Azathoth según Lovecraft, Ginnungagap según los nórdicos, Chaos según los griegos o Nun según los egipcios…vamos el Todo Absoluto, y nosotros sus “Arkángeles”). Hecha la explicación de la temática de este disco veamos como es.

1. Shadow In Our Blood: Tras un inicio con una guitarra acústica se introducen los teclados y los demás instrumentos para dar paso a un ritmo muy vertiginoso totalmente deathmetalero y poco o nada melódico, es de los temas más duros del disco (hay un video en youtube). Se alternan partes de efectos de coros hechos con teclado y partes muy deathmetaleras. Ya digo un tema muy rápido. La voz de Mikael Stanne dura, una mezcla entre death y blackmetalera, incluso aparece un solo de guitarra a mitad de canción (Dark Tranquillity suele introducir solos de guitarra en la mayoría de sus temas).

2. Dream Oblivion: Un tema que es a la vez melódico y pesado. La verdad es que los sintetizadores aquí acentúan la pesadez de los demás instrumentos. Se alternan partes pesadas y muy rítmicas con partes más melódicas. Es un tema candidato a convertirse en Hit, por su ritmo y melodía pegadizos. En este tema no hay exactamente lo que se llama solo de guitarra. Pero sí partes con guitarra melódica que se superponen y alternan a las partes rítmicas.

3. The Fatalist: El tema que más me gusta; un tema que se inicia con un melancólico piano,  al cual le siguen los demás instrumentos primero de manera sincopada y luego con velocidad. Los teclados y el piano de dan una ambientación melancólica, de resignación y a la vez ominosa como si anunciaran malos tiempos (consiguen en su música el efecto que pretenden transmitir en su título, un tema “fatalista”). Hay breves solos de guitarra que se intercalan en las partes rítmicas, las cuales cambian de ritmo cada vez que se oye el piano tan característico de este tema. Ya digo, un clásico del disco, posiblemente el más clásico (pudiera ser esta canción para este disco lo mismo que fue el tema “Terminus” para el disco anterior, Fiction: su tema más representativo).

4. In My Absence: Una canción que ahonda en los efectos melancólicos de teclados, más rítmica que las anteriores, pero no tan dura. Sin embargo tiene una velociad muy alternada con partes más tranquilas introducidas por sintetizadores,  tiene un riff de guitarra muy característico, creciente, que es previo a las partes de sintetizador, y es el que finaliza la canción. Cómo no, la canción tiene un solo de guitarra que acentúa todavía más su carácter melódico.

5. The Grandest Accusation: Pese al título que tiene es uno de los temas más melódicos y melancólicos. Iniciada con unas notas tristes de gitarra aparecen los teclados y las guitarras rítmicas marcando un ritmo sincopado y muy triste. Aquí ganan terreno las guitarras melódicas y los teclados creando un ambiente muy melancólico durante toda la canción. La velocidad de la canción es menor que en los temas anteriores. Incluso a mitad de tema Mikael Stanne  canta con su voz normal, en un momento donde se calman todos los instrumentos y solo se escucha el piano, la guitarra melódica y la batería con un ritmo muy tranquilo.  Y ahí se introduce otro solo de guitarra de Niklas Sundin, este solo es más largo de lo habitual. El tema acaba de forma muy similar a su inicio.

6. At the Point Of Ignition: Este tema es uno de los más característicos del sonido de Dark Tranquillity; se alternan a la vez partes rítmicas rápidas y menos rápidas con teclados muy ambientales, y la voz death/black de Stanne, así como también partes melódicas. Digamos que es uno de los temas más “familiares” de la banda. No podía faltar su solo de guitarra, y un ritmo creciente y más intenso al final de la canción.

7. Her Silent Language: La canción más melódica del disco, y de las más tristes. Aquí la presencia del piano es muy notable, así como que Stanne vuelve a utilizar en algunas partes su “clean voice” alternada con la voz deathmetalera. Curioso es el efecto de las guitarras cuando canta con su “clean voice”, la cual alterna con su voz más gutural sonando a la par que suena el piano. Una canción de curiosos contrases, pero muy melódica, melancólica (casi gótica), con constantes cambios de ritmo.

8. Arkhangelsk: Pese a su nombre no se refiere  a la ciudad rusa del mismo nombre. Se refiere a “nuestro papel como arcángeles del Vacío o Caos”. Aunque se incie con pianos algo melódicos la canción tiene un aire un tanto apocalíptico, ominoso acentuado por los sintetizadores que refuerzan ese aire. Es un tema denso, el cual, sin ser rápido causa un extraño malestar en el oyente. Cerca del final se produce un llamativo cambio de ritmo donde ganan protagonismo los sintetizadores volviéndose melancólicos y ominosos a la vez e introduciendo un solo de guitarra que acaba la canción.

9. I Am The Void: El tema más rápido del disco, el más rítmico, el más deathmetalero (aun con las melodías). Pero que no está exento de partes melódicas de guitarra y teclados. Se puede decir que es casi el tema homónimo del disco. Un tema cercano a lo que se conoce como “Metalcore” (igual que el primer tema del disco). Y no podía faltar su solo de guitarra a mitad de canción.

10. Surface The Infinite: Este tema es más melódico que el anterior, y efectivamente las guitarras melódicas y los teclados tienen más protagonismo que las rítmicas. Pero también es un tema con bastante velocidad machacona. Un solo introduce un cambio de ritmo más pausado que da paso a otro cambio de ritmo introducido solo por un sintetizador y una “explosión final” de todos los instrumentos.

11. Iridium: Este es el último tema de la versión regular del disco, un tema que se inicia muy tranquilo con guitarra melódicas y la “clean voice” de Stanne dando paso a un ritmo más denso y fragoroso pero marcado por la melancolía del sintetizador, y volviendo a cambiar otra vez al ritmo tranquilo inicial; así sucesivamente hasta el final de la canción.

12. Star Of Nothingness (bonus track): Este primer bonus track de la edición limitada es totalmente instrumental, melódico, con teclados de fondo y una guitarra melódica muy calmada. Ya digo,un tema muy tranquilo y relajado.

13. To Where Fires Cannot Feed (bonus track): Otro bonus track que, pese a que se inicia con guitarras melódicas muy tranquilas aparecen con fuerza los demás instrumentos. Es un tema bastante rítmico y  melódico a la vez. No es de los más rápidos. Los sintetizadores y pianos tienen bastante protagonismo. Oscila entre melodías melancólicas y desasosegantes (similar al tema Arkhangelsk) pero menos denso y con bastante ritmo.

Y esto es lo nuevo de Dark Tranquillity. Efectivamente tiene elementos de todos sus discos anteriores, pero con algo más de agresividad y rapidez. Se han decantado por su parte más dura sosteniendo las melodías tan características de sus teclados y guitarras…una combinación muy curiosa y muy arriesgada que les ha salido bien, la verdad.

Esta es la formación actual,de izquierda a derecha: Martin Henriksson (guitarra rítmica y uno de los productores, y tocó el bajo hasta 1998), Daniel Antonsson (bajista), Martin Bändström (tecladista y otro de los productores), Mikael Stanne (cantante, tocó la guitarra en su primer disco), Anders Jivarp (Batería), Niklas Sundin (guitarra melódica, compositor principal y diseñador gráfico).

…16 años después Vikernes salió de la cárcel y llegó el esperado nuevo disco de Burzum (aunque el anterior disco fue publicado en 1999 estando Vikernes en la cárcel, hace 11 años). Efectivamente el “Conde Grishnackh” ha resurgido de sus cenizas y ha vuelto del  “Ragnarok” (¿no será el disco Belus un homenaje a sí mismo?). La verdad es que ha cumplido con su palabra, ya que el disco es una vuelta a la música de sus orígenes, de sus cuatro primeros discos, incluso dijo que no era realmente material nuevo sino temas de su primigenia etapa como “Uruk Hai” los cuales (los temas) nunca vieron la luz puesto que no tenía discográfica  a través de la cual publicar ese disco “abortado”…ahora sí que lo ha conseguido.  Evidentemente siendo así el disco para much@s no sorprende ya que es un literal retorno a su primera época. Cosa que a mí me ha satisfecho totalmente, la verdad. Burzum, el auténtico Burzum ha vuelto.  Veamos el disco tema a tema.

1. Leukes Renkespill (Introduksjon) (La  conspiración de Loki; introducción): Son 33 segundos de un efecto sonoro hecho por una pieza metálica que parece una cadena corta, tal vez pretende dar a entender que Loki (la deidad nórdica de los infiernos) está cerca de Belus (para quien no lo sepa  la temática del disco  narra la famosa leyenda nórdica de “La Muerte de Balder” y su posterior retorno; aunque, como habreis leído en mi anterior reseña sobre Burzum hay un disco llamado “La muerte de Balder” en noruego; Belus y Balder son la misma persona).

2. Belus Dod (La muerte de Belus): Es la versión blackmetalera de la canción del mismo nombre de su disco anterior llamado “Daudi Baldrs” de 1997 (La muerte de Balder). Una canción oscilante, cruda, con la voz de Vikernes convertida en alaridos desgarradores; se entrecruzan las guitarras rítmicas acompasadas con el bajo y la batería y una guitarra melódica bastante ominosa. En este disco no hay sintetizadores, todo son guitarras, bajo, batería y la voz de Vikernes, y esto es una novedad muy notable respecto a TODA su discografía anterior, ya que todos sus discos anteriores usan en mayor (los dos anteriores) o menor medida (los 4 primeros discos en algunso de sus temas) sintetizadores…en este no hay ni rastro de sintetizadores. Se ve que ha tenido tiempo durante estos 16 años de mejorar sus composiciones con guitarra, je, je.

3. Glemselens Elv (El Río del Olvido): Poético nombre para el tema más largo del disco; es uno de los temas más ambientales, tristes y melancólicos del disco. Va a medio tempo, además de alternarse los alaridos tan característicos con el registro normal de su voz (otra novedad, aunque en alguno de sus temas de sus discos anteriores Vikernes también ha usado su registro de voz normal). Un tema que tiene cambios de ritmo (otra novedad, ya que el minimalismo es un rasgo muy distintivo en la discografía de Burzum). El tema describe musical y líricamente el viaje de Belus al los Infiernos Nórdicos tras su muerte. (Para los Nórdicos el Infierno es un lugar totalmente congelado, aunque para Dante  y su Divina Comedia también es un lugar congelado el Infierno). Dentro de unos rasgos minimalistas es un tema que tiene ciertos cambios de ritmo, muy hipnótico y con una guitarra melódica que acentúa su carácter melancólico. Uno de los temas más destacados, sobre todo por su duración.

4. Kaimadalthas´Nedstigning (El descenso de Kaimadalthas): Este tema ya es más rápido que los anteriores, iniciado con fragorosas guitarras y una voz muy desgarrada, de repente cambia a un ritmo breve y tranquilo en el que Vikernes canta con su registro normal, y luego otra vez al ritmo inicial. Así durante buena parte de la canción, hasta que tras el tercer cambio de ritmo la canción se vuelve algo más melódica con el la voz natural de Vikernes de fondo y unos acordes de guitarra melódica. Este es uno de los temas que más novedades aporta al disco, ya que no sólo tiene partes puramente blackmetaleras, sino también otras más ambientales y melódicas.  La combinación de ritmos y melodías así como de registros vocálicos que hay en este tema es muy llamativa…pero sigue sonando a Burzum (y eso es lo mejor).

5. Sverddans (La danza de las espadas): El tema más corto y más black metalero del disco, un tema rápido, rítmico, muy característico del sonido Burzum y muy “nórdico” (como todo el disco); incluso con un solo de guitarra (sí , un solo de guitarra, algo casi insólito en el Black Metal y más aún en Burzum) que da paso otra vez al ritmo original de la canción para acabar así.

6. Keliohesten (El caballo de Kelio): Otro tema rápido, con rasgos minimalistas, guitarras rítmicas y melódicas entrecruzadas, batería incesante y rápida (con un lejano aire a su tema “Jesus Dod” del disco Filosofem) y con su voz desgarrada. Un cambio de ritmo nos lleva a un ritmo donde las guitarras rítmicas se adueñan de la canción para luego volver al ritmo incial y así sucesivamente, con alternancia de ritmos.

7. Morgenrode (Amanecer rojo): Este es un tema más lento, más melódico, ambiental y melancólico. Las guitarras melódicas toman protagonismo aquí, la voz de Vikernes sigue desgarrada y doliente. Y, tras un cambio de ritmo donde Vikernes usa su voz normal, se introduce otro ritmo donde suenan casi únicamente las guitarras rítmicas, para poco a poco introducir la batería y las guitarras melódicas y el bajo. Y así hasta el final de la canción que introduce repentinamente el último tema.

8. Belus´Tilbakekomst (Konklusjon) (El retorno de Belus; conclusión): Y llegamos al final del disco, un tema donde las guitarras rítmicas y acordes aislados de guitarras melódicas le dan un ambiente muy hipnótico, muy ambiental, no hay voces,  así y con apenas cambios de ritmos, este sí que es uno de los temas minimalistas (repetitivos) tan característicos de Burzum, sólo que sin sintetizadores, por lo que la sensación de densidad en la canción es muy notable, más aun cuando en la segunda mitad de la canción Vikernes alarga los acordes de las guitarras prolongando así las notas y dando una sensación aún mayor de densidad, sólo interrumpida por algún cambio de ritmo más tranquilizador para luego volver al ritmo hipnótico de la canción…Belus ha vuelto de los Infiernos de Loki.

La verdad es que el disco me ha dejado bastante satisfecho; es un disco que es lo que dijo Vikernes que sería: un disco muy parecido al disco Filosofem y el disco Hvis Lyset Tar Oss, pero sin sintetizadores. Y la verdad ha hecho un trabajo muy loable, ya que crear esos temas tan ambientales, e hipnóticos sin el uso de teclados es un trabajo arduo a nivel compositivo; a eso hay que añadirle que, a excepción de su último tema y su primer tema, hay cambios de ritmos, partes melódicas incluso registros vocálicos no blackmetaleros y ( aunque breve) ¡un solo de guitarra! (en el black Metal suelen haber muy pocos solos de guitarra y en el caso de Burzum no recuerdo ninguno, la verdad). Si sois de los que os gustaban los cuatro primeros discos de Burzum, hasta el Filosofem, este disco os gustará (además conocereis cómo eran los temas de su primera etapa como Uruk Hai, y esto lo recalca mucho Vikernes, que este disco NO tiene temas nuevos, o al menos la mayoría no son nuevos sino de su primera época bajo el nombre de Uruk Hai) si sois fans de sus dos discos anteriores (totalmente hechos con sintetizadores) no se si os gustará. En cualquier caso podreis apreciar un disco único en su discografía: un disco con cambios de ritmo, hipnótico sin sintetizadores y con varios registros vocálicos…un disco que, como dijo Vikernes no sólo es de Black Metal, se puede decir que es Pagan Ambient Black Metal (pero es que Burzum siempre ha sido así) más variado que los anteriores (Vikernes compone mejor, y eso se nota). El Conde Grishnackh ha vuelto. P.D: como habreis apreciado en la portada aparece un bosque noruego; ya os he dicho que el disco es muy nórdico, no sólo la música sino también la portada (muy pagano además), y lo que más me llamó la atención de todo fue el material del digipack del cd: cartón y papel reciclado (es de sobra conocido que los noruegos son muy respetuosos con su entorno y sus bosques…si podeis viajad a Noruega, vale la pena, y en vuestro viaje escuchad este disco).

Este es otro de los bosques que os podeis encontrar en Noruega, con “Trolls”  vigilando.

…y este bosque también está en Noruega, más espeso que el anterior, con menos luz y más inquietante. Aquí además de Trolls habrán Vikingos Berserker, como Varg Vikernes.

Antes de comenzar la breve reseña de este disco quisiera agradecer a H3R3J3 de este mismo blog por haber reseñado en su día este proyecto de Eöl, no lo conocía y eso que está en España (o como llamamos aquí a veces, en la Península Ibérica, concretamente en Bizkaia, Euskadi o País Vasco para quien no lo encuentre en el mapa). Tan buena música…y tan cerca de casa, (al menos tan cerca para mí). Sin embargo es extraordinariamente difícil conseguir sus discos, aunque recomiendo que quien los quiera puede contactar con la web de la banda de la que Eöl es teclista: Suffering Down, el correo electrónico es suffering@euskalnet.net (está en la web de Elffor si lo quereis confirmar). Y ahora la reseña.

Este es el quinto disco de este músico vasco; un disco que tiene varios elementos que lo diferencian de los anteriores de forma notable (sin grandes cambios, pues la evolución de su música ha sido y es gradual): sólo tiene 5 temas, pero de muy largo desarrollo, y la música además de ser más desgarradora es algo más agresiva que en los anteriores discos, con elementos más blackmetaleros que destacan por encima de los teclados (estos últimos siguen dando un ambiente muy épico y singular a su música).

1. A Cold Funereal Breeze: Un tema de casi 10 minutos que se inicia con una intro de sintetizador la cual parece el momento previo a una batalla, con efectos de sonido añadidos. Y sí, así es, la batalla instrumental aparece dos minutos después con batería, bajo y guitarras ultrarápidos y con teclados ambientales de fondo. El tema además de ser rápido es desgarrador, doloroso, melancólico, con cambios de ritmo que le dan un toque más épico (una de las mejores características de Elffor es que, siendo  Pagan Black Ambient no hace música minimalista ni repetitiva hasta la saciedad), así como la voz de Eöl dolorosa, lejana, como perdida en lo profundo de un bosque frío y oscuro. Lo que más destacaría del tema son sus llamativos cambios de ritmo. A mitad de la canción los sintetizadores y unos timbales (que usa en todos sus discos Eöl) introducen un cambio de ritmo muy épico, para dar paso a la velocidad propia del black metal alternada con cambios de ritmo más cortos. Un tema bastante elaborado.

2. Instinct´s Enslavement: Otro tema de larga duración (9:35 minutos), el cual tiene una característica que me llamó bastante la atención: es totalmente instrumental. Es un tema creciente, me explico: se inicia con unos acordes de guitarra oscilantes, a los que se añaden los teclados, el bajo y la batería aumentando cada vez más la velocidad; el tema va “In crescendo” con oscilaciones de ritmo. Muy angustioso (como su título tal vez), rápido, desesperado, desgarrado, pese a que tiene elementos blackmetaleros el instrumento que sirve de base a los cambios de ritmos es el sintetizador, el cual aquí tiene más protagonismo. A mitad de canción se produce un cambio llamativo, vuelven a sonar los timbales (o un instrumento muy parecido) como en el tema anterior e introducen una melodía muy épica, primero de sintetizador, luego secundada por los demás instrumentos,  (el momento que más me llamó la atención de la canción) volviendo a acelerarse y alternándose ritmos rápidos y más melódicos; incluso aparecen voces femeninas que dan paso a la parte final del tema. Uno de los temas que más me gustaron del disco (me gusta el disco en su totalidad, pero este tema fue uno de los que más me llamó la atención). No es la primera vez que en Elffor suenan canciones totalmente instrumentales.

3. Ancestral Spirit: El tema más largo del disco (10:56). Introducido por un sintetizador con melodías melancólicas. Posiblemente sea el tema más diverso del disco, ya que no siempre usa ritmos rápidos blackmetaleros, y es de los más ambientales. Un tema donde la percusión de timbales o similar es también protagonista en su primera parte. Una vez pasados 3 minutos y medio aparece su parte blackmetalera, rápida, con efectos de teclado que dan la sensación de angustia…y de fondo la voz de Eöl (la verdad es que parece un eco su voz, quizá eso pretendía). En uno de los cambios de ritmo gana protagonismo una guitarra rítmica muy deudora del black metal “Old School” (al estilo de Burzum en sus primeros discos)…y así hasta el final (donde se acelera todavía más la canción).

4. Chaos Moon: Ya desde su inicio empieza fuerte, rápida y angustiosa esta canción.Con un teclado épico y muy ambiental de fondo, y la voz muy dolida de Eöl más de fondo. Es el tema más intenso del disco (8:19 minutos). La estructura de este tema varia menos en cuanto a cambios de ritmo, y desde luego es muy loable la velocidad que tiene durante los ocho minutos que dura. Aunque también hay un cambio de ritmo a partes más lentas y ambientales (aunque duran pocos segundos) que dan paso luego a una alternacia de ritmos (la voz de Eöl se escucha más en este tema) más y menos rápidos hasta finalizar de esa manera. Otro de los temas que más me ha llamado la atención.

5. Icewind: Y con este tema de 8 minutos muy ambiental finaliza este quinto disco de Elffor. La presencia de teclados es omnipresente, así como de percusión rítmica a base de timbales. Y casi al final un cambio de ritmo a unos acordes de guitarra tristes, calmados (arropados con una base ambiental de teclados y efectos) seguidos por la voz de Eöl, voz que esta vez no es de alaridos lejanos y dolorosos sino tranquilla, algo grave, como si hablara.  Y así finaliza el disco.

Bueno, había dicho que sería breve la reseña pero veo que no. Aun así recomiendo este disco tan ambiental, tan doloroso y desgarrador. Consigue lo que quiere, nos transporta a unos paisajes fríos, ancestrales, desolados, congelados (Nos deja “congelados con su dolor”, que es así como se llama “Pena congelada”) con voces y ecos distantes y gélidos. Casi 50 minutos y 5 temas muy evocadores.

Buenisimo el ultimo disco de esta banda española, les dejo el super cover que hacen del éxito de los cranberries zombie.

01 - Wake Up
02 - The Battle Of Hatin
03 - Revolution On My Mind
04 - Insects
05 - Who Am I
06 - New Disease
07 - One More Time
08 - In The Temple Of Ram Rise Of The Bugs
09 - Forever
10 - Guerra Del Sol
11 - Zombie
12 - Insectos

Recomedado!

Su primer canción: Stoa apareció en el año 1992 en una compilación llamada From Hypnotic … to Hypersonic del sello discográfico Hyperium. Ese mismo año Stoa produce su primer disco: Urthona (una parte de los 4 Zoas que componen a Albion, el gigante hijo de Poseidón, según la mitología del poeta y pintor inglés Willian Blake), un hermoso disco lleno de poéticas melodías melancólicas, oscuras y llenas de misterio. 11 pistas componen este primer LP, tomando inspiración de poetas como William Blake, Kai Uwe Skerra, Alfred Lord Tennyson, Samuel Rogers y Alfred Lord Tennyson.

sToa - Urthona (1992), portada original

Infant Joy:

Dos años después (1994) sToa produce su segundo disco: Porta VIII, disco compuesto por 9 pistas inspirado en la ópera de Paul Dukas: Ariadne et Barbe Bleue (Ariadne y Barbazúl). Aunque este disco es más instrumental que el anterior, mantiene la escencia y estilo que ha caracterizado a esta banda, todos los lyrics de este disco están en latín.

sToa - Porta VIII (1994), portada original

Mors:

Después de una pausa de siete años, sToa vuelve al escenario con una nueva voz: Antje Buchheiser, sustituyendo a Conny que, al igual que esta última, es violinista y ha participado como corista en varias piezas de música clásica, además de otro nuevo integrante: Christiane Fischer, quien toca el Violonchelo y hace la 2da voz en los conciertos.

Con estos dos nuevos integrantes sale a la luz en el año 2001 el disco Zal (nombre de un legendario guerrero persa), un disco más poético que sus anteriores producciones, rico en arreglos de cuerdas, piano y menor uso de sintetizadores; las 11 melodías que componen este disco están inspiradas en poesías de James Joyce, Sam Rosentbal, Keiji Sayama, Paul Verlaine, William Shakespeare, William Blake y Boetbius. Como artista invitado está Barbara Uble en el Oboe.

sToa - Zal (1994)

I held the moon:

Seis años después (2008) se vuelve a saber de sToa con su nuevo disco: Silmand, que viene a significar algo así como Mes del alma, haciendo un fuerte cambio en el estilo musical que había mantenido esta banda, además de que en este disco se hace notar más la presencia de Christiane Fischer por el protagonismo del chelo, la banda incursiona en un estilo más Pop, alegre y folklórico (que personalmente no me gustan) en piezas como Broken Glass, Palldium y A Drinking Song, aunque en la mayoria de las piezas mantienen ese hermoso estilo melancólico y misterioso.

sToa - Silmand (2001)

La banda ha tenido una muy buena recepción en México, de los pocos paises donde la banda ha ofrecido conciertos, su última visita fue a este país fue en octubre del 2009.

Página oficial de Stoa
MySpace de Stoa

Banda con vocales femeninas, pero que la hace diferente? para mi ademas de la genial combinación de voces gulturales y melódicas, las guitarras que son sencillamente geniales, sigue el camino de las bandas con frontwoman pero a mi me gusto bastante, fuerte, directa y el disco no es monotono, el primer sencillo Forever more es una muestra de los buenos riff pero no refleja al resto del disco que es mas Metalero que lo que muestra esa canción medio power

http://www.myspace.com/lunamortismusic

Como nunca se ha reseñado nada de EBM en este blog comenzaré aclarando que las siglas EBM provienen de Electronic Body Music, un genero musical originado en los años 80 que fusiona musica Industrial con ritmos de Dance Electrónico.

Sinceramente no soy muy fan de este género musical, había escuchado unas cuantas bandas como Combichrist, Derma-Tek, Front Line Assembly, Dawn of Ashes , Suicide Commando, Hocico, Tantrum… y no me provocaban mucho que digamos, pero, cuando escuché a FGFC820 fue como si me hubieran presentado el EBM como algo nuevo y fresco, me agradó mucho el sonido de estos DJ, ritmos muy buenos y marcados, Lyrics de protesta a las guerras y la manipulación del gobierno hacia los ciudadanos estadounidenses.

Si primer trabajo fue un EP producido en el 2005 y titulado The Hanging Garden, limitado a 820 copias y empaquetado en una caja de lujo que además incluía un poster.

A mi modo de ver no fue un muy buen inicio, no digo que el disco sea malo, pero simplemente se queda corto… poca letra y ritmos repetitivos. La unica canción rescatable (World of God) salió también en su siguiente disco.

1. The Hanging Garden
2. The Hanging Garden (Babylon Remix)
3. Resolution Number One
4. World of God (Feat. Mika Goedrijk From This Morn’ Omina)
5. World of God (Soman Body Remix)
6. Resolution Number Two
7. Malfunction
8. Cold Front

Si siguiente producción, titulada Urban Audio Warfare sale a la luz en el año 2007. Este disco llega con la experiencia obtenida de su EP, el sonido es más saturado y el ritmo dance se hace más presente, con voces rasposas y agresivas los lyrics comienzan a mostrar ese lado de protesta social. Con este disco fue que conoci a esta banda.

1. Intro March
2. Children of Decay
3. Pray
4. Martyrdom
5. Resolution Number 3
6. World of God
7. Victim
8. Resolution Number 4
9. Perfect War
10. Comatose
11. Existence
12. Resolution Number 5
13. Anthem
14. Society
15. G B A

G B A:

Para el siguiente año (2008) llega su más reciente produccion Law & Ordnance, fue con este disco que re-descubrí a esta banda, una producción muy bien lograda que escucho una y otra vez sin cansarme.

El disco mantiene la escencia de su anterior producción, sin muchos cambios traen buenas piezas musicales llenas de ritmos agresivos.

Existe una edición limitada de este disco que incluye otro CD extra con remixes las canciones que componen el disco 1.

Disk 1:

1. Hello Baghdad
2. Democracy
3. Killing Fields
4. Resolution 6
5. Ch Bin Ein Auslaender
6. Vengeance
7. Momentum
8. Resolution 7
9. Emotion
10. Forsaken
11. Not the World that I Remember
12. Resolution 8
13. Dream for Tomorrow
14. The Heart of America

Bonus disk:

1. Children of Decay (C-Drone Defect Remix)
2. Anthem (Steinkind Remix)
3. Existence (Combichrist Remix)
4. Democracy (C-Lekktor Remix)
5. Killing Fields (Memmaker Remix)
6. America (Distorted Memory Remix)
7. Perfect War (Sam Remix)
8. Children of Decay (Northborne Remix)
9. Democracy (Xentrifuge Remix)
10. Killing Fields (Acylum Remix)
11. America (Mesmer’s Eyes Remix)

Not the World that I Remember:

Es grato encontrarse con sorpresas como esta banda que, como en mi caso, descubro nuevos estilos de música y aplio un poco mis horizontes, claro… no todo dentro de este género es de mi agrado, pero empiezo a encontrar bandas sobresalientes que, debo admitir: me agradan.

No solo de black metal vive el hombre

Su página en MySpace: myspace.com/fgfc820

“El Abad”. Esta imagen de la colección de grabados de Hans Holbein titulada “Le Danse Macabre” (La Danza de la Muerte) es la imagen que aparece en la portada del disco de los de Halifax. El nuevo trabajo de esta banda (el duodécimo) es un disco que merece mucha atención ya que es un disco , tal y como dijeron,  más duro y pesado que el anterior In Requiem, y  lo más duro y pesado que han hecho jamás. En mi opinión es su mejor trabajo, al menos su disco más complejo, elaborado y trabajado. Lo que más destacaría de esta obra maestra es el enorme y complejo trabajo de guitarras (Gregor Mackintosh y Aaron Aedy utilizan por primera vez guitarras de siete cuerdas). Este disco tiene elementos que bien recuerdan a sus cuatro primeros trabajos (Lost Paradise, Gothic, Shades Of God y Icon) pero es un disco que la definición más correcta sería “HEAVY” en el sentido literal de la palabra, Heavy=pesado. Incluso tiene bastantes elementos Trash Metal e incluso en algún tema hay elementos Death Metal de la vieja escuela (Obituary, Napalm Death…). Así que ya os podeis imaginar que el disco remite a varios tipos de metal (Heavy, Trash, Death…) anteriores a la formación de la propia banda (Paradise Lost nacieron como banda en 1988), es decir a la década de los 80. Voy a (intentar) comentar el disco canción a canción, digo intentar porque son temas de cierta complejidad musical.

1. As Horizons End. Tras unos coros de fondo el tema irrumpe con fuerza con las guitarras, bajo y batería sonando al unísono y de manera pesada.  Tras una pausa de un segundo vuelve el sonido pesado y heavy acompañado de la voz de Holmes, una voz más dura de lo habitual (parecida a la usada en el disco Shades Of God), voz que queda acompañada también por sintetizadores. Un cambio de ritmo hace que la voz de Holmes también cambie de registro. El tema es un tema bastante épico,  se alternan las guitarras melódicas y rítmicas con un ambiente pesado. Casi al final del tema aparece un solo de guitarra que ya nos arrastra hacia el final de la canción a la vez que suenan el resto de los instrumentos. Magistral.

2. I Remain. Pese a que su inicio es más duro que el tema anterior es un tema no va en la misma línea. También es dura la voz de Holmes en su inicio, al igual que la música. Sin embargo el ritmo cambia hacia melodías más melancólicas y registros vocálicos más agudos. El cambio de ritmo hacia una parte más melódica y hacia otra más rítmica y dura es un efecto muy logrado en este tema. Es un tema más bien gótico, pero no de los góticos  que habitualmente conocemos de esta banda. También de cara al final de la canción aparece otro solo de guitarra acompañado de las guitarras rítmicas.

3. First Light. Otro tema complejo y elaboradísimo. Es más melódico que el anterior,  más melancólico. Holmes utiliza varios registros de voz: sintética, dura y su voz normal. Se alternan cambios de ritmos con partes lentas de teclados y partes con líneas de guitarras rítmicas pesadas, así como partes de líneas de guitarras melódicas. Es un tema con bastante variedad, pese a que su velocidad es más bien lenta. Es un tema bastante épico. También hay varios solos de guitarras, uno de ellos tiene riffs que extrañamente parecen melodías árabes.

4. Frailty. Un tema prácticamente Trash Metal, muy enérgico y rápido. Personalmente es mi canción preferida (sin desmerecer el resto del disco, que es de mucha calidad). Aunque su inicio es, aparentemente, tranquilo y con coros y guitarras melódicas, inmediatamente se vuelve rápido. La voz de Holmes es desesperada, como la música. Se intercalan cambios de ritmo alternados con guitarras melódicas y rítmicas para volver a coger velocidad, y así sucesivamente (en algunos momentos la voz de Holmes se vuelve más dura).

5. Faith Dvides Us - Death Unites Us. Y llegamos a una de las dos canciones más tristes y melancólicas del disco. La canción homónima se inicia con una tranquila melodía de guitarra, y la también tranquila voz de Holmes. Sin embargo en el estribillo suenan los demás instrumentos con cierta dureza, pero transmitiendo melancolía, y la voz de Holmes se vuelve más dolorosa y desgarrada. Aquí también aparecen los sintetizadores (de los pocos temas con sintetizadores). La canción tiene un video que podeis ver en Youtube y en Myspace, es un tanto extraño el video, abierto a posibles interpretaciones.

6. The Rise Of Denial. Este es su tema más Trash y más rápido. También se inicia con coros como el primer tema. Y tras los coros irrumpe la música y la voz de Holmes con rapidez y dureza. Aunque Holmes usa aquí varios registros vocálicos el que más predomina es el grave y duro. Casi al final la canción se calma para introducir un solo de guitarra, el cual, a su vez, introduce la entrada, una vez más, rápida y contundente del resto de los instrumentos para acabar finalmente el tema tanto solo de guitarra como guitarras rítmicas, bajo y bateria. Dura, rápida e increíble; así es como suena esta canción.

7. Living With Scars. Posiblemente la canción más difícil de digerir de todo el disco. ¿por qué? pues por sus características. Su inicio recuerda al Death Metal de la vieja escuela (Obituary, Napalm Death…) en lo instrumental, ya que la voz de Holmes no es “deathmetalera”. Los riffs son muy característicos del Death Metal de los 80. Y tras este inicio cambia de ritmo, se vuelve más melódica, y Holmes canta con su registro más agudo, aparecen líneas más melódicas de guitarra. Otro cambio de ritmo más rítmico, con guitarra melódica de fondo,y una voz que parece un eco distante, y otro cambio de ritmo con solo de guitarra para finalmente dar paso una vez más al ritmo “deathmetalero” del inicio y al ritmo más melódico que le sigue, y así finaliza la canción.

8. Last Regret. La otra canción más triste y melancólica del disco (más aún que la canción homónima). Se inicia con un piano de notas melancólicas. De ritmo lento a veces y algo más rápido otras veces. Un tema muy triste y doloroso, y una voz de Holmes muy doliente, la cual en el estribillo se vuelve algo más desgarrada. Unas líneas de guitarra melódica muy interesantes . Atención al solo de guitarra de esta canción, introducido por guitarras rítmicas, poco a poco gana la guitarra melódica ya casi al final de la canción para introducir la parte final donde suenan guitarras melódicas y rítmicas a la vez que el resto de los instrumentos acompasados y la voz de Nick Holmes. Una canción espectacular. Uno de los mejores temas de su discografía. Además es otro de los temas donde suenan los sintetizadores, aunque se escuchan menos.

9. Universal Dream. (¿Se referirá el título al “Sueño del Todo, del Brahman”? puede ser). Otro tema Trash Metal, al principio con ritmos pesados y machacones, para luego cambiar a ritmos más melódicos, y un estribillo genial, el cual da paso otra vez a los ritmos pesados y machacones. La voz de Nick Holmes oscila a veces entre dura y más aguda. Otro solo de guitarra magistral casi al final de la canción nos vuelve a introducir en los ritmos que iniciaron la canción y al estribillo, que es la parte que concluye la canción.

10. In Truth. Esta es la última canción de la edición normal del disco. La estructura de la misma es otra de las cosas más llamativas de este disco. El tema es un tema lleno de desazón, deseperación, pero no es el típico tema con el que Paradise Lost acaba un disco; no es ni muy melancólica, ni dolorosa, ni desgarradora. Es un tema de ritmos más pausados, alternados con un registro de voz más normal; los riffs son más melódicos  y el ritmo no es ni muy rápido ni lento. Los cambios de ritmo están muy marcados, a diferencia de los anteriores temas. Aun así es una canción con cambios de ritmo y una estructura ciertamente elaborada, casi cíclica.

11. Cardinal Zero. El bonus track de la versión digibook. Un tema muy “Heavy”, con elementos “trashmetaleros”. Es un tema que recuerda al Heavy Metal clásico de los 80, duro, pesado. Hasta que a unos dos minutos del final cambia totalmente el ritmo de la canción hacia otro ritmo más melódico,  genial, magistral. El ritmo con el que concluye este tema es muy épico, oscilante entre doom y gótico, ya digo, genial, tremendo, con unas líneas de guitarra melódica muy buenas.

En la versión digibook del disco hay otro cd que contiene otros dos temas más. En realidad son dos interpretaciones que ha hecho la Orquesta Filarmónica de Praga de los temas Faith Divides Us - Death Unites Us y  Last Regret. Suena la orquesta con sus variados instrumentos y la voz de Nick Holmes.

En resumen, nos encontramos ante un trabajo muy maduro de Paradise Lost. Como he dicho, me parece su mejor disco, cosa que a otros fans no puede parecerles así. Sin embargo sí que es su trabajo más pesado, más “heavy”, más duro, más “trash” y más metalero. Es un disco que, tal y como le sucede a sus tres primeros discos (Lost Paradise, Gothic y Shades Of God los cuales os recomiendo que  escucheis, ya que Paradise Lost no empiezan en Icon , sino en Lost Paradise) apenas hay sintetizadores (en este disco menos que en en ninguno) y, por tanto, el sonido es más orgánico, más directo, más duro. No es un disco de escucha fácil si sois de los fans de Paradise Lost que os gustan los discos desde el Draconian Times hasta el Symbol Of Life, ambos inclusive. Sin embargo es el disco más elaborado, más trabajado y complejo.  Una vez más demuestran que son capaces de reinventarse y de no estancarse (como les ha pasado a My Dying Bride, que parecen los AC/DC del doom, en los que todos sus discos parecen casi idénticos). Y a los fans de Paradise Lost, a todos, les preguntaría una cosa ¿sois fans de la banda o de discos concretos? y pregunto esto apelando al nombre de este disco:  La Fe (gustos, estilos) nos divide - la Muerte (la banda, Paradise Lost, y su base musical, que no ha variado tanto) nos une.

Forever Is The World (2009) es un disco que se puede considerar híbrido de todos los anteriores; tiene elementos de todos los discos anteriores y eso, para mí, es muy bueno ya que se ve claramente la evolución de su trayectoria musical (personalmente no me gusta ni me interesa que un grupo publique un disco igual que tal o cual disco, ya que para eso tenemos a AC/DC, cuyos discos son iguales prácticamente o a My Dying Bride que les sucede lo mismo…¿es eso meritorio? la respuesta es no, pero es lo que muchos fans esperan, que no evolucionen). Obviamente no llueve a gusto de todos y también hay fans a los que no les gusta este disco por ser un retorno (pero desde su evolución actual) a los primeros discos. Lo que más destacaría de este disco es la vuelta a los gruñidos “death” de Raymond, una presencia muy notable del piano e incluso de violines en varios temas (sólo en su primer disco aparecen violines y en dos temas: “To These Words I Beheld No Tongue”  y  “A Distance There Is…”

1. Hide And Seek. Tras una introducción iniciada con sintetizador a la que se van sumando las guitarras , el bajo y un piano se inicia este tema muy doom, ominoso. Raymond utiliza su registro vocálico “death” y Nell canta en el estribillo, donde la música se vuelve más viva. Las guitarras son muy doom y recuerdan a la par al disco Velvet Darkess… y al disco Aegis. Lo dicho un tema más doom que gótico y uno de los mejores del disco.

2. A Nine Days Wonder. Este tema se incicia con una guitarra semiacústica (la cual tiene bastante presencia en todo el disco). El tema recuerda tanto al Aegis como al Storm, sigue un ritmo oscilante, melancólico y denso (las guitarras le dan esa densidad); sólo canta Nell esta vez. El trabajo de los sintetizadores y de lo que parecen ser violines oyéndose de fondo en algunos momentos le dan un toque muy elegante a la canción. El tema, además, tiene varios cambios de ritmo y con un final donde se oye claramente el piano y sintetizadores.

3. Revolution. Un tema que se inicia con melodías más bien árabes. Es quizá el tema más atípico del disco (también se oyen de fondo violines en algunos momentos. Los arreglos del disco son muy destacables por cierto). También canta Nell sola, variando sus registros vocálicos en algunos momentos. Es un tema más dinámico que el anterior. Ya digo, un tema muy elegante con los violines y teclados de fondo.

4. Transition. Una canción más triste, lenta y melancólica que las anteriores. La voz de Nell (que también canta sola) es más dulce aquí. Se inicia con el piano como protagonista, y aparece también la guitarra semiacústica (además de la batería y el bajo). Este es uno de los temas donde el piano es el instrumento más destacable. aunque también es un tema donde las guitarras doom le dan una textura densa en algunas partes. La combinación de los instrumentos es muy buena y propicia unos cambios de ritmo muy interesantes. Recuerda un poco al Velvet Darkness They Fear  por los pasajes de piano, pero también tiene elementos del Aegis y del Storm. Sobre todo al final del mismo.

5. Hollow. Y llegamos a otro de los mejores temas del disco (para muchos fans su mejor tema de este disco y uno de los mejores de su discografía). Es el más largo. Se inicia con una guitarra semiacústica, a la que se le suman una percusión muy marcada, un sintetizador melancólico y ambiental , la voz tranquila de Nell y el bajo. Poco a poco va el tema “In Crescendo” añadiéndose las guitarras doom (y también una, vez más, arreglos de violines de fondo, escuchadlo bien). Tras un momento de calma el tema se vuelve más metalero, más doom, más gótico, y Raymond aparece con su voz “death” tras el estribillo cantado por Nell. Y tras la aparición de Raymond  y de nuevo el estribillo la canción cambia de ritmo hasta finalizar con otro tipo de riffs  más doom, los cuales se transforman en riffs góticos acompañados de piano. Un tema muy completo (sin embargo es otro el que más me gusta). Recuerda a la par al Aegis y al Velvet Darkness They Fear, pero con la elegancia actual (que aquéllos no tenían).

6. Astray. Es quizá el guiño a sus discos “Musique” y “Assembly”, aunque Raymond utiliza su registro vocálico normal, no el sintético. La canción es oscilante, rítmica, con la voz de Nell que parece “dolida”, hasta que la eleva en el estribillo. Es un tema muy bueno. No es un tema electrónico aunque sí sigue un ritmo de algunos temas de los discos “electrónicos” (Musique y Assembly)  de la banda.

7. Frozen. Mi tema preferido (uno de los mejores de su discografía), un grandísimo tema doom. Es posible que sea su canción más triste. Se inicia con una guitarra semiacústica a la que se superpone y alterna el piano y las guitarras doom (por momentos parece un tema del Aegis, otros parece del Velvet Darkness They Fear). La voz de Nell suena suave, tranquila, melancólica, y se alterna con los gruñidos “death” de Raymond los cuales suenan en el estribillo acompañados de un sintetizador muy deudor de la época de sus primeros discos y del típico “rasguido” de guitarras del Aegis. Para luego volver a escuchar las guitarras doom y la semiacústica. Al final del tema cantan a coro Nell y Raymond con su voz normal, un gran (y tristísimo) final para el tema que más me gusta y otro de los mejores.

8. Empty. Esta canción es el bonus track de la edición digipack. Tras iniciarse con un piano Nell introduce su voz (canta sola) en un tema que también sique un ritmo oscialnte como Astray, pero más melancólico, con riffs doom intercalados de vez en cuando. Aquí el piano vuelve a ser el instrumento predominante. Y los riffs doom conforme avanza la canción también predominan más. Un tema “Aegis”, se puede decir.

9. Illusions. Una vez más aparece la guitarra semiacústica iniciando el tema, la cual predomina casi toda la primera mitad del mismo junto con la voz de Nell. Aquí también aparecen de manera muy clara los violines de fondo (más que los teclados o el piano), es, quizá, el tema donde más se aprecia el trabajo de violines y arreglos. Raymond canta con su registro normal. Y a mitad de canción cambia el ritmo para volverse más rápido, metalero, gótico. No se puede decir que se parezca a algún tema del Aegis o discos anteriores ya que el trabajo de violines y guitarras está mucho más elaborado. Y Nell eleva más su voz en la parte final de la canción.

10. Deadland. pese a su título es el tema más “vivo” del disco, el más dinámico, el más gótico/metalero. Con un estribillo en el que se alterna el teclado y la voz de Nell con los demás instrumentos (Nell canta sola). Tema en el que también aparecen los característicos riffs doom (los rasguidos de guitarra tan característicos del Aegis). Un tema híbrido que reguerda a la vez al Storm y al Aegis.

11. Forever Is The World. Y llegamos al final dels disco. Otra canción atípica de Theatre pero no por los ritmos que aparecen en “Revolution” sino porque es un tema sin demasiadas guitarras doom, ni muy metalero. Eso sí es uno de los temas más elegantes del disco y de su discografía, y de los más elaborados. Se inicia con un piano (sólo el piano), tras él Nell canta con su registro de voz más tranquilo, la cual modula según el momento y los instrumentos. Otro tema donde podemos apreciar muy bien los arreglos y violines tan omnipresentes en el disco. Nell canta sola. Aquí lo que se luce realmente son los violines, el piano, la voz de Nell, los arreglos y la madurez, en definitiva, que ha alcanzado la banda para elaborar canciones complejas, con muchos arreglos, muy trabajadas, con cambios de ritmo y muy buenas. Al final de la canción aparecen las guitarras (más góticas que doom), y gana en intensidad la canción.

En resumen, un disco que, musicalmente revisa toda su anterior discografía, un disco trabajado, muy elaborado y elegante (a mi parecer el disco más elegante de su trayectoria) con cambios de ritmo en todas las canciones, con muchos arreglos incluso de violines, un disco maduro es el trabajo que han hacho los noruegos Theatre of Tragedy. Me parece un disco muy bueno, igual de bueno que sus mejores discos (más maduro, para mí mejor) y mucho más elaborado y trabajado que los anteriores. Y un disco como ellos saben hacer. Y mi pregunta es: ¿Es necesario que estas bandas pioneras hagan otra vez un disco idéntico a anteriores trabajos? ¿Qué mérito tiene eso? Este nuevo trabajo de Theatre of Tragedy  es capaz de mirar todo lo anterior desde un punto de vista, precisamente,como he dicho y reitero por última vez: más maduro y elaborado.

Daemonium fue un proyecto secreto dirigido por Lord Vincent Akhenaton (antes Lord A. V. Daemonium), quien es miembro de otras bandas de metal como Amaymon, Winds of Sirius, The Seven Gates. El nombre Akhenaton proviene de un faraón egipcio, que cambió el culto religioso a Amón por el del dios solar Atón, pasando de tener un culto politeísta a uno monoteísta, de ahí la letra de las canciones que tengan tanto que ver con la mitología egipcia.

El disco fue producido en 1994 por Adipocere Records (conocida disquera de bandas francesas) y está compuesto por una sola pista de 26 minutos de duración, aunque la canción está dividida en 9 actos:

1. Act I - Necromancy
2. Act II - Chaos’s Resurrection
3. Act III - By the Sword in the Blood
4. Act IV - Close the Eye of Seth
5. Act V - Black Like the Hate
6. Act VI - De Legions
7. Act VII - Of Desolation
8. Act VIII - De Arcanum Daemonium
9. Act Final (IX) - And You’ll Raise Into the Light

Act VIII - De Arcanum Daemonium y Act Final (IX) - And You’ll Raise Into the Light

Sonidos ambientales, ritmos primitivos, voces de invocación, guitarras, sintetizadores y percusiones se encargan de transportarte a un mundo arcano, lleno de misterio y oscuridad.

Un año después Lord Vincent Akhenaton saca su siguiente producción, cambiando el nombre de la banda de Daemonium por Akhenaton (incluso conserva el diseño del logotipo), me imagino que con el fin de que lo identificara más facilmente con su personaje artístico.

El disco mantiene mucha escencia de su anterior producción, pero sobresale inmediatamente que el sonido está mas refinado y mejor compuesto, menos agresivo y más sinfónico (de ahí el nombre de “Sinfonías Divinas”).

Este segundo disco fue producido en 1995, consta de 10 pistas y de un total de 42 minutos de duración, aumenta el nivel sinfónico gracias a un mayor uso de sintetizadores, además de agregar una voz operística a las canciones.

1. Act I- Raising (Intro)
2. Act II- Unutterable Verity
3. Act III- Remissions / The Sign of Herou
4. Act IV- In the Circle of Wizards / Ritual
5. Act V- Chase With the Shadows
6. Act VI- Cross the Styx (Dance With the Souls)
7. Act VII- The Kingdom of Wisdom
8. Act VIII- At the Gates of Obscurity
9. Act IX- Final Battle (Against your Dark Side)
10. Act X- Pharao (The Karma of the Hierophante)

Act IX- Final Battle (Against your Dark Side)

Actualmente el proyecto esta deshecho y no se ven intenciones de volverlo a retomar, una lástima ya que a mi parecer es su trabajo más sobresaliente.