Esta imagen es la que aparece como imagen de fondo en la web de la banda, y me pareció interesante utilizarla como primera imagen de este post. Hacía 4 años del último (y gran) trabajo de Moonspell; un “Night Eternal” muy bueno, el cual confirmaba que se encontraban en un gran momento. Tras ello tuvieron unos cuantos problemas…básicamente su anterior sello discográfico SPV quebró y, por tanto, su nuevo trabajo tuvo que esperar para ver la luz. Y mejor que haya sido así, pues en esa época vimos como los Theatre of Tragedy decían adiós, Paradise Lost editaban su “Faith divides Us Death Unites Us” (ahora han editado su grandioso “Tragic Idol”), y los Watain editaban su gran obra maestra “Lawless Darkness”. Mucho ajetreo en esos años (y un 2011 bastante pobre en buenas ediciones de discos, la verdad). Ahora, los lusos Moonspell vuelven y de qué manera. Han editado un doble disco muy bueno, llamado “Alpha Noir / Omega White”, muy evocador, tanto en las portadas como en el año en el que se edita como en sus letras. Un doble disco que merece una gran reseña. Fernando Ribeiro comentó que su banda se “dividió en dos”, es decir, que unos querían seguir con la línea más dura de los dos discos anteriores y los otros querían hacer un disco más doom/gótico…así que hicieron dos discos. El concepto que han usado es de los más esotérico y ocultista que jamás hayan usado. No en pocas reseñas he hablado de la teosofía, de Helena Blavatsky, del hinduismo, y de conceptos similares…pues bien, en este disco se habla total y absolutamente de tales conceptos. Alpha es la primera letra del alfabeto griego, la equivalente a la hebrea Aleph y es lo primero (la primera manifestación del Logos no manifiesto, cuando se desdobla en un andrógino para poder crear, pues su primer estado es la Nada o Vacío, el Todo-Nada, el Parabrahman se desdobla para manifestarse a través de Fohat y poder crear con el “Verbo”). En la portada del artista griego Seth Siro Anton vemos a dos figuras femeninas (o que parecen ser femeninas) que representan el Alpha y el Omega, el principio y el fin del cosmos, ya que ambas cosas son lo mismo. “Yo soy Él”, aparece en el texto sagrado hindú Bhagavad Gita. Una representa la pureza y la otra la vergüenza tras haber culminado las Kalpas o los ciclos del Manvantara, la Rueda Cósmica. Así pues utilizando el vehículo del Cisne Negro vuelve a los orígenes; el Cisne Negro es llamado Kala Hamsa. Es un concepto dificilísimo de explicar, lo se. Parabrahman (el  Caos, o Ginnungagap, o Ain, o Sunyata, o la Nada-Todo el Absoluto o Infinito, o Hunab Ku, o Azathoth) cuando se manifiesta en el Logos (Brahman y su fuerza creadora consciente o Fohat/Atum/Thoth/Hermes/Mercurio/Buddha/Prometeo/Nyarlathotep/Lug…) utiliza el vehículo del Cisne Negro (tan presente en muchas culturas ancestrales) en su pregrinar de la Rueda Cósmica, transformándose en la Trimurti Hindú (Brahmá/Vishnú y Shiva) y sus múltiples avatares (no es casualidad que en el filme Avatar, del cual no soy fan, sean azules, mirad los dioses de la India y sus avatares como Krishna del Bhagavad Gita)…a este pregrinar por la Rueda Cósmica se le llama Manvantara, y cuando se disuelve todo otra vez en el seno del Parabrahman ( A Greater Darkness, el último tema de Omega White habla de eso entre líneas) empieza un Pralaya. Si en la anterior reseña (Tragic Idol de Paradise Lost) hablé del “Ídolo Trágico”, el Sol Negro, del Prometeo, del filme Prometheus (en relación a tal filme os recomiendo encarecidamente el libro de Ricardo González “Después del 2012″ y su último capítulo, o capítulo 13 “Cruzando la puerta estelar”…así como el libro “Tras Tres Cabezas del Elefante” de Sebastián Salado,  la “Doctrina Secreta” de Helena Blavatsky”, las obras de H.P Lovecraft, las obras de mi compatriota Mario Roso de Luna, las obras del verdadero Aleister Crowley) en esta reseña ampliaré bastante más de qué trata esta temática tan esotérica. El cuervo y la Serpiente son dos animales muy simbólicos también; el cuervo de Noé, y el cuervo que señala el Centro del Mundo (Omphalos) que es nombrado en el primer tema “Axis Mundi”. La serpiente tiene muchas alegorías, entre ellas el Caduceo de Mercurio/Hermes/Thoth. También os recomiendo la lectura de estos dos blogs los cuales me resultaron interesantes: “Otro blog sin futuro”, “Visión Rock” y “El Lado Oscuro-Metal Crítica”…(cito estos blogs porque yo no soy como ciertas personas que prefieren plagiar párrafos enteros, me explico: un párrafo entero de mi reseña de Samael: Above, fue literalmente copiado para añadirlo en la Wikipedia donde se habla de ese disco en la referencia de la banda suiza Samael. Sí, si buscais  Samael y clicais en su disco Above y luego comparais mi reseña que hice de la banda vereis que coinciden…luego dirá quien lo hizo que yo me copié, pero ha sido al revés…en cualquier caso yo no cobro por hacer estas reseñas, lo hago de manera altruista…yo trabajo de maestro en una escuela). Finalmente decir que el logotipo es el nuevo logo de la banda con el símbolo Alpha y Omega (en el alfabeto hebreo la última letra es la Tau, que corresponde al Logos Hermes/Fohat/Mercurio…esto también aparece en la novela “Las Tres Cabezas del Elefante” y en “La Doctrina Secreta”).

Dicho esto ya puedo decir que el disco trata del Gran Ciclo Cósmico del Parabrahman y de sus representaciones fractales, de sus multiversos, de nosotros mismos. La verdad es que de tanto hablar de este tema en anteriores reseñas parece que hayan hecho este disco ex-profeso para mí (es broma). En los blogs que he citado nombran que las letras “O” de MOONSPELL están entrelazadas formando el símbolo de Vesica Piscis, esto es la Inteligencia de “Dios” (el Parabrahman), su manifestación inteligente (o Verbum) sería Fohat/Atum/Thoth/Eros el poder eléctrico vital y se relaciona con la mítica “Hourglass Nebula” o Nebulosa del Reloj de Arena…la imagen que vais a ver no es ningún montaje.

El Infinito, el Ojo de Parabrahman…

Ésta es la portada del primero de los dos discos, Alpha Noir. Es más agresivo, musicalmente es Dark Metal, una mezcla de Black, Death, Trash y, a veces, Doom Metal. Fernando Ribeiro utiliza unos registros vocálicos muy graves, a veces deathmetaleros, a veces blackmetaleros y a veces su registro normal. Se trata, pues de la parte más agresiva y brutal. Ribeiro comentó que en este disco hay muchas influencias de bandas como Onslaught (cierto), Metallica (cuando eran buenos), Testament, Bathory, King Diamond o Artillery.Veamos el disco tema a tema.

1. Axis Mundi. Tras unos sonidos escabrosos de fondo la batería se aproxima de forma atronadora y con ella arranca la canción de manera brutal: Ipso Facto, AXIS MUNDI (Por este hecho sea creado el “Mundo” o Universo…eso es el Verbum, el Verbo del Logos que da lugar al universo y a la creación). Un tema muy machacón, muy brutal y contundente donde la voz de Ribeiro es totalmente deathmetalera y blackmetalera. Ritmos desenfrenados y machacones avanzan sin piedad. Un terremoto sonoro se apodera de la canción. Las guitarras rítmicas se alternan con ritmos crecientes y decrecientes. Un tema muy sofocante y espectacular donde no faltan partes de guitarra melódica, y un  fragmento algo más tranquilo donde Fernando Ribeiro canta con su voz de barítono. “La semilla de la esperanza derramada por los enfermos…”, “Estamos perdidos en un mundo que agoniza”. Axis Mundi son los lugares de fuerza donde se comunica este mundo con el “Mundo Intraterrestre” (de telón de fondo la Tierra Hueca); el Axis Mundi también es el Caduceo de hermes entre otras muchas cosas, su poder comunica con el “Centro del Universo y del Mundo” (de ahí la relación con la serpiente que lleva una de las figuras de la portada). Son muchos los puntos Axis Mundi en este mundo, tal vez el más mítico sea el legendario Monte Meru del hinduismo.

2. Lickanthrope. Unos rugidos dan inicio a este rápido y contundente tema. Esta canción ha sido elegida como el primer “hit” de la banda, con un peculiar video. Unos ritmos duros y mantenidos marcan esta canción dura, aunque no excesivamente rápida como la anterior salvo en algunos ritmos finales. Se trata de un tema más bien pesado y muy trashmetalero. La voz de Ribeiro sigue siendo dura y oscila entre el registro blackmetalero, deathmetalero y trashmetalero. Los lobos se reunen y reunen a la manada bajo la Luna. La letra de esta canción es bastante metafórica en relación a nuestra sociedad de borregos y los lobos que la cuidan.

3. Versus. Un ritmo oscilante pero agresivo inicia este tema en el que las guitarras melódicas tienen más peso que las rítmicas. La voz de Ribeiro sigue siendo muy rabiosa. Tras un cambio de ritmo la canción se endurece mucho y la voz de Ribeiro se vuelve mucho más dura, poco a poco la canción gana en velocidad y agresividad incluso aparece un breve solo de guitarra cerca del final. La letra hace continuas referencias a temas esotéricos: la Noche, el Caos, El Libro de Los Muertos, el Apocalipsis final y la verdad. Es deslizamiento hacia el final es el tema principal de la letra de esta canción la cual acaba de manera apoteósica y épica. Brutal.

4. Alpha Noir. El tema homónimo del disco el cual empieza con guitarras rítmicas muy duras. Poco a poco estas guitarras y unas guitarras melódicas dan lugar a un ritmo muy trashmetalero que se alterna con otros ritmos más y menos pesados. Las guitarras rítmicas y melódicas se intercambian en este tema que avanza implacable y cada vez más rápido donde en algún momento la voz de Ribeiro se tranquiliza un poco para luego volver a ser brutal. “Alpha Noir, Nuestra Verdad, Nuestro Código”, “queremos un mundo nuevo”, “El Orden del Caos”. Viene un mundo nuevo, implacable, viene la destrucción de este mundo podrido. Alfa-Omega, la verdad al descubierto para que se produzca la transformación. Un tema que también tiene solos de guitarra a pesar de su contundencia y pesadez. Gran tema.

5. En Nome Do Medo. Un tema cantado totalmente en portugués, la lengua nativa de esta banda. Un tema que se inicia con el bajo y la batería, los cuales dan paso al resto de los instrumentos de manera brutal. Unos ritmos trashmetaleros pero con la pesadez del Death Metal avanzan de manera implacable. La voz de Ribeiro sigue siendo muy brutal y machacona. Partes melódicas le dan una ambientación más siniestra si cabe a este tema ominoso, como indica su nombre: “En Nombre del Miedo”. Ya lo decía Lovecraft: “La emoción más antigua de la humanidad es el MIEDO; y sobre todo el MIEDO A LO DESCONOCIDO”. Un gran solo de guitarra irrumpe casi al final de esta espectacular canción. “Soy la luz que se expande, la sangre de tu sangre, el señor de tu tiempo” . “Soy el Miedo”. Y un tema con un final majestuoso.

6. Opera Carne. Otro tema con inicio muy trashmetalero y rítmico. El cual da paso a una parte más melódica y épica. Tras esta parte instrumental aparece la brutal voz de Ribeiro con gutarras melódicas y rítmicas. La pesadez de fondo se alterna magistralmente con unas melodías tremendas mientras Ribeiro grita con fuerza en el estribillo. Como he dicho se trata de un tema donde las guitarras rítmicas y las melódicas se alternan de manera magistral. Pese a su dureza el tema es un tanto melancólico y muy épico. Nuestra carne, tan frágil, tan dependiente del medio que nos rodea es el objeto de la letra de esta canción. Nuestro carácter mortal, nuestro dolor, la prisión de nuestra alma: nuestra carne.

7. Love Is Blasphemy. Unas guitarras melódicas y un ritmo vivo inician esta canción. Sin embargo cuando comienza a cantar Ribeiro el ritmo se vuelve mucho más duro y pesado. La canción poco a poco va transformándose en un tema que oscila entre el Trash Metal y el Death Metal, muy duro. Pese a que siguen apareciendo guitarras melódicas, éstas realzan la dureza de la canción. Un ritmo machacón y pesado se apodera poco a poco de la canción. Como si nosotros fuéramos una plaga, al igual que las ratas, nos reproducimos sin control y nos volvemos en nuestro principal problema. Una plaga que debe ser reducida y eliminada. Pues el amor es una blasfemia.

8. Grandstand. Tras un inicio un tanto pausado la canción se vuelve más rápida. Unos ritmos machacones dan paso a unas melodías de sintetizador que le dan un aire un tanto épico. Ribeiro canta con una voz dura y rasgada. Las melodías y los ritmos furiosos se alternan en todo el tema, incluso en el estribillo. Las guitarras melódicas tienen algo más de protagonismo en esta canción. Vivimos en este mundo de mentiras, donde ahogamos nuestras penas con lujuria, vivimos con desdicha y angustia. Cuando descubrimos la verdad o nos duele mucho o nos “mata”. Un solo de guitarra casi al final de la canción le da un aspecto más melódico, añadido a la voz más templada de Ribeiro en ese tramo de la canción. Si le quitamos la máscara a este mundo de mentiras vemos un mundo de dolor que nos hace daño y nos mata lentamente.

9. Sinne Missione. El único tema instrumental de este primer disco. Una canción que empieza tranquila, inquietante, en la que poco a poco se añaden instrumentos casi orquestales que le dan un aspecto muy épico e impresionante. Poco a poco va ganando en majestuosidad este inquietante y siniestro tema. Poco a poco se van añadiendo más intrumentos. El ambiente es tenso, como si fuera la tranquilidad que precede al FINAL, al APOCALIPSIS, al OMEGA (que no es otra cosa que el retorno al punto ALPHA). La intensidad va en aumento, así como la majestuosidad, cada vez suena más intensa esta canción. Las guitarras y la batería irrumpen con fuerza con los demás intrumentos. Poco a poco la canción va alcanzando su clímax. Tremendo, brutal, impresionante final. Unas guitarras finalizan este tema tan épico. Parece que este disco da a entender que estamos ante la “expansión” del universo llevada a cabo por el Logos una vez se desdobla…El Logos que se convierte en Demiurgo del universo que regenta, donde prevalece la tragedia y la ilusión ( el velo de”Maya” de los vedantinos).

Ésta es la portada de su segundo disco llamado Omega White. El cuervo y la serpiente de la anterior portada parece que están muertos. La figura femenina simboliza la llegada de la Kali Yuga (Era de la Desdicha), el final de un ciclo. Lo que aparece detrás es justo lo que lleva el dios hindú Shiva, el destructor, en su avatar de Kali (Kali es la parte femenina de Shiva y destructora del mundo y del univeso; como decía Oppenheimer, padre de la bomba atómica, citando el mítico Bhagavad Gita: “Me he convertido en la Muerte, la Destructora de los Mundos”). ¿Y por qué el Punto Omega es “blanco”? pues porque la manifestación del Logos, el Rayo Divino que emerge del Parabrahman (el Fohat) es una haz de Luz Blanca que ilumina el multiverso, los universos en este multiverso “Maya” o de ilusión. Así pues la Luz Blanca, esa Luz que hay al final del túnel y que nos lleva al Punto Omega en realidad nos lleva al punto de partida, al Punto Alpha (supongo que habreis visto la portada del “Aleph” de Jorge Luís Borges, donde aparece esa luz al final). También recuerdo que el color negro es del que vienen todos los colores, el color que absorbe todos los colores, uno de los dos NO-COLORES junto con el blanco; el color blanco (La Luz) viene del Negro (La Oscuridad) y a Él debe volver. Así pues Alpha y Omega son en realidad lo mismo.

El disco es más tranquilo que el anterior. Más doom, más gótico y melancólico. Se ven claramente las influencias de bandas míticas como Type O Negative o Sisters Of Mercy. Veamos el disco tema a tema.

1. White Omega. Unos sonidos de estrellas nocturnas inician este tema melancólico y triste. Las guitarras melódicas son más protagonistas que las rítmicas. Ribeiro canta con una voz de barítono tranquila y triste. en el estribillo Ribeiro canta de manera más solemne. Un tema cargado de melancolía y resignación. “En nuestro día del juicio no vamos a estar juntos”, “nuestro tiempo ha llegado”. Una vez llegada la expansión del universo de Alpha Noir ahora toca aceptar que volvemos al Punto Omega.

2. White Skies. Esta canción ha sido elegida como el hit de este disco. Tal vez sea porque es la más viva de este disco. Unas guitarras melódicas y una voz un tanto extraña de ribeiro dan paso aunos ritmos siniestros y contundentes. La canción es más “heavy”, más pesada que la anterior, y mucho más rítmica. en el estribillo unas voces femeninas hacen de coro a la voz de Ribeiro mientras la batería marca un ritmo casi tribal, y da paso a otro ritmo más vivo. “¡que se vengan a bajo los cielos! (¿se referirá a la caída de los cometas que vienen hacia aquí?), “los cielos blancos rugen con gritos de batalla”, “se encuentran los enemigos, amantes de la muerte”.

3. Fireseason. Tal vez la canción más triste y preciosa del disco. Unas guitarras acústicas inician este melancólico tema y dan paso a una sección donde la melancólica voz de barítono de Ribeiro y el bajo predominan sobre el resto de los instrumentos. En el estribillo Ribeiro usa un registro de voz diferente “Fireseason…” ya la irrumpción de un piano le da un aire épico que profundiza en esa bella melancólía. “¿Donde ha ido el mundo  esta noche?…a buscar el perdón”,”no queda nada, ni un jirón de vida esta noche”, “tanto se esfuma en al noche”…también se escucha un breve solo de guitarra. Parece como si tras los “cielos blancos” (¿caída de cometas, cataclismos y guerras?) todo se haya oscurecido y se esfuma.

4. New Tears Eve. El título ya lo dice todo. Tras unos acordes tranquilos de guitarra irrumple unas bonitas notas de sintetizador que son lo más distintivo de esta canción. Ribeiro sigue con su voz tranquila y, a la vez grave. …” y así caeremos, y así veremos lo que nos depara el futuro, en vísperas de una época de angustia. Un breve solo de guitarra da lugar a una parte aun más triste en esta canción tan bonita y triste como la anterior. Y la vuelta al ritmo del estribillo con esos sintetizadores finalizan la canción. Se ha comentado que esta canción está dedicada al fallecido Peter Steel, cantante y líder de Type O Negative.

5. Herodisiac. Unas guitarras acústicas  seguidas de la batería y unas notas de sintetizador dan paso a un ritmo muy metalero y enérgico con unas notas de piano rítmicas y melancólicas. La canción es un guiño a la mítica banda Post Punk llamada Sisters Of Mercy. Ribeiro comienza a cantar con tranquilidad pero en el estribillo unas voces femeninas hacen coro a su vez con unos ritmos más metaleros y rítmicos que recuerdan un poco a los coros que se escuchan en algunos temas de Sisters Of Mercy. Un tema, como digo más vivo que los anteriores y un tanto más siniestro, pero más rítmico y metalero. “Las estrellas se esconden en la sombra”, “el sudor corría por el cauce del río”, “esta noche duermo en la recámara de la reina”. Un tema que nos comenta el nivel de corrupción y podedumbre al que ha llegado una humanidad que está dando sus últimos pasos, donde ya lo horrendo y la sangre nos atraen…”¡sin reflejo en el espejo no hay salvación!, pese a que introduce elementos vampíricos en este tema da a entender que ya estamos condenados y somos almas en pena. En cualquier caso su letra es un tanto difícil de interpretar.

6. Incantatrix. Una canción que se inicia de forma muy tranquila y apacible. Unos acordes de guitarra melódica dan paso al bajo, a la voz de Ribeiro y a los demás instrumentos. Poco a poco va ganando velocidad pero no dureza. Una canción que va de menos a más y que cada vez se vuelve más metalera. Aunque en algunas partes vuelve al tranquilo ritmo inicial. “La gente muere y su tiempo termina”, “mira el pasado lejano”, “el trono se asienta sobre tierras vacías”,”hemos apalastado tu corazón con las manos vacías”…todo se desvanece para volver a ser como antes. Ya lo decían algunos filósofos: “El futuro no es más que el pasado que vuelve”.

7. Sacrificial. Unos ritmos un tanto sincopados y pesados inician este tema más pesado que los anteriores pero no exento de partes melódicas. La voz de Ribeiro sigue siendo tranquila y grave. Las guitarras srítmicas le dan mucha pesadez a esta canción densa. Guitarras melódicas se alternan para darle un toque algo más épico sobre todo en el estribillo. Incluso se escucha un breve solo de guitarra y unas notas de órgano muy solemnes Las letras de esta canción un tanto épica y desesperada giran en torno al “Verbo hecho carne”, al sentimiento de culpa, a la no recompensa de las acciones buenas,al odio que reina por doquier, en un mundo donde realmente no hay gloria ni perdón, en un mundo hecho por y para el sacrificio y el dolor…en el que todo volverá a ser cenizas y un sueño del Parabrahman (un mundo de ilusión).

8. A Greater Darkness. Último y majestuoso tema de este disco y de los dos discos. Unos acordes tristes de guitarra dan paso a un ritmo algo más metalero y éste a una parte de batería lenta y solemne donde comienza a cantar Ribeiro con aire de resignación y melancolía. Poco a poco van sonando más y más instrumentos que le dan un aire más monumental a la canción hasta convertirse en un tema muy épico y desgarrador. “Levantamos las manos por encima de las aguas…pero nuestros corazones se hunden cada vez más” . “El día (la luz) termina y la oscuridad lo cibre todo (otra vez)”, “¿no hay final para tanto dolor?” “, “¿no hay otra vida después ni esperanza?”. “Vernos ahogados y levantar las manos dentro del “monstruo”. De esta manera tan épica e impresionante termina el disco. El monstruo no es otra cosa que volver a la Oscuridad Inicial (también podía haberse llamado la canción The Greatest Darkness), de donde hemos surgido, ya que la Luz Blanca, que nace de esa Oscuridad Inicial nos conduce otra vez al Punto Omega (que no es otro que Alpha). Otro ciclo cósmico más, otra Kalpa cumplida y vuelta a empezar (con otra humanidad como decía Blavatsky y Jakob Böhme) y este es el gran drama de nuestra (NO) existencia y la Gran Tragedia Universal (y Multiversal). Monumental. Impresionante.

Esta imagen es el logo del disco y de la banda: el Alpha y el Omega con el “Ojo que todo lo ve”…tal vez sea el Ojo de la “Hourglass Nebula” (o Vesica Piscis) que hay en otra imagen de este post. El Ojo del Logos, de Hunab Ku.

Esta foto es de la edición especial del disco (de la cual tengo una copia). Incluye un colgante del símbolo Alpha Omega.

Éste es el colgante que contiene la edición especial del disco.

Una foto actual de la banda.

Otra foto actual de la banda (la verdad es tienen cierto parecido con esa ropa y esas gafas a la apariencia que tenían Sisters Of Mercy).

Sin duda este doble disco es el mayor esfuerzo que ha hecho Moonspell y, para mí, el mejor de sus discos. Como también esta reseña es la reseña que más me ha costado hacer y la más larga de todas; pero el doble disco se merecía una reseña así. Recomiendo este doble disco a todo el mundo metalero y no metalero, a los que seais fans de la banda y a los que no lo seais. Hacía tiempo que no escuchaba un disco tan bueno. El disco Tragic Idol de Paradise Lost ha sido un gran disco, para mí el mejor de su trayectoria. Este disco, Alpha Noir / Omega White, ha sido para mí el mejor de la trayectoria de Moonspell. Ambas bandas demuestran que no viven de rentas y son capaces de hacer muy buenos discos.

Ésta es la portada de la edición limitada y de lujo del nuevo trabajo de Paradise Lost, concretamente su disco número 13. En otro lugar de esta reseña vereis su portada normal. Tras el disco “A Fragile King” en su proyecto llamado Vallenfyre Gregor McKintosh decidió retomar Paradise Lost (la verdad es que no se habían separado). Y esa dolorosa experiencia (la muerte de su padre) así como la catársis sufrida le sirvió para hacer el que puede ser considerado junto con Icon y Draconian Times su mejor trabajo. Personalmente para mí es su mejor trabajo. Es cierto que dijeron que sería algo más melódico, heavy y a la vez más orgánico que su (excelente) trabajo anterior. Yo esperaba un gran trabajo, pero este disco ha superado todas mis expectativas. Editado en un momento en el que otras grandes bandas del Doom/Gothic (y Black Metal en el caso de Moonspell) han editado también los que parecen ser sus mejores trabajos: Moonspell con su Alpha Noir/ Omega White (de la que haré otra reseña) y The Foreshadowing con su Second World (de la que haré una reseña de toda su discografía hasta la fecha (tiene tres discos).

La temática del disco sigue siendo la temática encriptadísima que suele demostrar esta banda, tan encriptadas son sus letras como los cuentos de Jorge Luis Borges. Tragic Idol puede hacer referencia a ídolos trágicos de la humanidad. Sin embargo ese Sol Negro que aparece insinuado en la presentación de su disco tiene mucha simbología: el Sol Negro representa al Demiurgo Logos creador de este universo, a la tragedia, al Prometeo (animo a la gente que vaya a ver este verano el filme Prometheus de Ridley Scott, el cual, relamente, NO es una precuela de Alien, se llevarán una sorpresa que les hará reflexionar y mucho quienes vayan a verla), al Fohat que ya he mencionado otras veces en relación a la Teosofía de Blavatsky, al Único (o como ellos dicen en us primer tema “Solitary One”); ahora me estoy leyendo obras de mi compatriota Mario Roso de Luna, como la Simbología Arcaica y me ayudan a entender mejor estos conceptos tan complejos…Por supuesto que los Paradise Lost conocen estos conceptos tan esotéricos y profundos, así como las otras bandas que he mencionado (Moonspell usa el símbolo del Alpha Omega al igual que The Foreshadowing). Casualmente según el Chilam Balam y el Popol Vuh comentan que el Absoluto (Hunab Ku) se desdobla en el andrógino llamado Itzam Na, o Dios Trece (el Único, Logos o Atum egipcio que crea a todos los demás). No voy a insistir en el tema si no estais familiarizados, pero ayuda a entender tales letras tan encriptadísimas.

1. Solitary One. Un tema muy “doom”, muy pesado y con ténues sintetizadores inicia este grandioso disco. Una canción lenta, muy pesada, con melodías intercaladas, la cual causa mucho desazón. Por momentos la voz de Holmes sobrecoge, parece que está invocando al Único, al Tragic Idol, al Prometeo. El Único, el Solitario que con su “amor” nos absorbe la vida y nos deja agotados para que volvamos a Él tras este breve paso por este mundo. Monumental.

2. Crucify. Otro tema de inicios pesados y lentos, pero que, tras un cambio de ritmo se vuelve más rítmico y machacón. Un gran tema doom metalero. Las guitarras melódicas hacen su presencia alternándose con las pesadas guitarras rítmicas. Impresionante tema. Y no digamos del estribillo, donde las guitarras melódicas crean una atmósfera desesperada. Greg nos demuestra su talento con la guitarra. Hacía mucho tiempo que no se escuchaba un tema tan pesado en este grupo.

¿Estoy soñando?
Un pecador antes de morir
¿Estoy soñando?
La sentencia que decida
Crucificar
Crucificar
Por toda la eternidad tu eres mi condena
Crucificar

Así finaliza este tema, y ¿por qué no decirlo? acaso no es esta vida, tal y como dicen los hindús una ilusión, un mundo “Maya”. ¿Estamos soñando? tal vez y nuestra “crucifixión” será nuestra redención, y despertar. Grandioso.

3. Fear of Impeding Hell. Tras unas notas que parecen un eco lejano y unas lineas melódicas de guitarra muy bellas y tristes se inicia este monumental tema, para mí uno de los mejores del disco. “Miedo a un infierno inminente”. Desde luego con la que está cayendo a nivel mundial parece que es y será así. Parece una letra extraída de textos de Arthur Schopenhauer. Escapar de este mundo “Maya”, (como ya he dicho en el tema anterior, y como digo ahora, pues este disco, a nivel lírico es conceptual) de este infierno que es la vida. Despertar siguiendo una Luz Blanca, volviendo al Absoluto guiados por el Único. Parece que ya no se tiene miedo a esa luz ni a ese “despertar” tras haber visto dentro de la profundidad del alma de uno mismo (somos una representación de ese vacío, de esa Nada-Todo, y una mirada introspectiva hacia nuestro interior nos revela esa “Luz” que procede de la Nada-Todo). La canción alterna ritmos pesados con ritmos muy melódicos y melodías muy tristes a modo de eco, las cuales suenan cuando Holmes canta el estribillo. Ya digo, un tema muy épico, melancólico y muy arrebatador. Uno de los mejores. Y eso que todos los temas son muy buenos. Casi al final de la canción hay un solo de guitarra, ya dijo Greg que en este disco habría bastantes solos de guitarra.

4. Honesty In Death. Tras un inicio pesado y melódico a la vez la música inicia unos ritmos muy pesados alternándose con partes melódicas, a la vez que Holmes dice unas frases muy contundentes. “En medio de la locura…en medio de la angustia…mis lágrimas y mis oraciones son para mí mismo…” . Ha sido el primer tema del cual han hecho un video, y la verdad es que me recuerda a varias cosas: por una parte al filme “The Road” basado en la novela del mismo nombre. Para curiosos/as esta novela se centra en la cuarta parte de una novela/ensayo científico muy extensa llamada “El Martillo de Lucifer” (“Lucifer´s Hammer”) donde la caída de un cometa provoca unos cataclismos y las consecuentes guerras, y la, también consecuente, glaciación que sigue a tal evento…The Road se basa en tal novela/ensayo científico…quien sabe, pues ese Sol Negro que nos envía tales cometas existe. El protagonista del video también me ha recordado a un gran icono musical fallecido, Ian Curtis, cantante de Joy Division y su tormentosa vida; padre de una hija, infiel a su mujer Deborah Curtis (la actriz del video que interpreta a la mujer del protagonista tiene cierto parecido a Deborah Curtis, al menos a la Deborah Curtis que aparece en el filme “Control”, que cuenta la vida de Ian Curtis y Joy Division)  también le ocurre algo parecido (no lo sucedido en la catástrofe) y acaba igual, ahorcándose. Tal vez este video sea un guiño, entre otras cosas, a Ian Curtis y Joy Division (seguro que los Paradise Lost vieron el filme “Control”). Otro tema muy doom metalero e implacable. Tremendo tema. Las partes melódicas son muy buenas también. Honestidad hasta la muerte y en la muerte.

5. Theories From Another World. Éste es uno de los temas más trashmetaleros y contundentes del disco. Rápido y contundente. Tras unos acordes de guitarras la canción se acelera. Nick cambia de registros vocálicos según las frases que dice. Aunque las guitarras melódicas hacen presencia lo hacen acompañando las guitarras rítmicas. Rabia, desesperación y furia destila este gran tema. El estribillo es otra de las mejores partes de la canción. Casualmente ahora se habla bastante de otros mundos habitados. Me remito otra vez al filme Prometheus para que entendais un poco mejor este tema. “Otro mundo, otro salvador” de esta humanidad cobaya, apática y desesperada. Desgarrador tema, con partes melódicas y rítmicas muy aceleradas y muy buenas…y un espectacular y ominoso final, de los mejores que he escuchado…más que ominoso es muy desesperante y desazonador. Brutal tema hata el final.

6. In This We Dwell. En este mundo de (des)ilusión moramos. Otro gran tema muy enérgico y furioso como el anterior, pero de inicio algo más melódico. Unas guitarras rítmicas pesadas marcan la canción. La alternancia de ritmos pesados y melódicos con mucha fluidez marcan este impresionante tema. Moramos en undo de angustia, muerte, acostumbrados al dolor y a la pena…así es el lugar en el que moramos (desde luego razón no les falta). La canción es algo menos rápida que la anterior pero más pesada. Mientras meditamos pensando en otros mundos sobrevivimos y nos adaptamos con angustia a las penurias de este mundo en el que moramos. Y, por supuesto, cerca del final de la canción aparece otro gran solo de guitarra.

7. To The Darkness. Otra canción llena de energía y mucha rabia. Unas guitarras melódicas inician este tema que inmediatamente adquiere velocidad. Las guitarras rítmicas se alternan de manera excelente con las guitarras melódicas que hacen un trabajo muy bueno. Holmes también hace su parte con sus registros vocálicos. No toda la canción va deprisa, hay un momento en el que se vuelve muy doom y pesada para dar paso a un gran solo de guitarra y al ritmo inicial y así acabar. Todos somos iguales en esta vida angustiosa que nos exclaviza y nos desespera, la cual, amanecer tras amanecer nos lleva a la oscuridad, a los días oscuros que parecen “los más claros”. Otro de sus temas más enérgicos y rabiosos, otro de sus mejores temas.

8. Tragic Idol. Unos impresionantes acórdes semiacústicos dan inicio a esta canción. A los que le siguen unas melodías muy melancólicas y una parte muy doom metalera y pesada. Holmes alterna registros vocálicos de manera magistral en medo de unas guitarras rítmicas muy densas. Y un estribillo rompedor con guitarras melódicas y rítmicas mezclándose con la voz de Holmes gritando. Tras un solo volvemos a esos acordes semiacústicos con la voz tranquila de Holmes  y el ritmo inicial finalizando la canción. ” En medio de un sueño de esas palabras frágiles todo cuanto tenemos se desvanece”, ” lo oscuro del alma me abraza y me salva”. Otro de los temas que más me gustan de este disco, tremendo, muy bueno.

9. Worth Fighting For. Luchar por algo que valga la pena en este pútrido mundo. Unas baterías “tribales” inician este gran tema. A las que se añaden las guitarras rítmicas y unas guitarras melódicas muy hipnóticas, tanto como la voz de Holmes. Un cambio de ritmo más tranquilo y triste da paso a otro más desgarrador. Y luego a otro más melódico. Luchar por cosas en este desesperado mundo, por cosas que van contracorriente. La lucha contra la desesperación y la angustia, la lucha contra los sueños que nunca se cumplirán y se desvanecen como las ilusiones. Gran y épico tema.

10. The Glorious End. Como también es muy épico el tema que finaliza el disco propiamente dicho. Unos riffas de guitarra dan paso a un tema que comienza muy melancólico y oscilante. Pero que poco a poco va adquiriendo ritmo. La sguitarras melódicas tienen más presencia. La voz angustiosa y dolorosa de Holmes tmabién hace su presencia. Musicalmente es un tema que es bastante variado en cuanto a ritmos y , sobre todo, melodías. Cerca del final hay un solo de guitarra muy bueno y desgarrador. Un final glorioso nos espera, un final hacia el que nos desvanecemos, hacia la gloria del Único que nos devora(rá) a través de su Luz hacia nuestro glorioso final, tras “esta terrible experiencia” en este mundo que moramos. Desde luego este tema es un “Glorioso Final” del disco.

11. Ending Through Changes. (Bonus Track) Tras un tranquilo y triste inicio todos los instrumentos irrumpen de manera majestuosa y apocalíptica, como debe ser. Tras esta impresionante irrupción Nick Holmes canta con una ominosa tranquilidad, y da paso a un estribillo desgarrador: “Ending Through Changes”. Tras el cual la canción se torna un tanto desgarradora y da paso de nuevo a melodías tranquilas que a su vez vuelven a otras melodías más duras acompañadas de un gran y épico solo de guitarra. Y tras esto el brutal y desgarrador estribillo finaliza la canción. Todo finaliza con cambios…para que nada cambie, y vuelta a empezar, con, tal vez “otra humanidad nueva” y “otro mundo nuevo”. Un Bonus Track muy, muy bueno, muy épico.

12. Never Take Me Alive. (Bonus Track. Spear Of Destiny cover version). Una escelente versión de una de las míticas bandas británicas de post punk de los 80 (queda claro que el  British Post Punk, Dark Wave o Cool Wave de finales de los 70 y principios de los 80 ha inspirado mucho a Paradise Lost: Joy Division, Dead Can Dance, Spear of Destiny, The Chameleons, Bauhaus, Fields of The Nephilim, Killing Joke,The Cure,Siouxsie and The Banshees, Cocteau Twins, Sisters of Mercy…estilo musical del que he sido y todavía soy fan). Un tema que va de menos a más intenso, muy bien versioneado e interpretado por esta genial banda.

13. The Last Fallen Saviour. Este tema no está en la edición especial. Es una cara B que se editó de manera independiente. Pero pude conseguirlo. Se trata de un tema muy heavy/trashmetalero. Corto pero muy intenso y muy bueno. Unos acordes de guitara dan paso a unos ritmos rápidos y muy vivos. Unas guitarras rítmicas muy contundentes se alternan con unas guitarras melódicas muy bien ejecutadas. Un gran solo de guitarra aparece casi al final de esta tremenda y buenísima canción. Y un Nick Holmes que canta con mucha pasión. El último salvador caído, aquel que nos llena de esperanza ante tanta injusticia y tragedia, aquel que nos ayuda a soportar el dolor…aquel que está dentro de nosotros y escuchamos su voz; un dolor y unas lágrimas que nos ayudan a soportar este mundo.

Hacía tiempo que no escuchaba un gran disco. Paradise Lost no tienen ningún disco que sea malo, ni se les ha subido la fama a la cabeza, como tampoco viven de rentas como otras bandas. Pero no me esperaba que publicasen el que, para mí, es su mejor disco. Un disco tremendo, muy épico y con muchas lecturas entre líneas. Un disco que a cada escucha gana más y más; uno de los mejores discos de este 2012 (junto con el Alpha Noir/Omega White de Moonspell y el disco Second World de The Foreshadowing). Quien lo diría. Recomiendo a todos los metaleros/as y no metaleros/as a escuchar este gran disco.

Ésta es la portada de la versión normal del disco y la imagen que aparece (una de las imágenes) en el interior de la funda de la edición limitada del disco. Una imagen muy barroca, con la muerte y El Sol Negro que aparece detrás. Portada muy buena, por cierto, del diseñador parisino Valnoir.

Una imagen reciente de la banda.

Y otra imagen de la banda.

Realmente no se con que banda compararla que les de buena idea de que se van a encontrar, ojo y no es que el sonido sea unico, nada mas lejos de la verdad, es que realmente no importa! es simplemente musica para soltar el cuello!

Nos leemos!

A estas alturas imagino que conocereis todos este disco, pero pienso que se merece una reseña. El disco es de 1998, pero en 2008 la banda decidió reeditarlo, al igual que sus discos: Angels Fall Fisrt, Wishmaster, Century Child, y el E.P Over The Hills And Far Away (curiosamente hay una canción de la banda de rock gótico The Mission UK que se llama así). Oceanborn fue el disco que supuso el gran salto cualitativo en la banda. Aunque el reconocimiento les llegó con Wishmaster la verdad es que Oceanborn es su mejor obra maestra. Muchos creen que Nightwish empezaron a flojear tras la marcha de Tarja, pero pienso que ya en los discos Century Child y Once pese a que estaba Tarja ya no mostraban tanta calidad, aun siendo discos muy buenos. Este disco está lleno de simbolismos tanto en las letras como en la portada: Las Aguas del Océano del Caos (Nun para los egipcios, o las “Aguas de Ain” que decían Watain en su disco más reciente). El búho o lechuza como mensajero de los dioses (el Búho de Minerva), la mujer que representa la Tierra, el espíritu de Gaia; el Ojo que Todo lo ve, el ojo de Horus/Osiris reptiliano, que parece la Luna en la que está reflejada la Tierra, siendo observada está última por ese Ojo representado por la Luna. Un disco con referencias totalmente esotéricas.

1. Stargazers. Unos solemnes sintetizadores inician este rápido y épico tema. La voz de Tarja irrumpe de manera tan épica como los demás instrumentos. Tarja utiliza en este tema diversos registros vocálicos operísticos unos más intensos que otros. Las guitarras y los teclados se compenetran perfectamente en este tema más powermetalero. Stargazers pueden ser los “astrónomos o astrólogos”, y con esta ambigüedad juegan, ya que en la Edad Antigua astronomía y astrología eran una misma cosa. ¿Y quienes eran esos “dioses astrónomos o astronautas” de la humanidad?. Tras varios cambios de ritmo unos más épicos que otros la canción se vuelve un tanto tranquila para finalizar de manera apoteósica.

2. Gethsemane. El tema que más me gusta del disco. Aunque se inicia con todos los intrumentos a la vez el teclado, en este caso piano adquiere un gran protagonismo  durante toda la canción. La voz de Tarja también adquiere gran protagonismo. Las melodías son más góticas, más melancólicas y tristes. Una vez más Tarja vuelve a utilizar varios registros de voz. A mitad de canción se produce un cambio de ritmo hacia melodías más épicas pero igual de tristes. Gethsemane además de ser un nombre femenino es también el Huerto de los Olivos donde estuvo Jesús de Nazaret antes de morir. Así que la letra es una alegoría al dolor, a la pena, al sufrimiento, a la angustia y la soledad.

3. Devil and The Deep Dark Ocean. Este tema es más ominoso y siniestro, además la presencia de una voz masculina (Tapio Wilska) acentúa más esa característica. Los instrumentos  van acelerados, pero no da la sensación de ser un tema powermetalero. La voz de Tarja es más ominosa, igualmente operística pero no transmite sensación de melancolía sino de desazón. Tras un momento pausado, unos registros vocálicos masculinos más crudos llega una parte más épica pero igualmente ominosa en la canción. Es en este tema donde se habla de los elementos de la portada del disco (la lechuza, la dama de blanco, el océano, el Ojo). El Primogénito Lucifer (mal llamado el diablo) el “Oceanborn”, que empieza y finaliza los ciclos de la eternidad.

4. Sacrament of Wilderness. Otro de los grandes y épicos temas del disco. Unas notas de sintetizador abren este gran tema. Pese a que el tema tiene partes más rápidas es más propio del Gothic Metal. La voz de Tarja es más bien triste excepto en los coros que se vuelve más épica. El Sacramento del Yermo habla de la soledad de los páramos del Norte de Europa, de la nieve, del frío, de los lobos, de la noche oscura. Tras un breve solo de guitarra el tema acaba repitiendo de manera muy épica el estribillo, cada vez más rápido.

5. The Passion And The Opera. Unos acordes rítmicos de guitarra inician este tema tan curioso. La voz de Tarja entra con unos sincopados y muy imponentes rítmos. Los cambios de registro vocalícos de Tarja vuelven a ser notables en este tema). A mitad de tema se produce un gran cambio de ritmo de manera que la canción parece otra; Tarja hace unos registros de voz totalmente operísticos para finalizar de manera épica la canción. A ritmo de ópera se describe la pasión y la lujuria como elementos innatos en nuestra naturaleza humana.

6. Swanheart. Con unas tristes notas de piano y flauta se inicia esta hermosa y a la vez triste canción. La voz de Tarja es igualmente muy triste y bella. Poco a poco van entrando los demás intrumentos hasta acabar de manera más triste si cabe que cuando empezó el tema. El amor por seres queridos, la tristeza por la pérdida de los mismos, la añoranza son conceptos que aparecen en la letra de este triste pero a la vez hermoso tema.

7. Moondance. La danza de la Luna, se llama este baile pagano y tal vez tribal. Tras unas notas de piano entran los demás instrumentos pero de forma que parece todo una danza pagana (parece no, es una danza). Tras una pausa tranquila marcada por un piano y una flauta vuelven los sonidos propios de la danza cada vez más intensos y rápidos e incluso con coros al final de la canción. Una canción ideal para bailarla de noche, en un claro de un bosque nevado y a la luz de la Luna llena.

8. The Riddler. (El acertijo). Una canción que es más bien épico-gótica. Tarja se vuelve a lucir con sus registros vocálicos tan buenos. Las guitarras tienen más protagonismo y lo mejor de la canción: un estribillo bastante épico. Todo ello aderezado con un ritmo muy dinámico. ¿Quienes somos? ¿De dónde venimos y a dónde vamos? ¿Por qué estamos aquí? La propia existencia es el gran acertijo el cual sólo lo saben las profundas aguas del océano del Caos. Éste es otro de los mejores temas del disco.

9. The Paraoh Sails To Orion. Otro de los temas ominosos y posiblemente el más impresionante del disco. Una vez más se vuelve a escuchar una voz masculina que le da un toque muy ominoso y siniestro al disco. Los instrumentos también suenan igual de ominosos (atención al piano que suena en la canción) al menos la primera mitad de la canción, incluso la voz de Tarja suena como si estuviera anunciando el Apocalipsis. La canción tiene un ritmo bastante rápido y enérgico. a mitad de canción hay un cambio de ritmo que vuelve el tema bastante más imponente y espectacular. El Faraón viaja (navega) a Orión, la “patria de los dioses egipcios”. Recientemente se ha descubierto en las Pirámides una Barca Sagrada, como si el Faraón hubiese pretendido realizar un viaje estelar. Orión, el lugar hacia donde están orientadas las Pirámides de Giza, uno de los lugares mágicos para el Antiguo Egupto, el otro es Sirio. Y allí espera evitando mirar al rostro del  dios Horus/Osiris/Seth (o Nyarlathotep, como lo llamaba Lovecraft). Monumental tema.

10. Walking In The Air. Se trata de una excelente versión del tema de Howard Blake que lleva el mismo nombre y que compuso para el filme “The Snowman”. La versión original está compuesta para niños pero esta versión posee una variedad instrumental mayor. Ya digo, majestuosa versión de un bonito tema, con guitarra melódica y cambio de ritmo incluídos.

11. The Sleeping Sun. El tema que cierra el disco. Otro tema muy melancólico y triste. La voz de Tarja es lo más destacable en esta canción, acompañada de sintetizadores también muy tristes y melancólicos. Los demás instrumentos suenan de forma tranquila. en el estribillo de la canción la voz de Tarja cambia de registro siendo más imponente y haciendo que a uno se le ericen los pelos. Cuando el sol se esconde la noche queda reflejada en el océano tranquilo y oscuro, donde también queda reflejada la melancolía, la tristeza y la pena.

12. Nightquest. El Bonus Track del disco. Una canción bastante heavymetalera. donde las guitarras eléctricas (aparece un pequeño solo de guitarra) tienen bastante protagonismo pero donde también el piano juega un papel muy importante, y menudas notas de piano. Un tema muy dinámico y vivo. La voz de Tarja también adquiere un tono muy vivo y dinámico. La temática es un tanto fantástica, la búsqueda nocturna de personajes fantásticos y de lugares de ensueño. Quizás es lo que trae o lo que inspira una noche mágica en “la Tierra de los Sueños”.

Los otros  temas son canciones en directo de tres de los temas de este disco (Sleeping Sun, Swanheart y The Paraoh Sails To Orion). El mejor disco de Nightwish se merecía una reseña (aunque tampoco está nada mal el disco Wishmaster) y por ello he hecho esta reseña. Hay discos que por mucho que pasen los años nunca envejecen ni pierden cualidades, al contrario, ganan en calidad y se convierten en clásicos, y este disco es un claro ejemplo.

Una foto de la banda en la época de la primera edición del disco (1998)…¡Sí, Jukka no tiene el pañuelo en la cabeza!:

El nombre de la bandam Nachtblut es una amalgama de las palabras Noche y Sangre en Alemán, (algo asi como decir “Noche de Sangre” o “Noche sangrienta”), la banda fue formada en el año 2005 en la ciudad alemana de Osnabrück por Sacerdos (Voz, Bajo), Askeroth (Voz), Greif (Guitarra), Skoll (Batería) y Lymania (Teclados). Su estilo musical es un Black Metal muy melódico… aunque creo que encajan más dentro del Dark Metal ya que su música no tiene mucho de diabolica (que es uno de los fundamentos del Black Metal), más bien los temas de sus canciones son de carácter político y problemas sociales. Durante los primeros años de la banda logró hacerse de algo de fama en la escena underground alemana gracias a su primer concierto en 2007.

Su primer trabajo, titulado Das Erste Abendmahl (la primer cena), salió a la venta en junio del 2007, al no tener una disquera que los patrocinara fue publicado por ellos mismos, pero gracias a este disco se les abrieron las puertas a más fama, dandoles la oportunidad de que abrieran conciertos para bandas de renombre como Immortal, Sodom, Watain, Varg, Endstille y muchas más.

1. Intro
2. Ketzer
3. Schreckenschor
4. Nie Gefragt
5. Heiliger Krieg
6. Mein Gebieter
7. Kindstod
8. Des kleinen Herzens Letzter Schlag
9. Augenschein
10. Blutgerüst
11. (pista oculta)

Intro comienza con un ritmo de latidos de corazón seguidos por unos golpeteos metálicos, seguido por un ritmo electronico acompañado de sintetizadores, es una pieza corta para abrir telón.

Ketzer (Hereje), nos presenta el estilo musical que caracteriza a esta banda, ritmos melódicos de unas guitarras electricas fuertes, sintetizadores y un par de voces, unos susurros y la voz black del vocalista, me encanta la mágia que transmite una simple melodía de piano casi al final de la canción.

Schreckenschor (coro de terror) comienza con un sintetizador emulando unas voces corales, seguido de otro sintetizador con una melodía que suena un poco medieval y la batería como acompañamiento, abriendo paso para las guitarras eléctricas y al vocalista. Aunque es una buena canción no destaca en el disco.

Nie Gefragt (nunca preguntó) es una de mis piezas favoritas del disco, quizá por el intenso uso de los teclados y lo bien llevada la melodía durante toda la canción. Comienza con un sintetizador que acompaña al piano, guitarra y sonidos de cuerdas (hechas con sintetizador), aquí el vocalista hace dos cambios de voz, entre limpia y voz black (de troll como suelen decir), la melodía parece sacada de una caja musical… con el toque de black metal correspondiente que agregan los demás instrumentos.

Heiliger Krieg (guerra santa) eleva la velocidad y agresividad del estilo musical… como que aquí quisieron hacer parecer más black metal su música. Además de las guitarras aquí agregan a la sopa sonidos de cuerdas y algo que parece el sonido de un violín que es tocado como guitarra (vamos, ese sonido de “requinto” pero en violín).

Mein Gebieter (mi maestro) continúa con el estilo velóz de la anterior pista, comienza con una guitarra acústica que abre paso a una veloz batería y guitarras, algunos cambios de tiempo y bueno, a mi gusto algo repetitiva.

Kindstod (infanticidio/muerte infantil) Aquí cambia un poco la cosa, el ritmo parece más industrial, guitarras repetitivas, tono rítmicos muy marcados, aunque en momentos se acelera, como si estuvieramos escuchando Rammstein con voz Black.

Des kleinen Herzens Letzter Schlag (el último latido del corazón) otra de mis favoritas del disco… si, también tiene mucho teclado, vuelven a retomar el estilo melódico de las primeras canciones, es una canción triste y fuerte, habla de la muerte de una pequeña niña que fue violada y masacrada y la maldad inherente en los hombres.

Augenschein (apariencia) después de una pequeña introducción de cuerdas toma algo de velocidad con las guitarras, la canción agrega algunos sonidos de organo de iglesia pequeña, cuerdas, latidos para agregar un poco de variedad al ritmo.

Blutgerüst (andamio) es una buena canción para cerrar el disco, muy melodica, con sonidos de piano y cuerdas como acompañantes de las guitarras, algo lenta pero agradable.

Para el 2009 producen su segundo disco, titulado Antik (Antiguo) un disco aún más melódico que el anterior, con una mejor calidad de sonido, además que se puede apreciar un mejor dominio de los instrumentos.

1. Antik
2. Ijobs Botschaft
3. Die Blutgräfin
4. Gedenket Den Toten
5. Die Mutter Die Ihr Kind Verlor
6. Sturz Des Ikarus
7. Kreuzigung
8. Hexe
9. Des Menschens Kunst Blindheit Zu Säen
10. Kreuzritter

El disco comienza con la canción que da título al disco: Antik (antiguo), una pieza con un ritmo agradable para los headbangers, agradable ritmo de las guitarras acompañadas de sintetizadores y un piano al fondo, la letra hace referencia a la vejez y el sentido que le da la cultura actual a los ancianos… La vida es una guerra y la muerte es la paz eterna.

Ijobs Botschaft (mensaje de bob), un ritmo primitivo de la batería da apertura a unas melódicas guitarras industriales, la canción habla de un acaudalado sujeto a quién le son arrebatados todos sus bienes, y su esposa e hijos muertos por lo que parece ser un tornado o algo asi (algo del viento), no conozco mucho la biblia pero parece un pasaje sacado de esta.

Die Blutgräfin (la condesa sangrienta) una canción dedicada a la condesa Bathory, sus primeros años como gente de la realeza, su obsesión por mantenerse bella y sus rituales donde se bañaba en sangre de jovenes virgenes para mantener su belleza.

Gedenket Den Toten (recordar a los muertos), aunque el ritmo de la canción se parece mucho a la pista anterior tiene elementos que la distinguen, el sintetizador de fondo emula la voces de un coro, la letra de la canción habla sobre un remordimiento de la cantidad de muertes que generan las guerras y de lo agradecido que estan lo sobrevivientes de ver cada nuevo día.

Die Mutter Die Ihr Kind Verlor (la madre que pierde un hijo) es la canción más triste del disco, un melancólico piano acompaña a las guitarras y a un sintetizador que hace de coro. La canción habla del dolor que siente una madre al perder a su único hijo que murió ahogado, no puede olvidarlo y sigue haciendole ropa, preparandole comida y cantandole canciones.

Sturz Des Ikarus (la caida de Ícaro). En la mitología griega Ícaro se fabrica unas alas con plumas de aves y las pega con cera de velas, logra volar cerca del sol pero el calor de éste derrite la cera de las alas y hace que caiga de gran altura hacia su mierte, la canción habla precisamente de este acontecimiento y como su padre Deadalus lo ve caer y morir.

Kreuzigung (crucifixión) una excelente pieza, rítmica con buenas guitarras y batería, un organo de fondo acompaña la melodía durante toda la canción, la pieza como bien habrán intuído habla sobre la muerte del mesías de los cristianos y de cómo pide perdón a Dios por los actos que están cometiendo… perdonalos porque no saben lo que hacen.

Hexe (bruja) una muy destacable canción, acelerada en momentos para hacerla parecer más Black Metal, la canción habla sobre la santa inquisición y su feroz caceria por acabar con todo lo hereje.

Hoy día ya tienen contrato con la famosa disquera austriaca Napalm Records, por lo que debería ser más facil conseguir su material… aunque yo no he tenido suerte en conseguir su música en formato físico.

Des Menschens Kunst Blindheit Zu Säen (la cegera del hombre hacia el arte de sembrar) critica principalmente la religión judía y sus creencias de no comer carne de cerdo, rebajar a la mujer, los crímenes de honor, el fanatismo, el Ramadán, la apostasía… buena pieza pero no destaca lo suficiente en el disco.

Kreuzritter (cruzado) nos traslada al medievo y los ideales en los que creían esos “soldados de Dios” para cumplir los caprichos de la iglesia, vaya tiempos obscuros.

El disco tiene además una canción oculta de aproximadamente 6 minutos de duración, muy buena he de agregar, pero que no he podido conseguir la letra de la canción para saber sobre que habla.

Página web oficial: www.nachtblut.com

No es habitual que comente bandas de Trash Metal, pero el disco que voy a comentar se merece una buena reseña. Onslaught es una banda que apareció en 1983, la década en la que el Trash Metal tuvo su época dorada (así lo atestiguaron bandas como los legendarios Testament, Slayer, los primeros Metallica, Megadeth…). Las influencias del movimiento Punk de los 70 en esta banda son más que evidentes, sobre todo en sus letras tan brutalmente nihilistas (en todos sus discos son muy nihilistas, pero destacan más las letras de los dos más recientes, el que voy a comentar y el anterior, Killing Peace, de 2007). Las influencias del Punk también se deben a que esta banda es de Bristol, Reino Unido (concretamente de Inglaterra).

En 1985 publican su primer trabajo, Power From Hell, el cual, además de tener unos ritmos muy trashmetaleros y machacones poseía unas letras más propias del Black Metal (un Black Metal que por aquel entonces estaba dando sus primeros pasos). En 1986 publican el que para muchos es considerado el mejor disco de su primera época: The Force. Un disco que depura todavía más su estilo y que resultó ser uno de los mejores discos de Trash Metal del momento, con riffs de guitarra muy machacones y excelentes cambios de ritmo. Las letras ya son más nihilistas y abandonan un poco esas letras satánicas de su primer trabajo. En 1989 publican In Search of Sanity, un disco, que, si bien no era flojo, ya demostró que no pudo superar la calidad del disco anterior (el listón estaba muy alto) pero también fue el reflejo de una banda que empezaba a tener problemas internos. Fruto de estas diferencias la banda se separó temporalmente en 1991. En 2004 (13 años después) la banda se reunifica y empiezan a grabar su siguiente trabajo. Killing Peace vería la luz en 2007. Se trata de un disco que vuelve a recuperar el espíritu trashmetalero de los 80 y con unas letras muy cargadas de nihilismo, insolaridad y misantropía. Un disco muy cruel, pero de riffs muy buenos y con unos cambios de ritmo muy espectaculares. Recordaba mucho a The Force.

Ya en 2011 la banda ficha por el sello AFM Records (la última discografica en la que estuvieron los conocidos Theatre of Tragedy). Publican su disco Sounds of Violence, un disco brutal, bastante más agresivo que sus anteriores trabajos, va un poco más allá del Trash Metal en lo instrumental (también tene elementos de Speed Metal y algunos elementos de Death Metal pero muy pocos, algunas voces, la pesadez de los instrumentos en algunos temas). En cuanto a las letras es aquí donde Onslaught se vuelven más crudos, más misántropos, más insolidarios. La verdad es que el disco (que fue editado en enero de 2011) viene como anillo al dedo para describir la situación mundial actual. Estamos viendo y sufriendo como la crisis económica y social parece que no acaba y vemos cada vez más manifestaciones y revueltas. Lo que está claro es que el sistema (capitalista) se está resquebrajando; de momento las revueltas en muchos sitios, no en todos, son pacíficas, pero cada vez menos. La pregunta es si realmente la gente que se rebela lo hubiera hecho durante la bonanza económica. Digo esto porque el disco muestra una misantropía muy brutal y atroz hacia el género humano (sí, similar a la que vemos en autores como Louis Ferdinand Celine en su obra “Viaje al Fin de la Noche”, o Michel Houellebecq) un desprecio hacia los que están “jodidos”. Lo mejor para comprender estas letras (que comparto) es que veamos el disco tema a tema.

1. Into the Abyss (Intro). Unos tambores que parecen de guerra y marciales anuncian tiempos duros, tiempos salvajes. Unos sintetizadores (los únicos del disco) le dan un aire más siniestro a este tema instrumental, breve y ominoso.

2. Born for War. Ya empiezan las guitarras rítmicas y la batería a marcar un ritmo incesante y machacón. Las guitarras rítmicas y las cambios de ritmo se alternan de manera magistral. La voz de Sy Keeler alterna gruñidos deathmetaleros y alaridos trashmetaleros unas veces rápido otras más lento. Todo conun ritmo incesante, rápido, machacón, y muy enérgico. Las guitarras melódicas también hacen acto de presencia en algunos pasajes de esta monumental canción, incluso algunos solos de guitarra muy buenos. Y tras el solo de guitarra unos ritmos menos rápidos pero más contundentes, para dar paso a una parte con guitarras melódicas. Impresionante, monumental tema. Nacido para la guerra, muerte, odio, dolor, el rojo de la sangre…todas estas palabras se alternan en frases muy crueles en esta canción. Parece dedicado a todos aquellos que quieren ser carne de cañón.

3. The Sound of Violence. Unos acordes algo tranquilos empiezan esta canción que de repente se vuelve muy rítmica (un ritmo inconfundible). Un tema hecho para ser  un himno. Menos rápido que el anterior, pero más cruel y malvado. Se trata del tema homónimo del disco. “This is the sound of violence, the power and the pain”, “This is the sound of violence, in the realm of the insane”. No podía faltar un gran solo de guitarra en este rítmico y contundente tema con muy buenos cambios de ritmo. La voz de Sy varía menos, sin embargo se escuchan unas voces sintéticas en algunas partes del tema. Tremendo.

4. Code Black. Uno de los temas con letras más polémicas. Se escuchan ruídos de fondo al inicio,y entran los instrumentos de manera más lenta que en el tema anterior. Los timos son muy marcados y todavía más contundentes que en el anterior tema. Sy vuelve a alternar registros vocálicos deathmetaleros y trashmetaleros. Pese a que la canción no es tan rápida como las dos anteriores transmite más desazón y malestar. Las guitarras melódicas y un pequeño solo no podían faltar.”El código es negro…éste es el Nuevo Orden Mundial (el Gobierno Mundial)”; así es, esto es lo que vendrá de manera violenta y atroz, tal vez a través de un “Blackjack”, uno o varios megatentados nucleares (podeis leer la famosa novela de George Orwell “1984″, si quereis saber lo que viene). Conforme avanza la canción se vuelve más pesada y plomiza, y las letras mucho más crueles. No tiene piedad por nadie, ni por lo que va a venir. El Nuevo Orden Mundial, la destrucción de las religiones (eso se estaría tratando en la reunión del Grupo Bilderberg que tuvo lugar en Suiza hace poco). Preparando los “borregos” para el matadero (no a todos) y la exclavitud.

5. Rest In Pieces. Sí, el título es un juego de palabras muy cruel y sarcástico. El tema se inicia de manera veloz, como la primera canción. Los ritmos de las guitarras son muy intensos y machacones. Sy vuelve a jugar con sus registros vocálicos y hace coros con sus propios registros vocálicos de manera muy magistral. el sadismo, la violencia, la tortura, el desgarro y la desmembración del ser humano de manera violenta, su “descanso en piezas” y su muerte en el anonimato (a muchos os habrá venido a la cabeza el filme “Hostel”…o cualquier otra cosa peor). Un solo de guitarra tan rápido como los endiablados ritmos de este tema también hace presencia en esta canción. Y la magistral alternacia de ritmos más rápidos y otros un tanto menos rápidos.

6. Godhead. Unos golpes rítmicos de batería y guitarras dan paso a unos ritmos marcados por el doble bombo y una guitarra melódica de aire oriental en este magistral tema. Una parte rítmica se descuelga acontinuación. Sy canta en esa parte rítmica, y aparecen los cambios de ritmos a otros más lentos y otros más rápidos.

Children of god they hear no evil
Children of god they see no evil
Children of god they speak no evil
Children of god pure fucking evil
Children of god
Children of god
Children of god
Children of god pure fucking evil

Éste es el brutal estribillo de este tema, despiadado con la religión cristiana (y siguen las guitarras melódicas de aire oriental que dan paso a un desquiciado pero impresionante solo de guitarra y luego a una parte más pesada. Las mentiras de las religiones y de sus seguidores, especialmente el cristianismo. “Nos vemos todos en el Infierno”. ésta es la letra de este magistral tema.

7. Hatebox. La canción parece un guiño a la famosa caja cúbica del filme “Hellraiser”, la “Caja del Odio”. Unas guitarras pesadas dan paso a otras guitarras rítmicas y a un ritmo más marcado. Otro cambio de ritmo da paso a la voz de Sy y a unos ritmos más frenéticos  y pesados y éstos a su vez a unos riffs más propios del Death Metal y acompañados de gruñidos propios también del Death Metal, para volver a otra parte más rítmica y machacona, hasta llegar a un gran y corto solo de guitarra. Las voces de Sy en este tema son más crueles y desgarradas…más llenas de odio. La “Caja del Odio”, se extiende por doquier, lleva el odio, locura y la guerra por todas partes, se alimenta de ello. Una letra bastante explícita, vamos.

8. Antitheist. Unas guitarras melódicas muy orientales inician este tema. Cuando irrumpen los demás instrumentos lo hacen con un ritmo un tanto oscilante de guitarras rítmicas pesadas y las guitarras melódicas iniciales de fondo. Tal vez estemos ante el tema más “melódico” del disco. Aunque sea un tanto melódico también se trata de un tema pesado y con impactantes cambios de ritmo. Pero ya digo, esas guitarras melódicas del inicio aparecen durante toda la canción. La libertad de expresión y el desprecio hacia la religión cristiana, la Biblia y hacia su fe (de cobardes) es lo que cuenta la letra de este tema tan peculiar, pero igual de bueno que los demás.

9. Suicideology. El suicidio como liberación, el precipicio hacia la autodestrucción (seguro que con la crisis actual muchos/as han acabado o planean acabar así). Las letras de este tema recuerdan al la famosa obra de Albert Camus “El Mito de Sísifo”  (en la que se reflexiona sobre este tema tan delicado y cruel) y también a la novela de Dostoyevski “Los Demonios”, donde también se reflexiona profundamente sobre el suicidio. Un tema que ya desde sus inicios es rápido, muy rítmico y contundente…puro Trash Metal machacón y despieadado. Un tema desquiciado para una letra muy desquiciada, un tema con una letra que se precipitan en un abismo de locura sin fin. “Quiero escuchar el silencio, quiero sentir el dolor…de las venas rotas”. Ya digo, un tema muy cruel, con una letra muy despiadada hacia aquellos/as que deciden quitarse la vida y no luchan. Incluso el solo de guitarra es rápido y ominoso como el resto de la canción.

10. End of the Storm (Outro). Éste es realmente el tema que concluye el disco. Otra canción instrumental y ominosa como la primera. Unas notas de piano muy inquietantes se escuchan cada vez más cerca, y se vuelven a perder en la distancia al poco tiempo.

11. Bomber. (Motörhead cover). al final del disco aparece este bonus track de los clásicos Motörhead. La verdad es que la versión es muy buena y muy intensa, rápida, con partes rítmicas y melódicas alternadas (como la versión original).

En definitiva nos encontramos ante un renacer en todos los aspectos de esta gran banda de Trash Metal. Una banda que no fue tan conocida como sus coetaneos Testament, Metallica o Slayer pero de igual calidad. Incluso me atrevería a decir que aquéllas ya no hacen discos como antaño y Onslaught todavía hace discos muy buenos incluso más duros que sus primeros trabajos. No les ha sentado mal envejecer a estos grandes músicos. Para curiosos, Onslaught es el nombre del villano Marvel de los X-Men que fue fruto de un pensamiento del profesor Xavier. Este villano tiene los poderes de Xavier y de Magneto y se trata del villano Marvel más poderoso y malvado. De aquí se inspiraron estos músicos ingleses para bautizar su banda.

Una imagen actual de la banda Onslaught.

Otra imagen de Onslaught.

A esta clase de gente está dedicado el disco, a la humanidad borrega y sin remedio que se dirige al matadero.

A este cabrón le gustó mucho el disco…no es como los borregos.

P.D. Esta reseña está dedicada a Raúl, un gran compañero de trabajo y gran amigo, además de ser un gran fan del Trash Metal.

Passage, el disco más querido de los suizos Samael. Un disco que data de 1996, pero que fue reditado con bonus extra (en realidad estos bonus son los temas del E.P Exodus). Entre los años 1991 y 1998 muchas bandas de metal publicaron sus mejores discos y otras muchas muy buenas aparecieron (Watain, por ejemplo). En otra reseña que hice de la banda dije que su disco Above era (y ciertamente lo es) su disco más blackmetalero, pero no dije que fuera el mejor. Passage sí que es el mejor de su trayectoria (aunque para otros fans su mejor disco es Ceremony of Opposites). Las letras también hablan de ocultismo y esoterismo, como sucede en el resto de sus discos, incluso los dos primeros discos tocan estos temas aunque de forma más primitiva (de forma “satánica”) de hecho en uno de ellos hay una tema que es un homenaje a Cthulhu. Y la portada de este disco (que cambia un poco en la versión reeditada) quizás sea lo más enigmático: la Luna, nuestro satélite. Para muchos es un satélite natural, para otros es un satélite “artificial”, es decir, que no es propio de la Tierra. La verdad es que la Luna parece demasiado grande (es un cuarto del tamaño de la Tierra) para ser un satélite natural de la Tierra, pero ahí está. También se dice que es más antigua que la Tierra (Helena Blavatsky así lo dice en su Doctrina Secreta, y no es la única). ¿Acaso será el proyector de nuestra realidad?(realidad holográfica como decía el científico David Bohm). Quien sabe. Mientras reflexionais esto vamos a ver los temas de este disco, que son 17, ya que están también los temas del E.P Exodus.

1. Rain. El tema que abre el disco es un tema rápido, rítmico y muy enérgico. Aunque tenga algunas partes algo más tranquilas se trata d euno de los temas con más energía del disco. Las guitarras rítmicas marcan toda la canción, y los sintetizadores le dan un ambiente épico. La lluvia divina, las lágrimas del creador demiurgo que nos sueña, y con cada derramamiento de lágrimas se producen los diluvios cíclicos que hunden una civilización y hacen renacer otra, y esa otra civilización son las semillas germinadas de las lágrimas divinas del demiurgo que sueña.

2. Shining Kingdom. Otro tema que también se inicia de manera enérgica, pero que, sin embargo adquiere un ritmo diferente. Una canción más melancólica, más triste. Con ritmos más marcados y con un mayor protagonismo de los sintetizadores. La voz de Vorph es algo más desgarrada. Como ya he dicho son los sintetizadores los que marcan el ritmo principal de la canción. Un viaje largo, hacia el punto donde empezó todo (Punto Omega) ese punto de Luz ese reino de Luz hacia el que todo converge (para volver todo a la oscuridad primigenia de nuevo) es el viaje que debemos emprender. El viaje del conocimiento. Eso describe la letra de la canción.

3. Algel’s Decay. Con unas percusiones y un piano de fondo se inicia este tema. Un sintetizador que parece el órgano de una iglesia y un ritmo muy melancólico son los rasgos principales de este tema. Una canción que habla de la angustia y desesperación del agujero negro en el que se convierte un alma deprimida y atormentada. En esta canción letras y música van de la mano, es decir conectan perfectamente. Un tema lleno de angustia y dolor.Donde se alternan partes más tranquilas con otras más intensas.

4. My Saviour. Este tema ya es más intenso que el anterior, con un estruendo musical considerable y una intensidad mayor que en los temas anteriores. Aunque las guitarras y batería suenan con fuerza, al igual que la voz de Vorph siguen siendo los sintetizadores los que marcan el desarrollo de la canción. Los cambios de ritmo que posee son variados, hacia partes más densas, hacia partes más lentas. Nuestro salvador es cada uno de nosotros mismos, cuando encontramos la verdad en nuestro interior, cuando llega ese momento también somos el “Alfa y el Omega” somos Uno con el Todo, y alcanzamos la verdad y liberación.

5. Jupiterian Vibe. Posiblemente el tema más peculiar del disco. Su inicio es muy característico, unas percusiones tribales dan paso a unos riffs de guitarra muy agudos. La voz de Vorph irrumpe de manera violenta. La canción se vuelve oscilante y muy pesada, muy densa y plomiza. Es un tema muy propio del Death Metal. Solemne y siniestro avanza hacia su final. Esta canción fue uno de los “singles” incluso tiene video. La creación trasciende al creador, el poder de la palabra, todo está conectado, todo se mueve, hasta lo inanimado (en el video se intuye la influencia de la Luna). Todo está conectado con el Todo.

6. The Ones Who Came Before (Los que vinieron antes). Con unos ritmos casi marciales y muy machacones se presenta este tema. Unos sintetizadores de fondeo le dan una carácter más ominoso si cabe, y la voz de Vorph empieza inquietante y gana más furia conforme avanza la canción. Un tema lleno de rabia y odio contenido. Antes de las civilizaciones hubo otras humanidades (como dice Blavatsky) y otras razas; los que vinieron antes éramos nosotros, la humanidad. Parece ser que la humanidad somos avatares de nosotros mismos y fractales del multiverso los cuales formamos una porción del Todo Absoluto.

7. Liquid Soul Dimension. Tras unos pesados riffs de guitarra irrumpe un tema en el que los sintetizadores ganan más protagonismo, pero que van al ritmo de las guitarras rítmicas. Vorph canta con voz furiosa. La canción no tiene mucha velocidad pero transmite mucha energía y pesadez instrumental. Se dice que el Universo alguna vez fue líquido, y lo volverá a ser. “Solve et Coagula”, eso es lo que tiene “tatuado” Baphomet/Samael/Lucifer en los brazos. Por tanto, nuestra alma también es “líquida”, plástica, moldeable, llena de fuerza y adaptable a todo, independiente.

8. Moonskin. Uno de los temas más melancólicos del disco. Un piano se escucha durante toda la canción y es el instrumento que marca el ritmo y la melodía de la misma. La voz de Vorph es dolorosa y triste. Los riffs de guitarras también son melancólicos y tristes. Parece como si fuera una metáfora de la vida, como si nos enamoráramos de la belleza superficial de las cosas la cual no conduce a nada y es una ilusión, de ahí que diga que esa belleza se llama “Moonskin”. Enamorados de ilusiones sin sentido, que no conducen a nada.

9. Born Under Saturn. Un tema plomizo, pesado con riffs muy densos y con unos sintetizadores que transmiten desazón. Así es este tema que, además, posee bastantes cambios de ritmos y velocidades. La voz de Vorph también cambia bastante de registro según cambia el ritmo y la melodía de la canción, pero en líneas generales viene a ser todo un tema ominoso. El significado de Saturno está asociado con la muerte, el sacrificio, la mala suerte, la lucha contra el inevitable destino de cada uno, de la derrota y desilusión. También tengo que decir que está associado con Samael/Lucifer/Baphomet en su parte más siniestra, de aquello que está maldito.

10. Chosen Race. Se trata de un tema similar a “The ones who came before”. Un tema muy enérgico, contundente y pesado. Temabién se trata de un tema con bastante velocidad. La voz de Vorph también se recrudece bastante. Los sintetizadores si bien juegan un papel importante acompañando bien al resto de los instrumentos hacen de colchón atenuando un poco la crudeza y contundencia de los demás instrumentos. La raza elegida, la raza fuerte, libre, la raza que lucha contra el “miedo a la libertad” (esto es el título de un ensayo de Erich Fromm). ¿Acaso no se referirán a los 144.000?. El final del tema recuerda mucho a la pesadez plomiza de “Jupiterian Vibe”.

11. A Man In Your Head. Los sintetizadores y los efectos hechos por los mismos como son ecos de voces muy siniestras le dan a esta canción un aspecto muy tenebroso. Los riffs de las guitarras rítmicas son muy marcados, casi sincopados. La densidad y pesadez de este tema es incluso mayor que en los anteriores. Las melodías marcadas por los sintetizadores le dan un aspecto más solemne. La letras hacen alusión al despertar del hombre, del ser inteligente que tenemos en nuestra mente, que no nos dejemos guiar como ganado, como borregos por los demás, quienes crean guerras, generan miedo y destruyen nuestra libertad que tenemos innata. Despertad, no os dejeis engañar.

12. Exodus. Esta canción, y las que le siguen son del E.P Exodus. También se inicia con unas guitarras rítmicas pesadas y unos sintetizadores un tanto inquietantes. La voz de Vorph aparece tranquila en la mayor parte del tema. Los cambos de ritmo a otras partes más enérgicas y otras más tranquilas son una constante en esta canción. La migración del alma, “a través del desierto por el que fluye el Mercurio” (esta frase me recordó a la obra alquímica “De Signatura Rerum” de Jakob Böhme), hacia el reino de la Luz (Lucifer/Samael/Baphomet) y de ahí hacia el Todo Absoluto (Parabrahman) a través de la luz del Logos y la fuerza que poseemos de Él (Fohat) es nuestro destino, ese será nuestro éxodo.

13. Tribes of Cain. Con uno ritmo de sintetizadores oscilantes, una voz muy grave y unas guitarras rítmicas también oscilantes que, en ocasiones, siguen el ritmo de los sintetizadores transcurre este tema. Una canción que nos transmite una atmósfera tensa, cruel, inquietante. Las Tribus de Caín somos nosotros, la humanidad, “Profundo es el dolor del que nace la liberación”, “largo es el camino que conduce a la luz”. “Oponerse a la oscuridad no lleva a ninguna parte” porque todos venimos de esa oscuridad. Esa es el destino final de la humanidad (el Punto Omega que decía Teinhard De Chardin), volver a esa oscuridad a través de la luz.

14. Son of Earth. Otro tema que se inicia con guitarras rítmicas pesadas a las que se le unen unos sintetizadores que aportan melodía. Un tema duro, enérgico, lleno de rabia y desgarrador. Los sintetizadores aparecen y desaparecen como si fueran olas, lo que le da una sensación extraña a la canción, incluso al final del tema aparece uritmo más electrónico. a“Bienvenido al mundo de los vivos, aquí está tu castigo supremo”…”bienvenido al mundo de los muertos, aquí está tu recompensa prometida”. Esto es lo que significa ser hijo de la Tierra, estar de paso en este planeta para sufrir, y despertar de este mundo “Maya” (mundo de ilusión) para despertar una vez muerto (parafraseando un poco al filósofo alemán Arthur Schopenhauer en su obra “El Mundo como Voluntad y Representación”).

15. Winter Solstice. Otro de los temas melancólicos y tristes del disco, donde la presencia de notas de piano dominan toda la canción. Un piano que hace del tema una canción triste y melancólica. También se escuchan los demás instrumentos como las guitarras y batería, pero de manera más sosegada y triste, incluso la voz de Vorph también acompaña a esa melancolía. El sosticio de invierno en el Hemisferio Norte, el 21 de diciembre es un día muy simbólico en la cultura Occidental. La noche más larga del año, acompañada de misterio, a veces de la Luna brillante e inquietante y a veces no. Una noche llena de pureza y magia oculta y oscura.

16. Ceremony of Opposites. El tema homónimo del disco anterior. Una canción muy dura, con unos registros vocálicos muy deathmetaleros y una música muy pesada, y plomiza, acompañada de sintetizadores épicos. Incluso el propio tema es bastante épico a la vez que siniestro y duro. Pese a que n va a mucha velocidad es capad de mostrar mucha rabia y crudeza. Un tema de corte similar a Jupiterian Vibe (aunque este tema es anterior). La ceremonia de los opuestos, la parte superior se convierte en inferior (“Como es arriba es Abajo”) la fantasía se hace realidad y viceversa, todo se entremezcla, “el amor es un veneno que crece en el corazón de los débiles”…todo tiene su aspecto dual. Eterna lucha (como decía Hans Horbiger en su Cosmogonía Glacial).

17. From Malkuth to Kether. El tema más electrónico del disco, con ritmos machacones, alternados con partes melódicas de sintetizador. Pese a que se escucha la voz de Vorph no aparecen la letra de esta canción en el libreto del cd. Malkuth y Kether son dos esferas del árbol hebreo de la Kabbalah, dos sephiroth. Kether es la esfera superior, la culminación de nuestro camino para encontrarnos a nosotros mismos y nuestra libertad, y Malkuth es la esfera inferior, desde donde partimos, pudiendo escoger varios caminos.

18. Untitled. Un tema instrumental y electrónico (con algunas guitarras), melancólico, sin voces y triste despide este genial disco.

Como ya he dicho Passage es, en mi opinión, el mejor disco de Samael (para otros es Ceremony of Opposites) y pienso que se merecía una reseña. Fue el disco que marcó el punto de inflexión en su discografía. Su reciente disco “Lux Mundi” recuerda mucho al disco Passage (aunque con elementos del disco Above) incluso en la estructura de los temas. Incluso ellos mismos han reeditado este disco (y también los anteriores así como el disco “Eternal”) porque son conscientes de lo realmente bueno que es, todo un clásico. Ahora algunas fotos de la banda.

Samael también conocen a Hans Rudolph Giger (el “padre” de la criatura Alien). Hicieron una visita al museo de Giger. Samael y Giger son del mismo país, Suiza (Confederación Helvética es su verdadero nombre), y digo también porque en otra de mis reseñas nombro a Giger en relación a otra banda helvética pionera del Black Metal: Triptykon. Realmente fue pionera bajo el nombre de Hellhammer (fueron los verdaderos padres del Black Metal, allá por 1983), mutando a Celtic Frost y, finalmente a Triptykon.

Otra imagen de los suizos Samael. Banda pionera del Black Metal. Pioneros y experimentales

Os presento al verdadero Samael (también conocido por el videojuego Silent Hill).

Os presento a Baphomet. Efectivamente, son la misma entidad (junto con Lucifer) pero con diferente nombre. La banda Samael le dedica una canción en su disco Ceremony of Opposites.

P.D. Estos días se está celebrando en Suiza, concretamente en la localidad de  St. Moritz una reunión del Grupo Bilderberg. Habrá que estar atentos y bien despiertos ante lo que pueda venir.

Myriads fue formado en el año 1997 por Alexander Skottene (voz y guitarra), su hermana Mona Skottene (voz, piano/organo/teclados), Jan Petter Skretting (guitarra) y Rudi Jünger (batería y percusiones).

La música de Myriads es un poco complicado de categorizar, el grupo describe su música como una fusión de metal y sonidos clásicos con algunos elementos de folclore e industrial. La letra de las canciones es escrita por Alexande y Mona, están basadas en psicología, filosofía, sueños y la realidad con elementos dramáticos.

Si primer demo se tituló In Spheres Without Time, salió al público en 1998 y tuvo una muy buena recepción, consiguiéndoles un contrato con la disquera Napalm Records, que se estaba haciendo de muy buena fama por la excelente calidad de los artistas bajo su repertorio, regrabando las canciones del demo y cambiando la portada del disco y saliendo a la venta global en 1999.

Cinco canciones (pero de larga duración) componen este disco de 45 minutos en total:

1. Fragments of the Hereafter
2. The Day of Wrath
3. Spheres Without Time
4. Seductive Hate
5. Dreams of Reality

Seductive Hate:

En 2001 graban su segundo y último disco a la fecha, titulado “Introspection”, pero salió a la venta hasta 2002, este disco está más inspirado en la psicología que su primer disco, la música de este disco también está más elaborada, con más técnica, algunas canciones son más rápidas y pesadas que en su primer producción, quitándole mucho del protagonismo que tenía el primer disco y aumentando el uso de la guitarra acústica.

Probablemente en Myriads se dieron cuenta que no es muy práctico hacer canciones de tanta duración, y para este disco decidieron cortarlas… solo un poco, mi canción favorita del disco (Portal to the Mind) dura casi 15 minutos. 9 Pistas componen este disco de 74 minutos:

1. Enigmatic Colours of the Night
2. Miserere Mei
3. Inside
4. The Sanctum of My Soul
5. Portal to the Mind
6. Falling in the Equinox
7. Flickering Thoughts
8. Encapsulated
9. The Ascent

Portal to the Mind:

En 2003 Mikael Stokdal se retira de la banda por motivos de intereses musicales, Mikael ahora toca en Deathfare, una banda de Death Metal.

En 2010 sacan un pequeño demo con 4 canciones de lo que promete ser su tercer álbum, simplemente titulado “demo” ya que aún no tienen el nombre final para este disco, tienen prometiendo el disco desde 2007, así que espero no tarden mucho en terminarlo.

The Sanctum of my Soul:

Myriads fue de las bandas que me iniciaron en metal más pesado (antes era fan de Metallica, Mötley Crüe, Slayer, White Zombie y demás metal comercial), le guardo gran aprecio no solo por este aspecto nostálgico, sino por que a través de los años he confirmado que su música no pasa, la calidad musical de esta banda trasciende el tiempo.

Página web oficial: http://www.myriads.no

BURDENS, del año 2.006, fue su primer disco. Un disco con temas muy melancólicos, muy sobrio. La atmósfera de este disco ya nos adentra en unos paisajes musicales densos, lentos, oscuros, melancólicos (de hecho eso significa “Burdens”: carga pesada, pero no una carga física, sino emocional). En algunos temas se escuchan piezas de piano que acompañan la voz de Carmen (se notan influencias vocalísticas, muy marcadas, de Lisa Gerrard, incluso en su etapa en solitario). Los juegos de voces de Carmen, más tranquilos, más alterados, más agudos e inquietantes también acentúan la personalidad tan sombría de este disco. No todo son guitarras eléctricas pesadas, también hay guitarras acústicas en algunos temas. como se ve el talento de Blasphemer no deja de sorprendernos (guitarrista que considero injustamente subestimado, y que para mí es mucho mejor y más versátil que el malogrado Euronymous). Como se ve la calidad de este disco pasó muy desapercibida, ya que entonces Blasphemer todavía estaba componiendo en Mayhem y tenía otra banda de Black/Trash Metal llamada Aura Noir; sin embargo Ava Inferi no iba a ser un proyecto pasajero como se ha visto después.

THE SILHOUETTE, del año 2.007, ya fue un disco más trabajado y completo que el anterior (y eso que Burdens fue un disco muy bueno, pero muy discreto). Su primer tema “A Dança das Ondas” ya nos muestra una música más melancólica, más profunda y llena de dolor. Ese sonido de las olas mezclado con las guitarras acústicas  y la preciosa voz de Carmen nos introduce en un disco doloroso, pero a la vez bello. Por supuesto, las guitarras eléctricas pesadas muy distintivas de Blasphemer se escuchan en éste y los demás temas. El disco presenta más cambios de ritmos en sus canciones. También hay coros de voces que acompañan a Carmen en algunos temas.

Se puede decir que este disco fue un paso más y un trabajo más elaborado que el anterior. Pero ya digo que no todo son temas melancólicos, también los hay más sombríos, con algo más de velocidad, pero igualmente atmosféricos, con ominosas notas de piano, voces también ominosas (Carmen tiene una voz que puede ser igualmente dulce y fantasmagórica, cosa muy destacable y que no he encontrado en otras cantantes de bandas Doom/Gothic o simplemente góticas (sí que escuché voces similares en Dead Can Dance, voces de Lisa Gerrard). Temas que oscilan entre la melancolía y las atmósferas sombrías, incluso dentro de la misma canción hacen de este disco una danza de sonidos espectrales, de siluetas y sombras. Incluso hay algún tema cantado “a Capela”, es decir, sólo la voz de Carmen, para ponerse la carne de gallina, vamos. También hay más presencia de piano, y de algo más de velocidad en las canciones que en su primer disco. El juego de guitarras eléctricas y acústicas de este disco, así como las partes de bajo y los cambios de ritmo constantes junto con los registros vocálicos de Carmen le dan una variedad mucho mayor que el anterior disco: un paso más, y una manifestación clara de intenciones, y es que no son una banda más y no es un proyecto más de Blasphemer.

BLOOD OF BACCHUS, del año 2.009, ya supuso un salto cualitativo respecto a los discos anteriores. La Sangre de Baco es su título. Baco fue una deidad romana, representaba las fiestas, la lujuria, el vino (la sangre de Baco), de ahí la palabra “bacanal”; aunque en este disco representaba algo más. Blasphemer ya se centra totalmente en esta banda, pues el año anterior a la publicación de este disco abandonó la banda Mayhem; y se fue a vivir a Portugal, con su mujer, Carmen Simoes. Tras un primer tema instrumental y que se oyen ecos lejanos (voces de Carmen) femeninos el disco da paso a un tema muy inquietante llamado “Last Sign Of Summer”; un tema inquietante debido a unos acordes de guitarra muy marcados que dan paso a ritmos más ominosos alternándose la mayor parte de la canción, y creando una sensación y atmósfera de desazón y malestar, como si fuera el preludio de que alguna desgracia fuera a suceder. Incluso las voces de Carmen acentúan esa atmósfera de malestar y desazón. Posiblemente sea uno de los temas más reconocibles del disco.

Como ya he dicho al principio, este disco inicia una etapa en la que la música de la banda se vuelve más Doom, y menos gótica, es decir, abandona progresivamente la melancolía de los primeros discos y se adentra en atmosferas más sombrías y oscuras. Además Blasphemer utiliza más la guitarra acústica que en otras ocasiones. Los cambios de ritmo también son frecuentes así como los cambios de registros vocálicos de Carmen, incluso elevenado la voz a tonos más agudos de lo habitual. En el tema “Black Wings” también canta Carmen “a Capela”, pero esta vez le acompañan coros de voces masculinas. Casi “a Capela”, ya que se escucha un poco la guitarra acústica y lo que parece ser un violín. Un tema muy triste y bello. Ya digo, parecen los Dead Can Dance del Doom/Gothic Metal. Pero no nos engañemos, en los siguientes temas se acentúan los ritmos más sombríos, las guitarras más metaleras, los ambientes más pesados y las guitarras acústicas (algunas de ellas parecen guitarras españolas). Blasphemer no deja de sorprendernos con sus composiciones. Incluso  su último tema, llamado “Memoirs” el instrumento principal es el piano, un piano que manifiesta una inquietante y oscura tranquilidad, muy buen acompañada por la magistral voz de Carmen, por algún violín que se escucha brevemente y por las guitarras de Blasphemer. Otra canción memorable de este disco.

ONYX, del año 2.011, es un disco que continúa con el lado más Doom y siniestro del disco anterior. Diría que incluso es más “Heavy”, algo más duro. Así empieza su primer tema, con más dureza, y con una variedad en ritmos más notable. El título del disco hace referencia una piedra llamada ónice, una piedra muy oscura que tiene propiedades esotéricas de lo más variadas (como amuleto que protege, principalmente, pero también otras propiedades). Incluso en el mítico cuento/novela de H.P Lovecraft “La búsqueda onírica de la desconocida Kadath” se habla de esta piedra, concretamente se comenta que la ciudad de Kadath está hecha de esta piedra, de ónice…y allí el protagonista Randolph Carter (quien está soñando toda la historia) se encuentra con la figura fantasmagórica e inquietante del dios Nyarlathotep (acaso el Logos) y ego de Azathoth, el Caos Primordial (¿no será la figura de la portada una representación de Nyarlathotep?). De hecho en las letras de este disco se hacen varias alusiones a Lovecraft y sus historias.

Su tema “The Living End” es uno de los más destacados; con unas guitarras melódicas y otras rítmicas más pesadas así como sus cambios de ritmo y sus voces (Carmen canta, pero también Blasphemer) así lo atestiguan. Un tema muy bueno, tremendo (y eso que los demás también son muy buenos). Es un tema melancólico y siniestro a la vez. El resto de los temas van en una línea similar: temas más pesados, más oscuros pero a la vez melódicos. Digamos que es un disco  más “vivo” que los anteriores, más intenso. La canción “The Heathen Island” tal vez sea otra de las más destacadas por sus melodías tan melancólicas, y tan desgarradoras. No todo el disco suena igual, hay variedad, variedad muy intensa. Y su último tema “Venice In Fog” termina el disco de la manera más triste posible; una canción muy bella y triste. Con unas guitarras melódicas muy dolorosas. La voz de Carmen también muestra mucha tristeza, pero aun así se trata de una voz muy bella.

En definitva, Ava Inferi es una banda de Doom/Gothic Metal que vale la pena escuchar, muy buena. Nos muestra a un polivalente y polifacético Blasphemer y a una preciosa voz (Carmen Simoes). Una banda para aquellos verdaderos amantes de este género (y cuando digo verdaderos amantes no me refiero los fans de Lacuna coil, Evanescence, Within Temptation y bandas similares). Aquí os dejo unas imágenes de la banda.

Carmen Simoes en primer plano, y al fondo Blasphemer y sus dos compañeros.

Otra imagen de Carmen Simoes.

Y dos imágenes promocionales de su disco Onyx. En la imagen inferior Blasphemer aparece en primer plano, con un bastón, y detrás de él vemos a Carmen.

A estas alturas no necesita presentaciones este disco de los ingleses Paradise Lost. La imagen es la reedición de su famoso disco Draconian Times (de 1995), llamada “Legacy Edition”. Una edición de lujo, que cuenta con un CD con el disco remasterizado y algunas demos y un DVD con varios videos de la banda. También hay un libreto con imágenes relativas al disco (muchas de ellas no aparecieron en la edición de 1995). Hace 16 años de su primera edición, y tengo que reconocer que fue el primer disco de Paradise Lost que escuché. Posiblemente (casi con toda seguridad) es el disco más popular de la banda y, para la gran mayoría, su mejor disco. Es un disco de Gothic Metal propiamente dicho. El título y los temas hacen referencia a una época de tiempos draconianos, una época oscurantista. Dracón fue un legislador griego muy severo, así que el adjetivo draconiano se refiere a una época o sistema político o social peor que una dictadura. Parece casualidad pero con la crisis que estamos padeciendo en todo el mundo la reedición de este disco ha sido muy acertada…quizás no sea casualidad que lo reediten precisamente ahora; tampoco descartaría que después de esta reedición y gira que están haciendo la banda anuncie su disolución, y por ello han elegido reeditar el disco más querido por sus fans (y tal vez por ellos mismos). En cualquier caso recordemos una vez más estos doce “temas draconianos”.

1. Enchantment. Tras una breve y melancólica intro de piano entran las guitarras bajo y batería de forma pesada y rítmica. La voz de Holmes va acompañada de coros femeninos. Entre registros muy tranquilos y gritos agresivos pero a la vez melódicos escuchamos la voz de Holmes. Un tema muy rítmico y con melodías muy melancólicas. El trabajo de las guitarras es muy bueno (tanto las rítmicas como las melódicas). Es un gran tema para abrir el disco, uno de los mejores. Lo más llamativo, como he dicho al principio, son los coros femeninos que acompañan la voz de Holmes en algunos momentos de la canción.

2. Hallowed Land. Un inicio con guitarras melódicas que suenan como ecos distantes nos adentran en esta inquietante canción. Un tema algo más rápido que el anterior, más dinámico, y con un ritmo más marcado. La guitarras resuenan más y la voz de Holmes es más enérgica (esta vez sin coros). En un momento de la canción se escucha un piano y se relaja la voz de Holmes, para dar paso a otro ritmo más triste y otra vez al ritmo inicial. Y así hasta finalizar el tema, con un solo de guitarra cerca del final. Otro de los mejores temas del disco.

3. The Last Time. Esta canción además tiene un videoclip (que stá en el DVD). Se trata de un tema con un ritmo muy marcado por guitarras muy pesadas, y un estribillo muy característico. Un tema de estos que diríamos que es “para dar cabezazos” en los conciertos. También es un tema bastante enérgico, menos lánguido que su primera canción, y más lleno de energía. La alternancia de las pesadas guitarras rítmicas y las guitarras melódicas resulta muy interesante. Ya digo, un tema más propio del Heavy/Doom que del Gothic Metal. También se escucha cerca del final un solo de guitarra.

4. Forever Failure. Y volvemos a ritmos más lentos y melancólicos. Éste es otro tema del que también editaron un video (un tanto extraño). Tras unas voces de radio se inicia la canción. De ritmos muy lentos, muy melancólica. Holmes parece que esté dolido, de luto, alternando alaridos de angustia y voces más tranquilas. En cuanto a las guitarras predominan más las guitarras melódicas que las rítmicas. Digamos que la canción es similar en cuanto a melodías al primer tema: un océano de melancolía. Y también aquí casi al final de la canción se escuchan unos acordes melódicos (y de fondo esa extraña voz de radio que se escucha al principo del tema)  y un pequeño solo de guitarra muy triste pero a la vez muy bueno.

5. Once Solemn. La canción más rápida y enérgica del disco, la más Heavy. Desde el primer acorde va rápida y veloz. Con guitarras rítmicas pesadas y rasgantes, y también con guitarras melódicas muy buenas. Para que luego digan que Paradise Lost sólo hace canciones Doom/Gothic. Poco más puedo decir de este gran tema, otro de los mejores del disco donde también hay unos breves acordes melódicos de guitarra al final del mismo.

6. Shadowkings. Otra vez vuelven a predominar las guitarras melódicas y los ambientes épicos y melancólicos. Sin embargo las melodías no son lentas, sino más bien pesadas, ya que las guitarras rítmicas le dan esa pesadez. En casi toda la canción se puede apreciar esa alternancia de guitarras melódicas y rítmicas, incluso unos cambios de registro vocálico de Holmes entre gritos y una voz un tanto extraña pero calmada. Hacia la mitad de la canción los ritmos se ralentizan un poco para volver otra vez al ritmo inicial y así finalizar.

7. Elusive Cure. Unos acordes muy característicos de guitarra muy melódica, casi acústica son los que inician esta canción oscilante y a caballo entre el Doom y el Gothic Metal. Esa guitarra acústica aparece en varias partes del tema introduciendo ritmos más melancólicos y pesados y registros vocálicos alternantes en la voz de Holmes. Un tema muy elaborado y muy inquietante. Y como la mayoría de los temas finaliza con un breve solo de guitarra.

8. Yearn for Change. Otro tema que se inicia de forma similar al anterior: con una guitarra semiacústica y muy melódica. Pero sólo coincide en eso, ya que después el ritmo es más rápido que el del tema anterior. Pese a tener un ritmo más enérgico es, a su vez, melancólico. Varios solos de guitarra y partes melódicas breves se alternan en diversos momentos de la canción. Se trata, pues, de un tema un tanto más elaborado que el anterior. Otro de los mejores temas del disco.

9. Shades of God. Pese a que hay un disco de Paradise Lost con este nombre no tiene nada que ver con tal disco. Las guitarras melódicas incian este tema también melancólico y triste. Un tema que , a su manera, mantiene unos ritmos melancólicos, lentos y densos, como su primer tema. Sin embargo la voz de Holmes no es triste, y está acompañada de coros, pero esta vez masculinos.

10. Hands of Reason. La batería y el bajo son los que inician este tema, con unos ritmos un tanto tribales, a los que se le añaden las guitarras rítmicas con unos ritmos bastante pesados, y tras las voces de Holmes irrumpen las guitarras melódicas. Y así, alternándose las guitarras melódicas, las guitarras rítmicas y con variaciones en los registros vocálicos de Holmes según suenan unas guitarras u otras transcurre este tema. Un tema un tanto más elaborado que el anterior, con un breve solo de guitarra cerca del final.

11. I See Your Face. Otro tema que se incia con una guitarra semiacústica y al que le siguen las guitarras melódicas. Otro tema de Gothic Metal. El peso de las guitarras melódicas es mayor que el de las rítmicas. Un tema cuyas melodías dan la sensación de “resignación” y pena.

12. Jaded. Tal vez el tema más lento, más triste y más melancólico del disco. También es el tema que cierra el disco. Muy melancólico, muy melódico y muy doloroso (como la mayoría del disco). Se puede decir en en esta canción podemos ver lo que significa que Paradise Lost es una banda de Doom/Gothic Metal. Como dice el título están “hastiados” del mundo.

El disco tiene varias demos de sus anteriores temas y una demo inédita llamada Last Desire. Y como he dicho hay un DVD donde se pueden ver varios videos de canciones de este disco. Se trata de una buena manera de recordar el que ha sido su disco más representativo, y para muchos su mejor disco. Las letras de este disco hablan de desesperación de angustia, del dolor el tormento que es la vida…un sueño para muchos, una pesadilla para otros, y la redención que llega a ser la muerte. (Casi parecen extraídas de textos del filósofo Arthur Schopenhauer, como su obra “El Mundo como voluntad y representación”; él (Schopenhauer) también vivió una época draconiana: el final del Sistema Mercantilista y el nacimiento del Capitalismo Industrial (el actual, que ya está empezando a agonizar) con la Revolución Francesa y las Guerras Napoleónicas…y parece que nos va a tocar vivir algo similar  o peor, en nuestra época…que también acabará siendo draconiana).

Para finalizar os dejo unas imágenes de la banda, algunas son recientes, y otras de la época en la que salió a la luz el disco (1995):

Esta imagen (extraída de un póster de la banda) es de 1994 aproximadamente. Entre los discos Icon (1993) y Draconian Times (1994). Por aquel entonces su apariencia era más heavy.

…y esta imagen es más reciente. Se trata de una imagen promocional de su disco Faith Divides Us – Death Unites Us (2009). El único miembro que ha cambiado es el batería, actualmente es Adrian Erlandsson. Y la mayoría de ellos (ya entrados en años) ya no tienen tanta apariencia “heavy”. Como siempre, aparece en primer plano Gregor MacKintosh, guitarra melódica, compositor y líder de la banda (el “frontman” es Nick Holmes, el cantante, que está a la derecha de Greg, con el sombrero en su mano).

…y aunque en esta imagen tienen una apariencia más “heavy metalera” la verdad es que los años ya no pasan en balde ¿verdad?