Metal

Havok – Time is Up

49 días

by Prozac in Metal, Thrash

Buen trash desde Colorado para terminar este 2011, riffs rapidos y dobles bombos para soltar el cuello jaja

Realmente no se con que banda compararla que les de buena idea de que se van a encontrar, ojo y no es que el sonido sea unico, nada mas lejos de la verdad, es que realmente no importa! es simplemente musica para soltar el cuello!

Nos leemos!

NIGHTWISH: OCEANBORN

181 días

by Aleister Crowley in Gothic, Melódico, Metal, Power

A estas alturas imagino que conocereis todos este disco, pero pienso que se merece una reseña. El disco es de 1998, pero en 2008 la banda decidió reeditarlo, al igual que sus discos: Angels Fall Fisrt, Wishmaster, Century Child, y el E.P Over The Hills And Far Away (curiosamente hay una canción de la banda de rock gótico The Mission UK que se llama así). Oceanborn fue el disco que supuso el gran salto cualitativo en la banda. Aunque el reconocimiento les llegó con Wishmaster la verdad es que Oceanborn es su mejor obra maestra. Muchos creen que Nightwish empezaron a flojear tras la marcha de Tarja, pero pienso que ya en los discos Century Child y Once pese a que estaba Tarja ya no mostraban tanta calidad, aun siendo discos muy buenos. Este disco está lleno de simbolismos tanto en las letras como en la portada: Las Aguas del Océano del Caos (Nun para los egipcios, o las “Aguas de Ain” que decían Watain en su disco más reciente). El búho o lechuza como mensajero de los dioses (el Búho de Minerva), la mujer que representa la Tierra, el espíritu de Gaia; el Ojo que Todo lo ve, el ojo de Horus/Osiris reptiliano, que parece la Luna en la que está reflejada la Tierra, siendo observada está última por ese Ojo representado por la Luna. Un disco con referencias totalmente esotéricas.

1. Stargazers. Unos solemnes sintetizadores inician este rápido y épico tema. La voz de Tarja irrumpe de manera tan épica como los demás instrumentos. Tarja utiliza en este tema diversos registros vocálicos operísticos unos más intensos que otros. Las guitarras y los teclados se compenetran perfectamente en este tema más powermetalero. Stargazers pueden ser los “astrónomos o astrólogos”, y con esta ambigüedad juegan, ya que en la Edad Antigua astronomía y astrología eran una misma cosa. ¿Y quienes eran esos “dioses astrónomos o astronautas” de la humanidad?. Tras varios cambios de ritmo unos más épicos que otros la canción se vuelve un tanto tranquila para finalizar de manera apoteósica.

2. Gethsemane. El tema que más me gusta del disco. Aunque se inicia con todos los intrumentos a la vez el teclado, en este caso piano adquiere un gran protagonismo durante toda la canción. La voz de Tarja también adquiere gran protagonismo. Las melodías son más góticas, más melancólicas y tristes. Una vez más Tarja vuelve a utilizar varios registros de voz. A mitad de canción se produce un cambio de ritmo hacia melodías más épicas pero igual de tristes. Gethsemane además de ser un nombre femenino es también el Huerto de los Olivos donde estuvo Jesús de Nazaret antes de morir. Así que la letra es una alegoría al dolor, a la pena, al sufrimiento, a la angustia y la soledad.

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3. Devil and The Deep Dark Ocean. Este tema es más ominoso y siniestro, además la presencia de una voz masculina (Tapio Wilska) acentúa más esa característica. Los instrumentos van acelerados, pero no da la sensación de ser un tema powermetalero. La voz de Tarja es más ominosa, igualmente operística pero no transmite sensación de melancolía sino de desazón. Tras un momento pausado, unos registros vocálicos masculinos más crudos llega una parte más épica pero igualmente ominosa en la canción. Es en este tema donde se habla de los elementos de la portada del disco (la lechuza, la dama de blanco, el océano, el Ojo). El Primogénito Lucifer (mal llamado el diablo) el “Oceanborn”, que empieza y finaliza los ciclos de la eternidad.

4. Sacrament of Wilderness. Otro de los grandes y épicos temas del disco. Unas notas de sintetizador abren este gran tema. Pese a que el tema tiene partes más rápidas es más propio del Gothic Metal. La voz de Tarja es más bien triste excepto en los coros que se vuelve más épica. El Sacramento del Yermo habla de la soledad de los páramos del Norte de Europa, de la nieve, del frío, de los lobos, de la noche oscura. Tras un breve solo de guitarra el tema acaba repitiendo de manera muy épica el estribillo, cada vez más rápido.

5. The Passion And The Opera. Unos acordes rítmicos de guitarra inician este tema tan curioso. La voz de Tarja entra con unos sincopados y muy imponentes rítmos. Los cambios de registro vocalícos de Tarja vuelven a ser notables en este tema). A mitad de tema se produce un gran cambio de ritmo de manera que la canción parece otra; Tarja hace unos registros de voz totalmente operísticos para finalizar de manera épica la canción. A ritmo de ópera se describe la pasión y la lujuria como elementos innatos en nuestra naturaleza humana.

6. Swanheart. Con unas tristes notas de piano y flauta se inicia esta hermosa y a la vez triste canción. La voz de Tarja es igualmente muy triste y bella. Poco a poco van entrando los demás intrumentos hasta acabar de manera más triste si cabe que cuando empezó el tema. El amor por seres queridos, la tristeza por la pérdida de los mismos, la añoranza son conceptos que aparecen en la letra de este triste pero a la vez hermoso tema.

7. Moondance. La danza de la Luna, se llama este baile pagano y tal vez tribal. Tras unas notas de piano entran los demás instrumentos pero de forma que parece todo una danza pagana (parece no, es una danza). Tras una pausa tranquila marcada por un piano y una flauta vuelven los sonidos propios de la danza cada vez más intensos y rápidos e incluso con coros al final de la canción. Una canción ideal para bailarla de noche, en un claro de un bosque nevado y a la luz de la Luna llena.

8. The Riddler. (El acertijo). Una canción que es más bien épico-gótica. Tarja se vuelve a lucir con sus registros vocálicos tan buenos. Las guitarras tienen más protagonismo y lo mejor de la canción: un estribillo bastante épico. Todo ello aderezado con un ritmo muy dinámico. ¿Quienes somos? ¿De dónde venimos y a dónde vamos? ¿Por qué estamos aquí? La propia existencia es el gran acertijo el cual sólo lo saben las profundas aguas del océano del Caos. Éste es otro de los mejores temas del disco.

9. The Paraoh Sails To Orion. Otro de los temas ominosos y posiblemente el más impresionante del disco. Una vez más se vuelve a escuchar una voz masculina que le da un toque muy ominoso y siniestro al disco. Los instrumentos también suenan igual de ominosos (atención al piano que suena en la canción) al menos la primera mitad de la canción, incluso la voz de Tarja suena como si estuviera anunciando el Apocalipsis. La canción tiene un ritmo bastante rápido y enérgico. a mitad de canción hay un cambio de ritmo que vuelve el tema bastante más imponente y espectacular. El Faraón viaja (navega) a Orión, la “patria de los dioses egipcios”. Recientemente se ha descubierto en las Pirámides una Barca Sagrada, como si el Faraón hubiese pretendido realizar un viaje estelar. Orión, el lugar hacia donde están orientadas las Pirámides de Giza, uno de los lugares mágicos para el Antiguo Egupto, el otro es Sirio. Y allí espera evitando mirar al rostro del dios Horus/Osiris/Seth (o Nyarlathotep, como lo llamaba Lovecraft). Monumental tema.

10. Walking In The Air. Se trata de una excelente versión del tema de Howard Blake que lleva el mismo nombre y que compuso para el filme “The Snowman”. La versión original está compuesta para niños pero esta versión posee una variedad instrumental mayor. Ya digo, majestuosa versión de un bonito tema, con guitarra melódica y cambio de ritmo incluídos.

11. The Sleeping Sun. El tema que cierra el disco. Otro tema muy melancólico y triste. La voz de Tarja es lo más destacable en esta canción, acompañada de sintetizadores también muy tristes y melancólicos. Los demás instrumentos suenan de forma tranquila. en el estribillo de la canción la voz de Tarja cambia de registro siendo más imponente y haciendo que a uno se le ericen los pelos. Cuando el sol se esconde la noche queda reflejada en el océano tranquilo y oscuro, donde también queda reflejada la melancolía, la tristeza y la pena.

12. Nightquest. El Bonus Track del disco. Una canción bastante heavymetalera. donde las guitarras eléctricas (aparece un pequeño solo de guitarra) tienen bastante protagonismo pero donde también el piano juega un papel muy importante, y menudas notas de piano. Un tema muy dinámico y vivo. La voz de Tarja también adquiere un tono muy vivo y dinámico. La temática es un tanto fantástica, la búsqueda nocturna de personajes fantásticos y de lugares de ensueño. Quizás es lo que trae o lo que inspira una noche mágica en “la Tierra de los Sueños”.

Los otros temas son canciones en directo de tres de los temas de este disco (Sleeping Sun, Swanheart y The Paraoh Sails To Orion). El mejor disco de Nightwish se merecía una reseña (aunque tampoco está nada mal el disco Wishmaster) y por ello he hecho esta reseña. Hay discos que por mucho que pasen los años nunca envejecen ni pierden cualidades, al contrario, ganan en calidad y se convierten en clásicos, y este disco es un claro ejemplo.

Una foto de la banda en la época de la primera edición del disco (1998)…¡Sí, Jukka no tiene el pañuelo en la cabeza!:

Nachtblut, Black/Dark Metal desde Alemania

221 días

by H3r3j3 in Black, Dark, Metal

El nombre de la bandam Nachtblut es una amalgama de las palabras Noche y Sangre en Alemán, (algo asi como decir “Noche de Sangre” o “Noche sangrienta”), la banda fue formada en el año 2005 en la ciudad alemana de Osnabrück por Sacerdos (Voz, Bajo), Askeroth (Voz), Greif (Guitarra), Skoll (Batería) y Lymania (Teclados). Su estilo musical es un Black Metal muy melódico… aunque creo que encajan más dentro del Dark Metal ya que su música no tiene mucho de diabolica (que es uno de los fundamentos del Black Metal), más bien los temas de sus canciones son de carácter político y problemas sociales. Durante los primeros años de la banda logró hacerse de algo de fama en la escena underground alemana gracias a su primer concierto en 2007.

Su primer trabajo, titulado Das Erste Abendmahl (la primer cena), salió a la venta en junio del 2007, al no tener una disquera que los patrocinara fue publicado por ellos mismos, pero gracias a este disco se les abrieron las puertas a más fama, dandoles la oportunidad de que abrieran conciertos para bandas de renombre como Immortal, Sodom, Watain, Varg, Endstille y muchas más.

Intro
Ketzer
Schreckenschor
Nie Gefragt
Heiliger Krieg
Mein Gebieter
Kindstod
Des kleinen Herzens Letzter Schlag
Augenschein
Blutgerüst
(pista oculta)

Intro comienza con un ritmo de latidos de corazón seguidos por unos golpeteos metálicos, seguido por un ritmo electronico acompañado de sintetizadores, es una pieza corta para abrir telón.

Ketzer (Hereje), nos presenta el estilo musical que caracteriza a esta banda, ritmos melódicos de unas guitarras electricas fuertes, sintetizadores y un par de voces, unos susurros y la voz black del vocalista, me encanta la mágia que transmite una simple melodía de piano casi al final de la canción.

Schreckenschor (coro de terror) comienza con un sintetizador emulando unas voces corales, seguido de otro sintetizador con una melodía que suena un poco medieval y la batería como acompañamiento, abriendo paso para las guitarras eléctricas y al vocalista. Aunque es una buena canción no destaca en el disco.

Nie Gefragt (nunca preguntó) es una de mis piezas favoritas del disco, quizá por el intenso uso de los teclados y lo bien llevada la melodía durante toda la canción. Comienza con un sintetizador que acompaña al piano, guitarra y sonidos de cuerdas (hechas con sintetizador), aquí el vocalista hace dos cambios de voz, entre limpia y voz black (de troll como suelen decir), la melodía parece sacada de una caja musical… con el toque de black metal correspondiente que agregan los demás instrumentos.

Heiliger Krieg (guerra santa) eleva la velocidad y agresividad del estilo musical… como que aquí quisieron hacer parecer más black metal su música. Además de las guitarras aquí agregan a la sopa sonidos de cuerdas y algo que parece el sonido de un violín que es tocado como guitarra (vamos, ese sonido de “requinto” pero en violín).

Mein Gebieter (mi maestro) continúa con el estilo velóz de la anterior pista, comienza con una guitarra acústica que abre paso a una veloz batería y guitarras, algunos cambios de tiempo y bueno, a mi gusto algo repetitiva.

Kindstod (infanticidio/muerte infantil) Aquí cambia un poco la cosa, el ritmo parece más industrial, guitarras repetitivas, tono rítmicos muy marcados, aunque en momentos se acelera, como si estuvieramos escuchando Rammstein con voz Black.

Des kleinen Herzens Letzter Schlag (el último latido del corazón) otra de mis favoritas del disco… si, también tiene mucho teclado, vuelven a retomar el estilo melódico de las primeras canciones, es una canción triste y fuerte, habla de la muerte de una pequeña niña que fue violada y masacrada y la maldad inherente en los hombres.

Augenschein (apariencia) después de una pequeña introducción de cuerdas toma algo de velocidad con las guitarras, la canción agrega algunos sonidos de organo de iglesia pequeña, cuerdas, latidos para agregar un poco de variedad al ritmo.

Blutgerüst (andamio) es una buena canción para cerrar el disco, muy melodica, con sonidos de piano y cuerdas como acompañantes de las guitarras, algo lenta pero agradable.

Para el 2009 producen su segundo disco, titulado Antik (Antiguo) un disco aún más melódico que el anterior, con una mejor calidad de sonido, además que se puede apreciar un mejor dominio de los instrumentos.

Antik
Ijobs Botschaft
Die Blutgräfin
Gedenket Den Toten
Die Mutter Die Ihr Kind Verlor
Sturz Des Ikarus
Kreuzigung
Hexe
Des Menschens Kunst Blindheit Zu Säen
Kreuzritter

El disco comienza con la canción que da título al disco: Antik (antiguo), una pieza con un ritmo agradable para los headbangers, agradable ritmo de las guitarras acompañadas de sintetizadores y un piano al fondo, la letra hace referencia a la vejez y el sentido que le da la cultura actual a los ancianos… La vida es una guerra y la muerte es la paz eterna.

Ijobs Botschaft (mensaje de bob), un ritmo primitivo de la batería da apertura a unas melódicas guitarras industriales, la canción habla de un acaudalado sujeto a quién le son arrebatados todos sus bienes, y su esposa e hijos muertos por lo que parece ser un tornado o algo asi (algo del viento), no conozco mucho la biblia pero parece un pasaje sacado de esta.

Die Blutgräfin (la condesa sangrienta) una canción dedicada a la condesa Bathory, sus primeros años como gente de la realeza, su obsesión por mantenerse bella y sus rituales donde se bañaba en sangre de jovenes virgenes para mantener su belleza.

Gedenket Den Toten (recordar a los muertos), aunque el ritmo de la canción se parece mucho a la pista anterior tiene elementos que la distinguen, el sintetizador de fondo emula la voces de un coro, la letra de la canción habla sobre un remordimiento de la cantidad de muertes que generan las guerras y de lo agradecido que estan lo sobrevivientes de ver cada nuevo día.

Die Mutter Die Ihr Kind Verlor (la madre que pierde un hijo) es la canción más triste del disco, un melancólico piano acompaña a las guitarras y a un sintetizador que hace de coro. La canción habla del dolor que siente una madre al perder a su único hijo que murió ahogado, no puede olvidarlo y sigue haciendole ropa, preparandole comida y cantandole canciones.

Sturz Des Ikarus (la caida de Ícaro). En la mitología griega Ícaro se fabrica unas alas con plumas de aves y las pega con cera de velas, logra volar cerca del sol pero el calor de éste derrite la cera de las alas y hace que caiga de gran altura hacia su mierte, la canción habla precisamente de este acontecimiento y como su padre Deadalus lo ve caer y morir.

Kreuzigung (crucifixión) una excelente pieza, rítmica con buenas guitarras y batería, un organo de fondo acompaña la melodía durante toda la canción, la pieza como bien habrán intuído habla sobre la muerte del mesías de los cristianos y de cómo pide perdón a Dios por los actos que están cometiendo… perdonalos porque no saben lo que hacen.

Hexe (bruja) una muy destacable canción, acelerada en momentos para hacerla parecer más Black Metal, la canción habla sobre la santa inquisición y su feroz caceria por acabar con todo lo hereje.

Hoy día ya tienen contrato con la famosa disquera austriaca Napalm Records, por lo que debería ser más facil conseguir su material… aunque yo no he tenido suerte en conseguir su música en formato físico.

Des Menschens Kunst Blindheit Zu Säen (la cegera del hombre hacia el arte de sembrar) critica principalmente la religión judía y sus creencias de no comer carne de cerdo, rebajar a la mujer, los crímenes de honor, el fanatismo, el Ramadán, la apostasía… buena pieza pero no destaca lo suficiente en el disco.

Kreuzritter (cruzado) nos traslada al medievo y los ideales en los que creían esos “soldados de Dios” para cumplir los caprichos de la iglesia, vaya tiempos obscuros.

El disco tiene además una canción oculta de aproximadamente 6 minutos de duración, muy buena he de agregar, pero que no he podido conseguir la letra de la canción para saber sobre que habla.

Página web oficial: www.nachtblut.com

alemania Black germany Metal Nachtblut

ONSLAUGHT: SOUNDS OF VIOLENCE

230 días

by Aleister Crowley in Metal, Onslaught, Punk, Thrash

No es habitual que comente bandas de Trash Metal, pero el disco que voy a comentar se merece una buena reseña. Onslaught es una banda que apareció en 1983, la década en la que el Trash Metal tuvo su época dorada (así lo atestiguaron bandas como los legendarios Testament, Slayer, los primeros Metallica, Megadeth…). Las influencias del movimiento Punk de los 70 en esta banda son más que evidentes, sobre todo en sus letras tan brutalmente nihilistas (en todos sus discos son muy nihilistas, pero destacan más las letras de los dos más recientes, el que voy a comentar y el anterior, Killing Peace, de 2007). Las influencias del Punk también se deben a que esta banda es de Bristol, Reino Unido (concretamente de Inglaterra).

En 1985 publican su primer trabajo, Power From Hell, el cual, además de tener unos ritmos muy trashmetaleros y machacones poseía unas letras más propias del Black Metal (un Black Metal que por aquel entonces estaba dando sus primeros pasos). En 1986 publican el que para muchos es considerado el mejor disco de su primera época: The Force. Un disco que depura todavía más su estilo y que resultó ser uno de los mejores discos de Trash Metal del momento, con riffs de guitarra muy machacones y excelentes cambios de ritmo. Las letras ya son más nihilistas y abandonan un poco esas letras satánicas de su primer trabajo. En 1989 publican In Search of Sanity, un disco, que, si bien no era flojo, ya demostró que no pudo superar la calidad del disco anterior (el listón estaba muy alto) pero también fue el reflejo de una banda que empezaba a tener problemas internos. Fruto de estas diferencias la banda se separó temporalmente en 1991. En 2004 (13 años después) la banda se reunifica y empiezan a grabar su siguiente trabajo. Killing Peace vería la luz en 2007. Se trata de un disco que vuelve a recuperar el espíritu trashmetalero de los 80 y con unas letras muy cargadas de nihilismo, insolaridad y misantropía. Un disco muy cruel, pero de riffs muy buenos y con unos cambios de ritmo muy espectaculares. Recordaba mucho a The Force.

Ya en 2011 la banda ficha por el sello AFM Records (la última discografica en la que estuvieron los conocidos Theatre of Tragedy). Publican su disco Sounds of Violence, un disco brutal, bastante más agresivo que sus anteriores trabajos, va un poco más allá del Trash Metal en lo instrumental (también tene elementos de Speed Metal y algunos elementos de Death Metal pero muy pocos, algunas voces, la pesadez de los instrumentos en algunos temas). En cuanto a las letras es aquí donde Onslaught se vuelven más crudos, más misántropos, más insolidarios. La verdad es que el disco (que fue editado en enero de 2011) viene como anillo al dedo para describir la situación mundial actual. Estamos viendo y sufriendo como la crisis económica y social parece que no acaba y vemos cada vez más manifestaciones y revueltas. Lo que está claro es que el sistema (capitalista) se está resquebrajando; de momento las revueltas en muchos sitios, no en todos, son pacíficas, pero cada vez menos. La pregunta es si realmente la gente que se rebela lo hubiera hecho durante la bonanza económica. Digo esto porque el disco muestra una misantropía muy brutal y atroz hacia el género humano (sí, similar a la que vemos en autores como Louis Ferdinand Celine en su obra “Viaje al Fin de la Noche”, o Michel Houellebecq) un desprecio hacia los que están “jodidos”. Lo mejor para comprender estas letras (que comparto) es que veamos el disco tema a tema.

1. Into the Abyss (Intro). Unos tambores que parecen de guerra y marciales anuncian tiempos duros, tiempos salvajes. Unos sintetizadores (los únicos del disco) le dan un aire más siniestro a este tema instrumental, breve y ominoso.

2. Born for War. Ya empiezan las guitarras rítmicas y la batería a marcar un ritmo incesante y machacón. Las guitarras rítmicas y las cambios de ritmo se alternan de manera magistral. La voz de Sy Keeler alterna gruñidos deathmetaleros y alaridos trashmetaleros unas veces rápido otras más lento. Todo conun ritmo incesante, rápido, machacón, y muy enérgico. Las guitarras melódicas también hacen acto de presencia en algunos pasajes de esta monumental canción, incluso algunos solos de guitarra muy buenos. Y tras el solo de guitarra unos ritmos menos rápidos pero más contundentes, para dar paso a una parte con guitarras melódicas. Impresionante, monumental tema. Nacido para la guerra, muerte, odio, dolor, el rojo de la sangre…todas estas palabras se alternan en frases muy crueles en esta canción. Parece dedicado a todos aquellos que quieren ser carne de cañón.

3. The Sound of Violence. Unos acordes algo tranquilos empiezan esta canción que de repente se vuelve muy rítmica (un ritmo inconfundible). Un tema hecho para ser un himno. Menos rápido que el anterior, pero más cruel y malvado. Se trata del tema homónimo del disco. “This is the sound of violence, the power and the pain”, “This is the sound of violence, in the realm of the insane”. No podía faltar un gran solo de guitarra en este rítmico y contundente tema con muy buenos cambios de ritmo. La voz de Sy varía menos, sin embargo se escuchan unas voces sintéticas en algunas partes del tema. Tremendo.

4. Code Black. Uno de los temas con letras más polémicas. Se escuchan ruídos de fondo al inicio,y entran los instrumentos de manera más lenta que en el tema anterior. Los timos son muy marcados y todavía más contundentes que en el anterior tema. Sy vuelve a alternar registros vocálicos deathmetaleros y trashmetaleros. Pese a que la canción no es tan rápida como las dos anteriores transmite más desazón y malestar. Las guitarras melódicas y un pequeño solo no podían faltar.”El código es negro…éste es el Nuevo Orden Mundial (el Gobierno Mundial)”; así es, esto es lo que vendrá de manera violenta y atroz, tal vez a través de un “Blackjack”, uno o varios megatentados nucleares (podeis leer la famosa novela de George Orwell “1984″, si quereis saber lo que viene). Conforme avanza la canción se vuelve más pesada y plomiza, y las letras mucho más crueles. No tiene piedad por nadie, ni por lo que va a venir. El Nuevo Orden Mundial, la destrucción de las religiones (eso se estaría tratando en la reunión del Grupo Bilderberg que tuvo lugar en Suiza hace poco). Preparando los “borregos” para el matadero (no a todos) y la exclavitud.

5. Rest In Pieces. Sí, el título es un juego de palabras muy cruel y sarcástico. El tema se inicia de manera veloz, como la primera canción. Los ritmos de las guitarras son muy intensos y machacones. Sy vuelve a jugar con sus registros vocálicos y hace coros con sus propios registros vocálicos de manera muy magistral. el sadismo, la violencia, la tortura, el desgarro y la desmembración del ser humano de manera violenta, su “descanso en piezas” y su muerte en el anonimato (a muchos os habrá venido a la cabeza el filme “Hostel”…o cualquier otra cosa peor). Un solo de guitarra tan rápido como los endiablados ritmos de este tema también hace presencia en esta canción. Y la magistral alternacia de ritmos más rápidos y otros un tanto menos rápidos.

6. Godhead. Unos golpes rítmicos de batería y guitarras dan paso a unos ritmos marcados por el doble bombo y una guitarra melódica de aire oriental en este magistral tema. Una parte rítmica se descuelga acontinuación. Sy canta en esa parte rítmica, y aparecen los cambios de ritmos a otros más lentos y otros más rápidos.

Children of god they hear no evil
Children of god they see no evil
Children of god they speak no evil
Children of god pure fucking evil
Children of god
Children of god
Children of god
Children of god pure fucking evil

Éste es el brutal estribillo de este tema, despiadado con la religión cristiana (y siguen las guitarras melódicas de aire oriental que dan paso a un desquiciado pero impresionante solo de guitarra y luego a una parte más pesada. Las mentiras de las religiones y de sus seguidores, especialmente el cristianismo. “Nos vemos todos en el Infierno”. ésta es la letra de este magistral tema.

7. Hatebox. La canción parece un guiño a la famosa caja cúbica del filme “Hellraiser”, la “Caja del Odio”. Unas guitarras pesadas dan paso a otras guitarras rítmicas y a un ritmo más marcado. Otro cambio de ritmo da paso a la voz de Sy y a unos ritmos más frenéticos y pesados y éstos a su vez a unos riffs más propios del Death Metal y acompañados de gruñidos propios también del Death Metal, para volver a otra parte más rítmica y machacona, hasta llegar a un gran y corto solo de guitarra. Las voces de Sy en este tema son más crueles y desgarradas…más llenas de odio. La “Caja del Odio”, se extiende por doquier, lleva el odio, locura y la guerra por todas partes, se alimenta de ello. Una letra bastante explícita, vamos.

8. Antitheist. Unas guitarras melódicas muy orientales inician este tema. Cuando irrumpen los demás instrumentos lo hacen con un ritmo un tanto oscilante de guitarras rítmicas pesadas y las guitarras melódicas iniciales de fondo. Tal vez estemos ante el tema más “melódico” del disco. Aunque sea un tanto melódico también se trata de un tema pesado y con impactantes cambios de ritmo. Pero ya digo, esas guitarras melódicas del inicio aparecen durante toda la canción. La libertad de expresión y el desprecio hacia la religión cristiana, la Biblia y hacia su fe (de cobardes) es lo que cuenta la letra de este tema tan peculiar, pero igual de bueno que los demás.

9. Suicideology. El suicidio como liberación, el precipicio hacia la autodestrucción (seguro que con la crisis actual muchos/as han acabado o planean acabar así). Las letras de este tema recuerdan al la famosa obra de Albert Camus “El Mito de Sísifo” (en la que se reflexiona sobre este tema tan delicado y cruel) y también a la novela de Dostoyevski “Los Demonios”, donde también se reflexiona profundamente sobre el suicidio. Un tema que ya desde sus inicios es rápido, muy rítmico y contundente…puro Trash Metal machacón y despieadado. Un tema desquiciado para una letra muy desquiciada, un tema con una letra que se precipitan en un abismo de locura sin fin. “Quiero escuchar el silencio, quiero sentir el dolor…de las venas rotas”. Ya digo, un tema muy cruel, con una letra muy despiadada hacia aquellos/as que deciden quitarse la vida y no luchan. Incluso el solo de guitarra es rápido y ominoso como el resto de la canción.

10. End of the Storm (Outro). Éste es realmente el tema que concluye el disco. Otra canción instrumental y ominosa como la primera. Unas notas de piano muy inquietantes se escuchan cada vez más cerca, y se vuelven a perder en la distancia al poco tiempo.

11. Bomber. (Motörhead cover). al final del disco aparece este bonus track de los clásicos Motörhead. La verdad es que la versión es muy buena y muy intensa, rápida, con partes rítmicas y melódicas alternadas (como la versión original).

En definitiva nos encontramos ante un renacer en todos los aspectos de esta gran banda de Trash Metal. Una banda que no fue tan conocida como sus coetaneos Testament, Metallica o Slayer pero de igual calidad. Incluso me atrevería a decir que aquéllas ya no hacen discos como antaño y Onslaught todavía hace discos muy buenos incluso más duros que sus primeros trabajos. No les ha sentado mal envejecer a estos grandes músicos. Para curiosos, Onslaught es el nombre del villano Marvel de los X-Men que fue fruto de un pensamiento del profesor Xavier. Este villano tiene los poderes de Xavier y de Magneto y se trata del villano Marvel más poderoso y malvado. De aquí se inspiraron estos músicos ingleses para bautizar su banda.