Blog Colectivo de Rock en todas sus presentaciones
Gothic
RAMMSTEIN
3397 días
No creo que a estas alturas estos alemanes necesiten presentaciones. Quiero aclarar que no han publicado ningún disco nuevo recientemente, sencillamente voy a hacer una reseña retrospectiva de una banda de la que fui fan hasta su disco Mutter (2001) y que, inexplicablemente, a partir de ese disco decidieron echar por tierra su talento musical (desde luego no se les puede negar que los videos de sus canciones están trabajados, pero no su música en sus tres últimos discos). La foto de cabecera es una foto promocional del que para muchos es su mejor disco: Sehnsucht (1997, que significa Nostalgia). Pese a que ellos recalcan mucho en decir que todos los miembros son importantes posiblemente el principal compositor sea Richard Z. Kruspe (guitarrista principal). Tampoco me voy a entretener a decir quien es quien, imagino que ya lo sabeis a estas alturas (y si no mirad la Wikipedia).
Esta es la portada de su primer L.P llamado Herzeleid (Pena del corazón) de 1995. En la portada la verdad es que parecen unos verdaderos maricones aceitosos, pero bueno, la provocación siempre ha sido una de sus principales características. En este disco hacían un tipo de metal industrial muy “freaky” deudor de bandas como Ministry. En el filme “Carretera perdida” (Lost Highway) de David Lynch aparecen al menos dos de sus temas: “Rammstein” y “Heirate Mich” (curiosamente el video de su famoso tema “Du Hast”, de su siguiente disco, es un guiño a esta película). Ya digo, un disco muy bueno y extraño, con temas muy buenos como “Weises Fleisch”, “Asche zu Asche”,”Heirate Mich”, “Du riechst so gut” o “la propia “Rammstein” por mencionar algunas. Y ya en sus directos se veía a unos Rammstein muy lllamativos y que les gustaban los espectáculos pirotécnicos o la estética un tanto futurista. Un disco recomendable.
Sehnsucht (Nostalgia) de 1997 fue su segundo disco. Con unas canciones más machaconas y pesadas este disco consiguió colocar a Rammstein en una posición respetable a nivel internacional dentro del panorama del metal, y del Metal Industrial en concreto. Este disco sí que recordaba y mucho a los discos de bandas tan legendarias del género (Metal Industrial) como Ministry o Fear Factory. Antes de seguir quisiera recalcar que esta banda ha cantado en su lengua materna, el alemán, en todos sus discos. Tiene muchos temas destacados pero señalaré algunos como: “Du hast”, “Engel”, “Tier”, “Buck Dicht” (del que hacen una actuación en directo un tanto especial), “Bestrafe Mich”. También imagino que sabreis que la voz femenina que aparece en su tema Engel es la hija de Richard .Z.Kruspe llamada Khira Li. En definitiva un disco aun mejor que el anterior, o al menos el disco que los catapultó a la fama, y uno de los mejores discos del Metal Industrial.
A esto me refería cuando hablaba de la interpretación en directo de su tema “Buck Dicht” (arrodíllate). Fotos muy homosexuales en su primer disco y estas mariconadas sadistas en canciones de su segundo disco (no se, a lo mejor le dan a todo, quien sabe).
Mutter (Madre) de 2001 supuso un cambio importante en la banda. El disco (que es, por cierto el que más me gusta de su discografía) ya mezclaba sonidos industriales con sonidos góticos y melancólicos. Las canciones no eran tan machaconas (aunque hubiera canciones muy agresivas como “Feuer Frei”) y estaban más elaboradas. Por decirlo de alguna manera fue el disco con el que tocaron techo, incluso en ventas. También tenía su edición especial un póster en el que aparecían ellos semidesnudos como si fueran bebés, vamos, algo así:
…sí, otra vez una imagen parecida al primer disco, pero algo diferente (el color del fondo y que la mayoría están con los ojos cerrados).
Ese mismo año pude ir a verlos en directo en un concierto que hicieron en La Vall d´Hebron (Barcelona). Para ello tuve que desplazarme en autobús desde Valencia. La verdad es que no defraudaron, y tuvieron como teloneros a los también conocidos Clawfinger (por cierto, mucha gente fue exclusivamente a ver a los suecos Clawfinger, y luego se fueron sin querer ver a Rammstein). De sus temas que son muy buenos destacaría algunos como: “Links 2-3-4″, “Mutter”, “Sonne”, “Ich Will”, “Feuer Frei”, “Adiós”…aunque todos son muy buenos temas. También son muy curiosos el videoclips de los temas “Ich Will” y “Sonne”.
Una imagen de su videoclip “Sonne”.
Esta imagen del videoclip “Sonne” me sirve a la perfección para ilustrar lo que le sucedió a Rammstein a partir de este disco: cavaron su tumba musical (aunque aparezca la “Blancanieves cocainómana” del video). Parece como si Richard y Till estuvieran llorando porque se les acabaron las ideas a partir de ese disco. En cualquier caso Mutter fue la cumbre y, para mí, el final de una gran banda…
Reise, Reise de 2004 supuso un gran cambio A PEOR en Rammstein. Y parecía que no iba a ser así, ya que tras ver su videoclip “Mein Teil” todo apuntaba a que sería un disco similar al anterior. Pero nada más lejos de la realidad. Y pese a que publicó otro single bastante curioso llamado “Amerika” donde se hacía una crítica atroz a EE.UU los temas poseían un contenido musical muy pobre y descafeinado. Tal vez se escapen temas como “Keine Lust” el mismo “Reise, Reise”, pero insisto en que son temas bastante flojos. No voy a perder tiempo en describir este disco, no vale la pena; ahorraré palabras (y de paso evitaré arcadas a mi pobre estómago), pero aquí os dejo una imagen de su videoclip “Amerika”:
Imitando lo que parecía ser el primer viaje a la Luna: un montaje falso, un “Fake”.
Así, como la imagen de su disco Rosenrot de 2005, debieron estar los Rammstein en 2005: encallados y sin ideas. El disco cumple con la Ley de Murphy: es todavía peor, más soso y pobre que el anterior. Pero claro, esto tiene su explicación cuando uno descubre que los temas que componen este disco fueron compuestos durante las sesiones de grabación del disco anterior. Ellos mismos dijeron que plantearon editar un disco doble en 2004 (hubiera sido mejor) pero prefirieron editarlos por separado (prefirieron ganar más “pasta” con estas dos mierdas…por que eso es lo que son, sinceramente). Lo único que puedo destacar de Rosenrot son sus videoclips, muy trabajados eso sí, pero su música es muy floja, absolutamente prescindible, muy alejada de los mejores Rammstein. Podría decir que temas como “Benzin” salvan algo del disco, pero está muy lejos de ser como “Feuer Frei” o “Tier”. Podría seguir criticándolos sin piedad pero prefiero tirar la toalla, no merece la pena, ganamos todos en salud si obviamos estos discos.
Os habeis amariconado mucho, nenes ¿Qué os ha pasado?
Liebe Ist Für Alle Da (“El amor está ahí para todos”) de 2009 es lo más reciente de la banda (ya con el título y con la imágen un poco misógina de la portada uno piensa que se han amanerado del todo). Desde luego el disco recupera terreno perdido respecto a los dos anteriores. Sus primeros temas son bastante aceptables, (“Rammlied”,”Ich tu dir Weh”, “Waidmanns Heil”, “B*********”) sin embargo cuando llegamos al tema homónimo del disco y a partir de ahí hasta el final nos encontramos con la dura realidad: se desinfla poco a poco el disco, vuelve a ser flojo, como los dos discos anteriores, sólo el tema “Mehr” muestra algo de intensidad de la que antaño tuvo esta banda. Este disco demuestra que aunque es algo mejor que los anteriores es lo que llamamos un “quiero y no puedo”.
Como ya he dicho, para mí, Rammstein finalizaron tras su disco Mutter; lo que han hecho después es absolutamente prescindible, por mucho que sus fans más ciegos no quieran reconocerlo. Y si los desencantados quieren seguir escuchando Metal Industrial bueno pueden escuchar sus tres primeros discos o bien escuchar grandes joyas como : Ministry, Fear Factory, Clawfinger, N.I.N (hasta su disco Fragile, porque a Trent Reznor parece que también se le acabó un buen día la inspiración) o Strapping Young Lad en algunos discos con sonido industrial…me dejo algunos más pero NO DEBEIS confundirlos con la basura que se hace llamar “Nu Metal” (Linkin Park, Slipknot, System Of a Down) o las bandas neogóticas que siguen el rastro al “Nu Metal” (No Metal, diría yo) como Lacuna Coil (si no recuerdo mal Cristina Scabbia está casada con James Root, guitarrista de los Slipknot) o los penosos Evanescence (¿existen todavía estos últimos? no lo se, ni me importa).
¿Qué buscarán en el horizonte? su inspiración perdida tras su disco “Mutter”…y mientras Richard toca un Réquiem por la muerte musical de Rammstein.
Emarebil Nocturna
1
Esta banda, originaria de Puerto Vallarta Jalisco, fue formada a finales del 2006 por Kedart (voz) y Norbak (teclados), comenzaron a escribir canciones con la finalidad de no encasillarse en un solo género, buscando complejidad en la letra de las canciones hablando de miedos, seducción, metáforas góticas llenas de libertad. Tiempo después se unen al proyecto Scarcrow (bajo), Geegee Bleeth (batería) y Zephar (guitarra).
En el año 2007 comienzan la grabación de su primer demo en los estudios Pierleblack en Tepic Nayarit, ayudados de la producción de Daniel Pier quien fue el encargado de la remasterización profesional y la dirección orquestal de este, pero no fue sino hasta el año 2009 cuando por fin fue liberada esta primer producción.
Gracias al apoyo que reciben de parte de Eyescream Productions la banda ha abierto conciertos para importantes bandas en conciertos en la república, tales como el concierto de The 69 Eyes este año.
El estilo de la banda se puede ubicar entre el Black metal sinfónico con un poco de gótico, con un protagónico uso de los sintetizadores en todas sus canciones, su primer disco consta de 9 canciones sumando un total de 35 minutos.
- Intro
- Profecía
- Liturgia
- Le Petite Morte
- Emarebil
- Siniestra
- Demencia
- Sentencia
- Entrega (Bonus Track)
Emarebil:
Mi descubrimiento de esta banda es reciente, embrujado por la calidad de su música me sorprendí al saber que eran mis paisanos (de hecho somos del mismo estado: Jalisco). Son contados los casos de bandas mexicanas que sobresalen o me gustan (Hocico, Brujería, Transmetal) y Emarebil Nocturna me ha parecido que puede llegar a estar muy por encima de estas bandas si mantiene la calidad demostrada hasta este momento.
THEATRE OF TRAGEDY: Se cierra el telón (1993-2010)
1661 días
Ésta es la tercera vez que hago un post de esta banda, y será el último ya que en su web vienen anunciando desde el 1 de marzo de 2010 que se separan. Su último concierto lo harán en Stavanger, su ciudad natal el 2 de octubre de 2010, justo el día que 17 años antes nacieron como banda. La explicación es que ya no pueden compatibilizar sus vidas personales y familiares con su “estilo de vida de Rock and Roll” (grabaciones y giras). Aparte de esto la banda, Theatre of Tragedy, se ha convertido a lo largo de estos años en el segundo trabajo de sus miembros (Raymond es diseñador gráfico y delineante, Lorentz es ingeniero petroquímico y de energías renovables, Nell, Vegard y Frank son profesores de música y compositores, y Hein es productor de sonido o algo similar; de este último no lo tengo tan claro ya que no especifica claramente su trabajo oficial).
Así que Forever Is The World y el reciente E.P Addenda (Añadido) son sus últimos trabajos de estudio. De hecho Forever Is The World suena a “epílogo” de la banda ya que contiene elementos de toda su discografía anterior, incluso su portada es una protada que posee elementos de las portadas de todos sus L.Ps anteriores. Vamos a ver por última vez todos sus L.Ps y los músicos que participaron en tales discos.
THEATRE OF TRAGEDY (1995): Su primer trabajo (L.P) . Un disco que llamó la atención por el tremendo contraste de voces. La voz de Raymond era del estilo Death Metal, con gruñidos graves y la voz de Liv era de Soprano, muy dulce. Además las letras estaban en inglés antiguo. La música era más bien Doom/Gothic Metal, con pasajes lentos, guitarras muy agudas y un bajo que se distinguía bastante bien. La temática hablaba sobre el paso de la vida, la muerte, la apatía, la desesperación. “Carpe Diem, Memento Mori” (Aprovecha el momento, recuerda que vas a morir) podría ser su lema…y que esta vida es un Teatro, hasta la última de sus Tragedias (así acaba la letra de la última canción). Ya digo, un disco muy sombrío, melancólico, Doom metalero, y lleno de contrastes. Evidentemente el tema más destacado es “…A distance there is”, por sus pasajes de piano, la voz de Liv, los violines y la tormenta que se escucha de fondo; sin embargo yo también destacaría “Sweet Art Thou” por su carácter tan épico (y el tremendo cambio de ritmo que hay a mitad de canción). Y ésta era la formación de entonces:
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Eran los comienzos de la banda.
VELVET DARKNESS THEY FEAR (1996):
Este trabajo fue considerado (y todavía hoy) uno de los mejores de la banda. Siguen los contrastes de voz del disco anterior, siguen las letras en inglés antiguo, y siguen con la temática del disco anterior, aunque con algún cambio: esta vez se centran más sobre la pérdida de la belleza a causa del paso del tiempo “Beatus Ille”. En este disco hay una mayor presencia de los sintetizadores y las guitarras son más melódicas; digamos que es un disco más agradable de escuchar que el anterior (no son tan agudas las guitarras como en su primer disco). Las canciones son más lentas, con más partes diferenciadas introducidas por cambios de ritmo y con un aire más “Barroco”. Incluso hay algún tema en el que Raymond usa su registro de voz normal en algún pasaje. Fue el disco que los dio a conocer a nivel mundial; como consecuencia empezaron a imitar el estilo de este disco legiones de grupos “góticos” que empezaron a proliferar (de los que no creo que haga falta que diga su nombre ¿verdad?). El estilo seguía siendo Doom/Gothic Metal. De los E.Ps que lo acompañaron destacaría “A Rose For de Dead”. Y de sus temas destacaría ” Black As The Devil Painteth” o “The Masquerader And Phoenix” (gran final el de esta canción, que es la última de este disco).
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Ésta es una foto promocional de la banda del disco “Velvet Darkness They Fear”.
AEGIS (1998):
Considerado por muchos fans como el mejor disco de Theatre Of Tragedy ya supuso un cambio en la la música (y en la formación de la banda). Aegis es un homenaje a la figura de la mujer, de hecho todos sus temas hablan de mujeres y su relación con tragedias que protagonizan o cuentan (“Lorelei, a poet of tragedies”). Aunque las letras siguen en inglés antiguo ya hay cambios notables: las guitarras son mucho más densas, y la voz de gruñido estilo Death Metal de Raymond sólo se escucha en un par de temas (Venus y Bacchante). En algunas versiones del disco aparecen los bonus Samantha y Virago (este tema también aparece en un E.P llamado “Inperspective”). También aparecen elementos electrónicos en sus temas que marcan la dirección hacia donde evolucionaría la banda. De sus temas, que son bastante buenos, destacaría “Siren” o “Lorelei” (aunque “Cassandra”,”Venus” o “Popaea” son muy buenos también).
Éstas son dos fotos promocionales de la banda durante la etapa del disco Aegis.
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MUSIQUE (2000):
Este disco supuso un gran cambio radical en la banda. Las canciones son muy directas, utilizan inglés normal y las letras hablan de un futuro donde reinan las nuevas tecnologías (las llamadas TICs), donde todo está automatizado y el ser humano es un autómata. Incluso la presencia de la banda es de corte futurista. Raymond utiliza un registro sintético de voz, abandona los gruñidos. Incluso el estilo cambia: abandonan el Doom/Gothic para hacer un Electro Metal Gótico. Hay mucha presencia de elementos electrónicos. De todas formas los elementos electrónicos no suponían tanta novedad como la que en un principio se creía, ya que en su E.P “A Rose For The Dead” de 1997 hay unas versiones muy electrónicas de algunos temas del disco “Velvet Darkness They Fear”, lo cual indica que ya en sus primeros trabajos tenían clara la evolución musical de la banda en discos posteriores. En cuanto a la formación también hay cambios, sólo hay 5 miembros (los tres principales, Raymond, Hein y Lorentz; Liv y Frank Clausen). A muchos fans no les gustó demasiado el cambio (el disco es muy bueno, pero no es Doom/Gothic) y dejaron de ser fans, sin embargo no hay duda de que la banda no seguía modas e hizo en ese momento lo que querían ellos. De sus temas destacaría “Fragment” o “Machine”.
Ésta es una foto promocional de la banda durante la etapa del disco Musique.
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ASSEMBLY (2002):
Este disco supuso una continuación y depuración de los sonidos electrónicos y la temática iniciada por el disco anterior. Las canciones no son tan directas, de hecho algunas son lentas (no tan lentas como en los dos primeros discos). La voz de Raymond seguía siendo electrónica e incluso la de Liv en una canción también. Es un poco más electrónico que el anterior, pero también es muy buen disco. Uno de los detalles que más llama la atención en relación a este disco es que en su web algunos miembros de la banda (Raymond, sobre todo, pero también Hein y Lorentz, los tres miembros fundadores de la banda) comentan que entre sus grupos de referencia están los alemanes Kraftwerk o Neubauten (grupos de referencia de la música electrónica e industrial) aparte de Joy Division (de su tema “Decades” realizaron una versión que aparece en el E.P “A Rose For The Dead”) o Bauhaus. En esta etapa vuelven a ser 6 miembros ya que contratan un nuevo guitarrista (Vegard Thorsen) que estaría hasta el final de la banda. Destacaría los temas “Universal Race” o “Episode”; aunque hay otros temas que también son igual de buenos.
Ésta es la formación en 2002, en la etapa del disco Assembly.
Y tras esta época se vuelven a producir cambios tanto en la música como en la formación. La banda decide prescindir de Liv Kristine ya que cada vez había más problemas durante las grabaciones de los discos (Liv grababa su voz en el estudio de su pareja Alexander Krull, líder de Atrocity, en Alemania, y eso le suponía problemas a la banda) y Liv no componía música, sólo cantaba. En definitiva, se cansaron de ella (otra cosa similar le ocurrió a Tarja Turunen de Nightwish). En sucesivas entrevistas Hein Frode Hansen (batería y miembro fundador de la banda) comentó al respecto (cuando le preguntaban por la expulsión de Liv) que lo importante era y es la banda no un solo miembro de la misma (opinión que comparto totalmente). Deciden contratar a Nell Sigland de la banda noruega The Crest.
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STORM (2006):
Con la formación renovada publican Storm en 2006; un disco que resultó un sintomático regreso a sus orígenes, aunque no exactamente. Todavía conserva elementos electrónicos y las canciones son bastante directas como en el disco Musique. La voz de Raymond es sintética en algunos temas (en varias canciones) y en otros temas (la mayoría) utiliza su registro normal (como en el disco Aegis). La voz de Nell es muy similar a la de Liv, incluso diría que es más dulce. Nell sí que sabe componer música (es profesora de música) y en este disco así como en el siguiente disco colabora bastante en la composición musical. Utilizan un inglés normal en sus canciones y la temática habla sobre las consecuencias de un posible cambio climático y el derrumbe de nuestra civilización. Hay temas que recuerdan a algunos de sus primeros discos como es su tema “Fade”. Se puede decir que el sonido del disco oscila entre el sonido del disco Aegis y el sonido del disco Musique. Destacaría temas como “Ashes and Dreams” o “Disintegration”, aunque, en general, todos sus temas son muy buenos.
Ésta es la formación de la banda en la etapa de su disco Storm, en 2006.
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FOREVER IS THE WORLD (2009):
La portada de este disco representa elementos de todas las portadas de sus anteriores discos (las rosas, el terciopelo, el fuego, la mascarilla, las hélices y el símbolo del disco Storm), y la música también. Todos sus temas nos recuerdan a sus anteriores discos (no todos a la vez). De recordarnos a algún disco recuerda sobre todo al disco Aegis, al disco Velvet Darkness They Fear y al disco Storm; pero además en algunos de sus temas se escuchan violines, instrumentos que desde su primer disco no habían vuelto a utilizar. Los temas son en su mayoría lentos, muy elegantes, con cambios de ritmo y muy bien producidos. Raymond utiliza en algunos temas su registro normal de voz y en otros su gruñido estilo Death Metal que utilizó en sus dos primeros discos. La temática es un réquiem por todo en general, por la humanidad que algún día desaparecerá; también se habla del “Carpe Diem”, por la necesidad de realizar sueños, ilusiones, y sobre todo se recalca que el mundo es para siempre; en definitiva se habla de que aprovechemos el momento porque el tiempo pasa, nos marchitamos, y el mañana podría dejar de existir (se hace referencia en algunas letras a la voluntad de realizar nuestros sueños y luchar contra nuestros temores). Todos sus temas son muy buenos pero destacaría temas como: ” Hide and Seek“, “Hollow”, “Frozen” o “Deadland”.
Y ésta es una foto promocional de la banda de su disco Forever Is The World, de 2009.
En marzo de 2010 la banda publicó otra edición de su último disco llamada Forever Is The World Tour Edition, que contenía el disco con su Bonus Track y un E.P llamado “Addenda”. El E.P tiene remezclas, algunas caras B de su disco Storm, el Bonus Track de la versión de vinilo de su último disco (llamado “The Breaking”) y dos remakes, uno de su tema “Deadland” (hecho por su anterior guitarrista Tommy Olsson) y el otro de su tema “Frozen” (hecho por el responsable de la mesa de producción de Theatre of Tragedy, Ambrosius). Personalmente me grabé en un Cd su último disco y le añadí estos tres últimos temas que menciono en este orden, destacando sobre todo la versión de Frozen, mucho más triste, más hermosa, ideal para finalizar el disco y su discografía. Así pues, ha sido un placer ser fan de Theatre of Tragedy, y les deseo lo mejor en su nueva etapa.
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Algunas fotos de sus miembros.
Otra foto de la banda en 1996.
Liv Kristine en la etapa del disco Velvet Darkness They Fear.
Liv y Raymond en 1998 (disco Aegis).
Nell Sigland.
Liv Kristine y Nell Sigland. Las dos cantantes que ha tenido la banda.
sToa
1sToa (palabra griega para “Pórtico”) es una banda de Darkwave alemana formada originalmente por Olaf Parusel y la angelical voz de Conny Levrow, quien además es violinista desde hace más de 10 años.
Su primer canción: Stoa apareció en el año 1992 en una compilación llamada From Hypnotic … to Hypersonic del sello discográfico Hyperium. Ese mismo año Stoa produce su primer disco: Urthona (una parte de los 4 Zoas que componen a Albion, el gigante hijo de Poseidón, según la mitología del poeta y pintor inglés Willian Blake), un hermoso disco lleno de poéticas melodías melancólicas, oscuras y llenas de misterio. 11 pistas componen este primer LP, tomando inspiración de poetas como William Blake, Kai Uwe Skerra, Alfred Lord Tennyson, Samuel Rogers y Alfred Lord Tennyson.
sToa – Urthona (1992), portada original
Infant Joy:
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Dos años después (1994) sToa produce su segundo disco: Porta VIII, disco compuesto por 9 pistas inspirado en la ópera de Paul Dukas: Ariadne et Barbe Bleue (Ariadne y Barbazúl). Aunque este disco es más instrumental que el anterior, mantiene la escencia y estilo que ha caracterizado a esta banda, todos los lyrics de este disco están en latín.
sToa – Porta VIII (1994), portada original
Mors:
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Después de una pausa de siete años, sToa vuelve al escenario con una nueva voz: Antje Buchheiser, sustituyendo a Conny que, al igual que esta última, es violinista y ha participado como corista en varias piezas de música clásica, además de otro nuevo integrante: Christiane Fischer, quien toca el Violonchelo y hace la 2da voz en los conciertos.
Con estos dos nuevos integrantes sale a la luz en el año 2001 el disco Zal (nombre de un legendario guerrero persa), un disco más poético que sus anteriores producciones, rico en arreglos de cuerdas, piano y menor uso de sintetizadores; las 11 melodías que componen este disco están inspiradas en poesías de James Joyce, Sam Rosentbal, Keiji Sayama, Paul Verlaine, William Shakespeare, William Blake y Boetbius. Como artista invitado está Barbara Uble en el Oboe.
sToa – Zal (1994)
I held the moon:
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Seis años después (2008) se vuelve a saber de sToa con su nuevo disco: Silmand, que viene a significar algo así como Mes del alma, haciendo un fuerte cambio en el estilo musical que había mantenido esta banda, además de que en este disco se hace notar más la presencia de Christiane Fischer por el protagonismo del chelo, la banda incursiona en un estilo más Pop, alegre y folklórico (que personalmente no me gustan) en piezas como Broken Glass, Palldium y A Drinking Song, aunque en la mayoria de las piezas mantienen ese hermoso estilo melancólico y misterioso.
sToa – Silmand (2001)
La banda ha tenido una muy buena recepción en México, de los pocos paises donde la banda ha ofrecido conciertos, su última visita fue a este país fue en octubre del 2009.
So Many Clouds
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