A estas alturas imagino que conocereis todos este disco, pero pienso que se merece una reseña. El disco es de 1998, pero en 2008 la banda decidió reeditarlo, al igual que sus discos: Angels Fall Fisrt, Wishmaster, Century Child, y el E.P Over The Hills And Far Away (curiosamente hay una canción de la banda de rock gótico The Mission UK que se llama así). Oceanborn fue el disco que supuso el gran salto cualitativo en la banda. Aunque el reconocimiento les llegó con Wishmaster la verdad es que Oceanborn es su mejor obra maestra. Muchos creen que Nightwish empezaron a flojear tras la marcha de Tarja, pero pienso que ya en los discos Century Child y Once pese a que estaba Tarja ya no mostraban tanta calidad, aun siendo discos muy buenos. Este disco está lleno de simbolismos tanto en las letras como en la portada: Las Aguas del Océano del Caos (Nun para los egipcios, o las “Aguas de Ain” que decían Watain en su disco más reciente). El búho o lechuza como mensajero de los dioses (el Búho de Minerva), la mujer que representa la Tierra, el espíritu de Gaia; el Ojo que Todo lo ve, el ojo de Horus/Osiris reptiliano, que parece la Luna en la que está reflejada la Tierra, siendo observada está última por ese Ojo representado por la Luna. Un disco con referencias totalmente esotéricas.

1. Stargazers. Unos solemnes sintetizadores inician este rápido y épico tema. La voz de Tarja irrumpe de manera tan épica como los demás instrumentos. Tarja utiliza en este tema diversos registros vocálicos operísticos unos más intensos que otros. Las guitarras y los teclados se compenetran perfectamente en este tema más powermetalero. Stargazers pueden ser los “astrónomos o astrólogos”, y con esta ambigüedad juegan, ya que en la Edad Antigua astronomía y astrología eran una misma cosa. ¿Y quienes eran esos “dioses astrónomos o astronautas” de la humanidad?. Tras varios cambios de ritmo unos más épicos que otros la canción se vuelve un tanto tranquila para finalizar de manera apoteósica.

2. Gethsemane. El tema que más me gusta del disco. Aunque se inicia con todos los intrumentos a la vez el teclado, en este caso piano adquiere un gran protagonismo  durante toda la canción. La voz de Tarja también adquiere gran protagonismo. Las melodías son más góticas, más melancólicas y tristes. Una vez más Tarja vuelve a utilizar varios registros de voz. A mitad de canción se produce un cambio de ritmo hacia melodías más épicas pero igual de tristes. Gethsemane además de ser un nombre femenino es también el Huerto de los Olivos donde estuvo Jesús de Nazaret antes de morir. Así que la letra es una alegoría al dolor, a la pena, al sufrimiento, a la angustia y la soledad.

3. Devil and The Deep Dark Ocean. Este tema es más ominoso y siniestro, además la presencia de una voz masculina (Tapio Wilska) acentúa más esa característica. Los instrumentos  van acelerados, pero no da la sensación de ser un tema powermetalero. La voz de Tarja es más ominosa, igualmente operística pero no transmite sensación de melancolía sino de desazón. Tras un momento pausado, unos registros vocálicos masculinos más crudos llega una parte más épica pero igualmente ominosa en la canción. Es en este tema donde se habla de los elementos de la portada del disco (la lechuza, la dama de blanco, el océano, el Ojo). El Primogénito Lucifer (mal llamado el diablo) el “Oceanborn”, que empieza y finaliza los ciclos de la eternidad.

4. Sacrament of Wilderness. Otro de los grandes y épicos temas del disco. Unas notas de sintetizador abren este gran tema. Pese a que el tema tiene partes más rápidas es más propio del Gothic Metal. La voz de Tarja es más bien triste excepto en los coros que se vuelve más épica. El Sacramento del Yermo habla de la soledad de los páramos del Norte de Europa, de la nieve, del frío, de los lobos, de la noche oscura. Tras un breve solo de guitarra el tema acaba repitiendo de manera muy épica el estribillo, cada vez más rápido.

5. The Passion And The Opera. Unos acordes rítmicos de guitarra inician este tema tan curioso. La voz de Tarja entra con unos sincopados y muy imponentes rítmos. Los cambios de registro vocalícos de Tarja vuelven a ser notables en este tema). A mitad de tema se produce un gran cambio de ritmo de manera que la canción parece otra; Tarja hace unos registros de voz totalmente operísticos para finalizar de manera épica la canción. A ritmo de ópera se describe la pasión y la lujuria como elementos innatos en nuestra naturaleza humana.

6. Swanheart. Con unas tristes notas de piano y flauta se inicia esta hermosa y a la vez triste canción. La voz de Tarja es igualmente muy triste y bella. Poco a poco van entrando los demás intrumentos hasta acabar de manera más triste si cabe que cuando empezó el tema. El amor por seres queridos, la tristeza por la pérdida de los mismos, la añoranza son conceptos que aparecen en la letra de este triste pero a la vez hermoso tema.

7. Moondance. La danza de la Luna, se llama este baile pagano y tal vez tribal. Tras unas notas de piano entran los demás instrumentos pero de forma que parece todo una danza pagana (parece no, es una danza). Tras una pausa tranquila marcada por un piano y una flauta vuelven los sonidos propios de la danza cada vez más intensos y rápidos e incluso con coros al final de la canción. Una canción ideal para bailarla de noche, en un claro de un bosque nevado y a la luz de la Luna llena.

8. The Riddler. (El acertijo). Una canción que es más bien épico-gótica. Tarja se vuelve a lucir con sus registros vocálicos tan buenos. Las guitarras tienen más protagonismo y lo mejor de la canción: un estribillo bastante épico. Todo ello aderezado con un ritmo muy dinámico. ¿Quienes somos? ¿De dónde venimos y a dónde vamos? ¿Por qué estamos aquí? La propia existencia es el gran acertijo el cual sólo lo saben las profundas aguas del océano del Caos. Éste es otro de los mejores temas del disco.

9. The Paraoh Sails To Orion. Otro de los temas ominosos y posiblemente el más impresionante del disco. Una vez más se vuelve a escuchar una voz masculina que le da un toque muy ominoso y siniestro al disco. Los instrumentos también suenan igual de ominosos (atención al piano que suena en la canción) al menos la primera mitad de la canción, incluso la voz de Tarja suena como si estuviera anunciando el Apocalipsis. La canción tiene un ritmo bastante rápido y enérgico. a mitad de canción hay un cambio de ritmo que vuelve el tema bastante más imponente y espectacular. El Faraón viaja (navega) a Orión, la “patria de los dioses egipcios”. Recientemente se ha descubierto en las Pirámides una Barca Sagrada, como si el Faraón hubiese pretendido realizar un viaje estelar. Orión, el lugar hacia donde están orientadas las Pirámides de Giza, uno de los lugares mágicos para el Antiguo Egupto, el otro es Sirio. Y allí espera evitando mirar al rostro del  dios Horus/Osiris/Seth (o Nyarlathotep, como lo llamaba Lovecraft). Monumental tema.

10. Walking In The Air. Se trata de una excelente versión del tema de Howard Blake que lleva el mismo nombre y que compuso para el filme “The Snowman”. La versión original está compuesta para niños pero esta versión posee una variedad instrumental mayor. Ya digo, majestuosa versión de un bonito tema, con guitarra melódica y cambio de ritmo incluídos.

11. The Sleeping Sun. El tema que cierra el disco. Otro tema muy melancólico y triste. La voz de Tarja es lo más destacable en esta canción, acompañada de sintetizadores también muy tristes y melancólicos. Los demás instrumentos suenan de forma tranquila. en el estribillo de la canción la voz de Tarja cambia de registro siendo más imponente y haciendo que a uno se le ericen los pelos. Cuando el sol se esconde la noche queda reflejada en el océano tranquilo y oscuro, donde también queda reflejada la melancolía, la tristeza y la pena.

12. Nightquest. El Bonus Track del disco. Una canción bastante heavymetalera. donde las guitarras eléctricas (aparece un pequeño solo de guitarra) tienen bastante protagonismo pero donde también el piano juega un papel muy importante, y menudas notas de piano. Un tema muy dinámico y vivo. La voz de Tarja también adquiere un tono muy vivo y dinámico. La temática es un tanto fantástica, la búsqueda nocturna de personajes fantásticos y de lugares de ensueño. Quizás es lo que trae o lo que inspira una noche mágica en “la Tierra de los Sueños”.

Los otros  temas son canciones en directo de tres de los temas de este disco (Sleeping Sun, Swanheart y The Paraoh Sails To Orion). El mejor disco de Nightwish se merecía una reseña (aunque tampoco está nada mal el disco Wishmaster) y por ello he hecho esta reseña. Hay discos que por mucho que pasen los años nunca envejecen ni pierden cualidades, al contrario, ganan en calidad y se convierten en clásicos, y este disco es un claro ejemplo.

Una foto de la banda en la época de la primera edición del disco (1998)…¡Sí, Jukka no tiene el pañuelo en la cabeza!:

Myriads fue formado en el año 1997 por Alexander Skottene (voz y guitarra), su hermana Mona Skottene (voz, piano/organo/teclados), Jan Petter Skretting (guitarra) y Rudi Jünger (batería y percusiones).

La música de Myriads es un poco complicado de categorizar, el grupo describe su música como una fusión de metal y sonidos clásicos con algunos elementos de folclore e industrial. La letra de las canciones es escrita por Alexande y Mona, están basadas en psicología, filosofía, sueños y la realidad con elementos dramáticos.

Si primer demo se tituló In Spheres Without Time, salió al público en 1998 y tuvo una muy buena recepción, consiguiéndoles un contrato con la disquera Napalm Records, que se estaba haciendo de muy buena fama por la excelente calidad de los artistas bajo su repertorio, regrabando las canciones del demo y cambiando la portada del disco y saliendo a la venta global en 1999.

Cinco canciones (pero de larga duración) componen este disco de 45 minutos en total:

1. Fragments of the Hereafter
2. The Day of Wrath
3. Spheres Without Time
4. Seductive Hate
5. Dreams of Reality

Seductive Hate:

En 2001 graban su segundo y último disco a la fecha, titulado “Introspection”, pero salió a la venta hasta 2002, este disco está más inspirado en la psicología que su primer disco, la música de este disco también está más elaborada, con más técnica, algunas canciones son más rápidas y pesadas que en su primer producción, quitándole mucho del protagonismo que tenía el primer disco y aumentando el uso de la guitarra acústica.

Probablemente en Myriads se dieron cuenta que no es muy práctico hacer canciones de tanta duración, y para este disco decidieron cortarlas… solo un poco, mi canción favorita del disco (Portal to the Mind) dura casi 15 minutos. 9 Pistas componen este disco de 74 minutos:

1. Enigmatic Colours of the Night
2. Miserere Mei
3. Inside
4. The Sanctum of My Soul
5. Portal to the Mind
6. Falling in the Equinox
7. Flickering Thoughts
8. Encapsulated
9. The Ascent

Portal to the Mind:

En 2003 Mikael Stokdal se retira de la banda por motivos de intereses musicales, Mikael ahora toca en Deathfare, una banda de Death Metal.

En 2010 sacan un pequeño demo con 4 canciones de lo que promete ser su tercer álbum, simplemente titulado “demo” ya que aún no tienen el nombre final para este disco, tienen prometiendo el disco desde 2007, así que espero no tarden mucho en terminarlo.

The Sanctum of my Soul:

Myriads fue de las bandas que me iniciaron en metal más pesado (antes era fan de Metallica, Mötley Crüe, Slayer, White Zombie y demás metal comercial), le guardo gran aprecio no solo por este aspecto nostálgico, sino por que a través de los años he confirmado que su música no pasa, la calidad musical de esta banda trasciende el tiempo.

Página web oficial: http://www.myriads.no

BURDENS, del año 2.006, fue su primer disco. Un disco con temas muy melancólicos, muy sobrio. La atmósfera de este disco ya nos adentra en unos paisajes musicales densos, lentos, oscuros, melancólicos (de hecho eso significa “Burdens”: carga pesada, pero no una carga física, sino emocional). En algunos temas se escuchan piezas de piano que acompañan la voz de Carmen (se notan influencias vocalísticas, muy marcadas, de Lisa Gerrard, incluso en su etapa en solitario). Los juegos de voces de Carmen, más tranquilos, más alterados, más agudos e inquietantes también acentúan la personalidad tan sombría de este disco. No todo son guitarras eléctricas pesadas, también hay guitarras acústicas en algunos temas. como se ve el talento de Blasphemer no deja de sorprendernos (guitarrista que considero injustamente subestimado, y que para mí es mucho mejor y más versátil que el malogrado Euronymous). Como se ve la calidad de este disco pasó muy desapercibida, ya que entonces Blasphemer todavía estaba componiendo en Mayhem y tenía otra banda de Black/Trash Metal llamada Aura Noir; sin embargo Ava Inferi no iba a ser un proyecto pasajero como se ha visto después.

THE SILHOUETTE, del año 2.007, ya fue un disco más trabajado y completo que el anterior (y eso que Burdens fue un disco muy bueno, pero muy discreto). Su primer tema “A Dança das Ondas” ya nos muestra una música más melancólica, más profunda y llena de dolor. Ese sonido de las olas mezclado con las guitarras acústicas  y la preciosa voz de Carmen nos introduce en un disco doloroso, pero a la vez bello. Por supuesto, las guitarras eléctricas pesadas muy distintivas de Blasphemer se escuchan en éste y los demás temas. El disco presenta más cambios de ritmos en sus canciones. También hay coros de voces que acompañan a Carmen en algunos temas.

Se puede decir que este disco fue un paso más y un trabajo más elaborado que el anterior. Pero ya digo que no todo son temas melancólicos, también los hay más sombríos, con algo más de velocidad, pero igualmente atmosféricos, con ominosas notas de piano, voces también ominosas (Carmen tiene una voz que puede ser igualmente dulce y fantasmagórica, cosa muy destacable y que no he encontrado en otras cantantes de bandas Doom/Gothic o simplemente góticas (sí que escuché voces similares en Dead Can Dance, voces de Lisa Gerrard). Temas que oscilan entre la melancolía y las atmósferas sombrías, incluso dentro de la misma canción hacen de este disco una danza de sonidos espectrales, de siluetas y sombras. Incluso hay algún tema cantado “a Capela”, es decir, sólo la voz de Carmen, para ponerse la carne de gallina, vamos. También hay más presencia de piano, y de algo más de velocidad en las canciones que en su primer disco. El juego de guitarras eléctricas y acústicas de este disco, así como las partes de bajo y los cambios de ritmo constantes junto con los registros vocálicos de Carmen le dan una variedad mucho mayor que el anterior disco: un paso más, y una manifestación clara de intenciones, y es que no son una banda más y no es un proyecto más de Blasphemer.

BLOOD OF BACCHUS, del año 2.009, ya supuso un salto cualitativo respecto a los discos anteriores. La Sangre de Baco es su título. Baco fue una deidad romana, representaba las fiestas, la lujuria, el vino (la sangre de Baco), de ahí la palabra “bacanal”; aunque en este disco representaba algo más. Blasphemer ya se centra totalmente en esta banda, pues el año anterior a la publicación de este disco abandonó la banda Mayhem; y se fue a vivir a Portugal, con su mujer, Carmen Simoes. Tras un primer tema instrumental y que se oyen ecos lejanos (voces de Carmen) femeninos el disco da paso a un tema muy inquietante llamado “Last Sign Of Summer”; un tema inquietante debido a unos acordes de guitarra muy marcados que dan paso a ritmos más ominosos alternándose la mayor parte de la canción, y creando una sensación y atmósfera de desazón y malestar, como si fuera el preludio de que alguna desgracia fuera a suceder. Incluso las voces de Carmen acentúan esa atmósfera de malestar y desazón. Posiblemente sea uno de los temas más reconocibles del disco.

Como ya he dicho al principio, este disco inicia una etapa en la que la música de la banda se vuelve más Doom, y menos gótica, es decir, abandona progresivamente la melancolía de los primeros discos y se adentra en atmosferas más sombrías y oscuras. Además Blasphemer utiliza más la guitarra acústica que en otras ocasiones. Los cambios de ritmo también son frecuentes así como los cambios de registros vocálicos de Carmen, incluso elevenado la voz a tonos más agudos de lo habitual. En el tema “Black Wings” también canta Carmen “a Capela”, pero esta vez le acompañan coros de voces masculinas. Casi “a Capela”, ya que se escucha un poco la guitarra acústica y lo que parece ser un violín. Un tema muy triste y bello. Ya digo, parecen los Dead Can Dance del Doom/Gothic Metal. Pero no nos engañemos, en los siguientes temas se acentúan los ritmos más sombríos, las guitarras más metaleras, los ambientes más pesados y las guitarras acústicas (algunas de ellas parecen guitarras españolas). Blasphemer no deja de sorprendernos con sus composiciones. Incluso  su último tema, llamado “Memoirs” el instrumento principal es el piano, un piano que manifiesta una inquietante y oscura tranquilidad, muy buen acompañada por la magistral voz de Carmen, por algún violín que se escucha brevemente y por las guitarras de Blasphemer. Otra canción memorable de este disco.

ONYX, del año 2.011, es un disco que continúa con el lado más Doom y siniestro del disco anterior. Diría que incluso es más “Heavy”, algo más duro. Así empieza su primer tema, con más dureza, y con una variedad en ritmos más notable. El título del disco hace referencia una piedra llamada ónice, una piedra muy oscura que tiene propiedades esotéricas de lo más variadas (como amuleto que protege, principalmente, pero también otras propiedades). Incluso en el mítico cuento/novela de H.P Lovecraft “La búsqueda onírica de la desconocida Kadath” se habla de esta piedra, concretamente se comenta que la ciudad de Kadath está hecha de esta piedra, de ónice…y allí el protagonista Randolph Carter (quien está soñando toda la historia) se encuentra con la figura fantasmagórica e inquietante del dios Nyarlathotep (acaso el Logos) y ego de Azathoth, el Caos Primordial (¿no será la figura de la portada una representación de Nyarlathotep?). De hecho en las letras de este disco se hacen varias alusiones a Lovecraft y sus historias.

Su tema “The Living End” es uno de los más destacados; con unas guitarras melódicas y otras rítmicas más pesadas así como sus cambios de ritmo y sus voces (Carmen canta, pero también Blasphemer) así lo atestiguan. Un tema muy bueno, tremendo (y eso que los demás también son muy buenos). Es un tema melancólico y siniestro a la vez. El resto de los temas van en una línea similar: temas más pesados, más oscuros pero a la vez melódicos. Digamos que es un disco  más “vivo” que los anteriores, más intenso. La canción “The Heathen Island” tal vez sea otra de las más destacadas por sus melodías tan melancólicas, y tan desgarradoras. No todo el disco suena igual, hay variedad, variedad muy intensa. Y su último tema “Venice In Fog” termina el disco de la manera más triste posible; una canción muy bella y triste. Con unas guitarras melódicas muy dolorosas. La voz de Carmen también muestra mucha tristeza, pero aun así se trata de una voz muy bella.

En definitva, Ava Inferi es una banda de Doom/Gothic Metal que vale la pena escuchar, muy buena. Nos muestra a un polivalente y polifacético Blasphemer y a una preciosa voz (Carmen Simoes). Una banda para aquellos verdaderos amantes de este género (y cuando digo verdaderos amantes no me refiero los fans de Lacuna coil, Evanescence, Within Temptation y bandas similares). Aquí os dejo unas imágenes de la banda.

Carmen Simoes en primer plano, y al fondo Blasphemer y sus dos compañeros.

Otra imagen de Carmen Simoes.

Y dos imágenes promocionales de su disco Onyx. En la imagen inferior Blasphemer aparece en primer plano, con un bastón, y detrás de él vemos a Carmen.

A estas alturas no necesita presentaciones este disco de los ingleses Paradise Lost. La imagen es la reedición de su famoso disco Draconian Times (de 1995), llamada “Legacy Edition”. Una edición de lujo, que cuenta con un CD con el disco remasterizado y algunas demos y un DVD con varios videos de la banda. También hay un libreto con imágenes relativas al disco (muchas de ellas no aparecieron en la edición de 1995). Hace 16 años de su primera edición, y tengo que reconocer que fue el primer disco de Paradise Lost que escuché. Posiblemente (casi con toda seguridad) es el disco más popular de la banda y, para la gran mayoría, su mejor disco. Es un disco de Gothic Metal propiamente dicho. El título y los temas hacen referencia a una época de tiempos draconianos, una época oscurantista. Dracón fue un legislador griego muy severo, así que el adjetivo draconiano se refiere a una época o sistema político o social peor que una dictadura. Parece casualidad pero con la crisis que estamos padeciendo en todo el mundo la reedición de este disco ha sido muy acertada…quizás no sea casualidad que lo reediten precisamente ahora; tampoco descartaría que después de esta reedición y gira que están haciendo la banda anuncie su disolución, y por ello han elegido reeditar el disco más querido por sus fans (y tal vez por ellos mismos). En cualquier caso recordemos una vez más estos doce “temas draconianos”.

1. Enchantment. Tras una breve y melancólica intro de piano entran las guitarras bajo y batería de forma pesada y rítmica. La voz de Holmes va acompañada de coros femeninos. Entre registros muy tranquilos y gritos agresivos pero a la vez melódicos escuchamos la voz de Holmes. Un tema muy rítmico y con melodías muy melancólicas. El trabajo de las guitarras es muy bueno (tanto las rítmicas como las melódicas). Es un gran tema para abrir el disco, uno de los mejores. Lo más llamativo, como he dicho al principio, son los coros femeninos que acompañan la voz de Holmes en algunos momentos de la canción.

2. Hallowed Land. Un inicio con guitarras melódicas que suenan como ecos distantes nos adentran en esta inquietante canción. Un tema algo más rápido que el anterior, más dinámico, y con un ritmo más marcado. La guitarras resuenan más y la voz de Holmes es más enérgica (esta vez sin coros). En un momento de la canción se escucha un piano y se relaja la voz de Holmes, para dar paso a otro ritmo más triste y otra vez al ritmo inicial. Y así hasta finalizar el tema, con un solo de guitarra cerca del final. Otro de los mejores temas del disco.

3. The Last Time. Esta canción además tiene un videoclip (que stá en el DVD). Se trata de un tema con un ritmo muy marcado por guitarras muy pesadas, y un estribillo muy característico. Un tema de estos que diríamos que es “para dar cabezazos” en los conciertos. También es un tema bastante enérgico, menos lánguido que su primera canción, y más lleno de energía. La alternancia de las pesadas guitarras rítmicas y las guitarras melódicas resulta muy interesante. Ya digo, un tema más propio del Heavy/Doom que del Gothic Metal. También se escucha cerca del final un solo de guitarra.

4. Forever Failure. Y volvemos a ritmos más lentos y melancólicos. Éste es otro tema del que también editaron un video (un tanto extraño). Tras unas voces de radio se inicia la canción. De ritmos muy lentos, muy melancólica. Holmes parece que esté dolido, de luto, alternando alaridos de angustia y voces más tranquilas. En cuanto a las guitarras predominan más las guitarras melódicas que las rítmicas. Digamos que la canción es similar en cuanto a melodías al primer tema: un océano de melancolía. Y también aquí casi al final de la canción se escuchan unos acordes melódicos (y de fondo esa extraña voz de radio que se escucha al principo del tema)  y un pequeño solo de guitarra muy triste pero a la vez muy bueno.

5. Once Solemn. La canción más rápida y enérgica del disco, la más Heavy. Desde el primer acorde va rápida y veloz. Con guitarras rítmicas pesadas y rasgantes, y también con guitarras melódicas muy buenas. Para que luego digan que Paradise Lost sólo hace canciones Doom/Gothic. Poco más puedo decir de este gran tema, otro de los mejores del disco donde también hay unos breves acordes melódicos de guitarra al final del mismo.

6. Shadowkings. Otra vez vuelven a predominar las guitarras melódicas y los ambientes épicos y melancólicos. Sin embargo las melodías no son lentas, sino más bien pesadas, ya que las guitarras rítmicas le dan esa pesadez. En casi toda la canción se puede apreciar esa alternancia de guitarras melódicas y rítmicas, incluso unos cambios de registro vocálico de Holmes entre gritos y una voz un tanto extraña pero calmada. Hacia la mitad de la canción los ritmos se ralentizan un poco para volver otra vez al ritmo inicial y así finalizar.

7. Elusive Cure. Unos acordes muy característicos de guitarra muy melódica, casi acústica son los que inician esta canción oscilante y a caballo entre el Doom y el Gothic Metal. Esa guitarra acústica aparece en varias partes del tema introduciendo ritmos más melancólicos y pesados y registros vocálicos alternantes en la voz de Holmes. Un tema muy elaborado y muy inquietante. Y como la mayoría de los temas finaliza con un breve solo de guitarra.

8. Yearn for Change. Otro tema que se inicia de forma similar al anterior: con una guitarra semiacústica y muy melódica. Pero sólo coincide en eso, ya que después el ritmo es más rápido que el del tema anterior. Pese a tener un ritmo más enérgico es, a su vez, melancólico. Varios solos de guitarra y partes melódicas breves se alternan en diversos momentos de la canción. Se trata, pues, de un tema un tanto más elaborado que el anterior. Otro de los mejores temas del disco.

9. Shades of God. Pese a que hay un disco de Paradise Lost con este nombre no tiene nada que ver con tal disco. Las guitarras melódicas incian este tema también melancólico y triste. Un tema que , a su manera, mantiene unos ritmos melancólicos, lentos y densos, como su primer tema. Sin embargo la voz de Holmes no es triste, y está acompañada de coros, pero esta vez masculinos.

10. Hands of Reason. La batería y el bajo son los que inician este tema, con unos ritmos un tanto tribales, a los que se le añaden las guitarras rítmicas con unos ritmos bastante pesados, y tras las voces de Holmes irrumpen las guitarras melódicas. Y así, alternándose las guitarras melódicas, las guitarras rítmicas y con variaciones en los registros vocálicos de Holmes según suenan unas guitarras u otras transcurre este tema. Un tema un tanto más elaborado que el anterior, con un breve solo de guitarra cerca del final.

11. I See Your Face. Otro tema que se incia con una guitarra semiacústica y al que le siguen las guitarras melódicas. Otro tema de Gothic Metal. El peso de las guitarras melódicas es mayor que el de las rítmicas. Un tema cuyas melodías dan la sensación de “resignación” y pena.

12. Jaded. Tal vez el tema más lento, más triste y más melancólico del disco. También es el tema que cierra el disco. Muy melancólico, muy melódico y muy doloroso (como la mayoría del disco). Se puede decir en en esta canción podemos ver lo que significa que Paradise Lost es una banda de Doom/Gothic Metal. Como dice el título están “hastiados” del mundo.

El disco tiene varias demos de sus anteriores temas y una demo inédita llamada Last Desire. Y como he dicho hay un DVD donde se pueden ver varios videos de canciones de este disco. Se trata de una buena manera de recordar el que ha sido su disco más representativo, y para muchos su mejor disco. Las letras de este disco hablan de desesperación de angustia, del dolor el tormento que es la vida…un sueño para muchos, una pesadilla para otros, y la redención que llega a ser la muerte. (Casi parecen extraídas de textos del filósofo Arthur Schopenhauer, como su obra “El Mundo como voluntad y representación”; él (Schopenhauer) también vivió una época draconiana: el final del Sistema Mercantilista y el nacimiento del Capitalismo Industrial (el actual, que ya está empezando a agonizar) con la Revolución Francesa y las Guerras Napoleónicas…y parece que nos va a tocar vivir algo similar  o peor, en nuestra época…que también acabará siendo draconiana).

Para finalizar os dejo unas imágenes de la banda, algunas son recientes, y otras de la época en la que salió a la luz el disco (1995):

Esta imagen (extraída de un póster de la banda) es de 1994 aproximadamente. Entre los discos Icon (1993) y Draconian Times (1994). Por aquel entonces su apariencia era más heavy.

…y esta imagen es más reciente. Se trata de una imagen promocional de su disco Faith Divides Us – Death Unites Us (2009). El único miembro que ha cambiado es el batería, actualmente es Adrian Erlandsson. Y la mayoría de ellos (ya entrados en años) ya no tienen tanta apariencia “heavy”. Como siempre, aparece en primer plano Gregor MacKintosh, guitarra melódica, compositor y líder de la banda (el “frontman” es Nick Holmes, el cantante, que está a la derecha de Greg, con el sombrero en su mano).

…y aunque en esta imagen tienen una apariencia más “heavy metalera” la verdad es que los años ya no pasan en balde ¿verdad?

No creo que a estas alturas estos alemanes necesiten presentaciones. Quiero aclarar que no han publicado ningún disco nuevo recientemente, sencillamente voy a hacer una reseña retrospectiva de una banda de la que fui fan hasta su disco Mutter (2001) y que, inexplicablemente, a partir de ese disco decidieron echar por tierra su talento musical (desde luego no se les puede negar que los videos de sus canciones están trabajados, pero no su música en sus tres últimos discos). La foto de cabecera es una foto promocional del que para muchos es su mejor disco: Sehnsucht (1997, que significa Nostalgia). Pese a que ellos recalcan mucho en decir que todos los miembros son importantes posiblemente el principal compositor sea Richard Z. Kruspe (guitarrista principal). Tampoco me voy a entretener a decir quien es quien, imagino que ya lo sabeis a estas alturas (y si no mirad la Wikipedia).

Esta es la portada de su primer L.P llamado Herzeleid (Pena del corazón) de 1995. En la portada la verdad es que parecen unos verdaderos maricones aceitosos, pero bueno, la provocación siempre ha sido una de sus principales características. En este disco hacían un tipo de metal industrial muy “freaky” deudor de bandas como Ministry. En el filme “Carretera perdida” (Lost Highway) de David Lynch aparecen al menos dos de sus temas: “Rammstein” y “Heirate Mich” (curiosamente el video de su famoso tema “Du Hast”, de su siguiente disco, es un guiño a esta película). Ya digo, un disco muy bueno y extraño, con temas muy buenos como “Weises Fleisch”, “Asche zu Asche”,”Heirate Mich”, “Du riechst so gut” o “la propia “Rammstein” por mencionar algunas. Y ya en sus directos se veía a unos Rammstein muy lllamativos y que les gustaban los espectáculos pirotécnicos o la estética un tanto futurista. Un disco recomendable.

Sehnsucht (Nostalgia) de 1997 fue su segundo disco. Con unas canciones más machaconas y pesadas este disco consiguió colocar a Rammstein en una posición respetable a nivel internacional dentro del panorama del metal, y del Metal Industrial en concreto. Este disco sí que recordaba y mucho a los discos de bandas tan legendarias del género (Metal Industrial) como Ministry o Fear Factory. Antes de seguir quisiera recalcar que esta banda ha cantado en su lengua materna, el alemán, en todos sus discos. Tiene muchos temas destacados pero señalaré algunos como: “Du hast”, “Engel”, “Tier”, “Buck Dicht” (del que hacen una actuación en directo un tanto especial), “Bestrafe Mich”. También imagino que sabreis que la voz femenina que aparece en su tema Engel es la hija de Richard .Z.Kruspe llamada Khira Li. En definitiva un disco aun mejor que el anterior, o al menos el disco que los catapultó a la fama, y uno de los mejores discos del Metal Industrial.

A esto me refería cuando hablaba de la interpretación en directo de su tema “Buck Dicht” (arrodíllate). Fotos muy homosexuales en su primer disco y estas mariconadas sadistas en canciones de su segundo disco (no se, a lo mejor le dan a todo, quien sabe).

Mutter (Madre) de 2001 supuso un cambio importante en la banda. El disco (que es, por cierto el que más me gusta de su discografía) ya mezclaba sonidos industriales con sonidos góticos y melancólicos. Las canciones no eran tan machaconas (aunque hubiera canciones muy agresivas como “Feuer Frei”) y estaban más elaboradas. Por decirlo de alguna manera fue el disco con el que tocaron techo, incluso en ventas. También tenía su edición especial un póster en el que aparecían ellos semidesnudos como si fueran bebés, vamos, algo así:

…sí, otra vez una imagen parecida al primer disco, pero algo diferente (el color del fondo y que la mayoría están con los ojos cerrados).

Ese mismo año pude ir a verlos en directo en un concierto que hicieron en La Vall d´Hebron (Barcelona). Para ello tuve que desplazarme en autobús desde Valencia. La verdad es que no defraudaron, y tuvieron como teloneros a los también conocidos Clawfinger (por cierto, mucha gente fue exclusivamente a ver a los suecos Clawfinger, y luego se fueron sin querer ver a Rammstein). De sus temas que son muy buenos destacaría algunos como: “Links 2-3-4″, “Mutter”, “Sonne”, “Ich Will”, “Feuer Frei”, “Adiós”…aunque todos son muy buenos temas. También son muy curiosos el videoclips de los temas “Ich Will” y  “Sonne”.

Una imagen de su videoclip “Sonne”.

Esta imagen del videoclip “Sonne” me sirve a la perfección para ilustrar lo que le sucedió a Rammstein a partir de este disco: cavaron su tumba musical (aunque aparezca la “Blancanieves cocainómana” del video). Parece como si Richard y Till estuvieran llorando porque se les acabaron las ideas a partir de ese disco. En cualquier caso Mutter fue la cumbre y, para mí, el final de una gran banda…

Reise, Reise de 2004 supuso un gran cambio A PEOR en Rammstein. Y parecía que no iba a ser así, ya que tras ver su videoclip “Mein Teil” todo apuntaba a que sería un disco similar al anterior. Pero nada más lejos de la realidad. Y pese a que publicó otro single bastante curioso llamado “Amerika” donde se hacía una crítica atroz a EE.UU  los temas poseían un contenido musical  muy pobre y descafeinado. Tal vez se escapen temas como “Keine Lust” el mismo “Reise, Reise”, pero insisto en que son temas bastante flojos. No voy a perder tiempo en describir este disco, no vale la pena; ahorraré palabras (y de paso evitaré arcadas a mi pobre estómago), pero aquí os dejo una imagen de su videoclip “Amerika”:

Imitando lo que parecía ser el primer viaje a la Luna: un montaje falso, un “Fake”.

Así, como la imagen de su disco Rosenrot de 2005, debieron estar los Rammstein en 2005: encallados y sin ideas. El disco cumple con la Ley de Murphy: es todavía peor, más soso y pobre que el anterior. Pero claro, esto tiene su explicación cuando uno descubre que los temas que componen este disco fueron compuestos durante las sesiones de grabación del disco anterior. Ellos mismos dijeron que plantearon editar un disco doble en 2004 (hubiera sido mejor) pero prefirieron editarlos por separado (prefirieron ganar más “pasta” con estas dos mierdas…por que eso es lo que son, sinceramente). Lo único que puedo destacar de Rosenrot son sus videoclips, muy trabajados eso sí, pero su música es muy floja, absolutamente prescindible, muy alejada de los mejores Rammstein. Podría decir que temas como “Benzin” salvan algo del disco, pero está muy lejos de ser como “Feuer Frei” o “Tier”. Podría seguir criticándolos sin piedad pero prefiero tirar la toalla, no merece la pena, ganamos todos en salud si obviamos estos discos.

Os habeis amariconado mucho, nenes ¿Qué os ha pasado?

Liebe Ist Für Alle Da (“El amor está ahí para todos”) de 2009 es lo más reciente de la banda (ya con el título y con la imágen un poco misógina de la portada uno piensa que se han amanerado del todo). Desde luego el disco recupera terreno perdido respecto a los dos anteriores. Sus primeros temas son bastante aceptables, (“Rammlied”,”Ich tu dir Weh”, “Waidmanns Heil”, “B*********”) sin embargo cuando llegamos al tema homónimo del disco y a partir de ahí hasta el final nos encontramos con la dura realidad: se desinfla poco a poco el disco, vuelve a ser flojo, como los dos discos anteriores, sólo el tema “Mehr” muestra algo de intensidad de la que antaño tuvo esta banda. Este disco demuestra que aunque es algo mejor que los anteriores es lo que llamamos un “quiero y no puedo”.

Como ya he dicho, para mí, Rammstein finalizaron tras su disco Mutter; lo que han hecho después es absolutamente prescindible, por mucho que sus fans más ciegos no quieran reconocerlo. Y si los desencantados quieren seguir escuchando Metal Industrial bueno pueden escuchar sus tres primeros discos o bien escuchar grandes joyas como : Ministry, Fear Factory, Clawfinger, N.I.N (hasta su disco Fragile, porque a Trent Reznor parece que también se le acabó un buen día la inspiración) o Strapping Young Lad en algunos discos con sonido industrial…me dejo algunos más pero NO DEBEIS confundirlos con la basura que se hace llamar “Nu Metal” (Linkin Park, Slipknot, System Of a Down) o las bandas neogóticas que siguen el rastro al “Nu Metal” (No Metal, diría yo) como Lacuna Coil (si no recuerdo mal Cristina Scabbia está casada con James Root, guitarrista de los Slipknot) o los penosos Evanescence (¿existen todavía estos últimos? no lo se, ni me importa).

¿Qué buscarán en el horizonte? su inspiración perdida tras su disco “Mutter”…y mientras Richard toca un Réquiem por la muerte musical de Rammstein.

Esta banda, originaria de Puerto Vallarta Jalisco, fue formada a finales del 2006 por Kedart (voz) y Norbak (teclados), comenzaron a escribir canciones con la finalidad de no encasillarse en un solo género, buscando complejidad en la letra de las canciones hablando de miedos, seducción, metáforas góticas llenas de libertad. Tiempo después se unen al proyecto Scarcrow (bajo), Geegee Bleeth (batería) y Zephar (guitarra).

En el año 2007 comienzan la grabación de su primer demo en los estudios Pierleblack en Tepic Nayarit, ayudados de la producción de Daniel Pier quien fue el encargado de la remasterización profesional y la dirección orquestal de este, pero no fue sino hasta el año 2009 cuando por fin fue liberada esta primer producción.

Gracias al apoyo que reciben de parte de Eyescream Productions la banda ha abierto conciertos para importantes bandas en conciertos en la república, tales como el concierto de The 69 Eyes este año.

El estilo de la banda se puede ubicar entre el Black metal sinfónico con un poco de gótico, con un protagónico uso de los sintetizadores en todas sus canciones, su primer disco consta de 9 canciones sumando un total de 35 minutos.

1. Intro
2. Profecía
3. Liturgia
4. Le Petite Morte
5. Emarebil
6. Siniestra
7. Demencia
8. Sentencia
9. Entrega (Bonus Track)

Emarebil:

Mi descubrimiento de esta banda es reciente, embrujado por la calidad de su música me sorprendí al saber que eran mis paisanos (de hecho somos del mismo estado: Jalisco). Son contados los casos de bandas mexicanas que sobresalen o me gustan (Hocico, Brujería, Transmetal) y Emarebil Nocturna me ha parecido que puede llegar a estar muy por encima de estas bandas si mantiene la calidad demostrada hasta este momento.

Así que Forever Is The World y el reciente E.P Addenda (Añadido) son sus últimos trabajos de estudio. De hecho Forever Is The World suena a “epílogo” de la banda ya que contiene elementos de toda su discografía anterior, incluso su portada es una protada que posee elementos de las portadas de todos sus L.Ps anteriores. Vamos a ver por última vez todos sus L.Ps y los músicos que participaron en tales discos.

THEATRE OF TRAGEDY (1995): Su primer trabajo (L.P) . Un disco que llamó la atención por el tremendo contraste de voces. La voz de Raymond era del estilo Death Metal, con gruñidos graves y la voz de Liv era de Soprano, muy dulce. Además las letras estaban en inglés antiguo. La música era más bien Doom/Gothic Metal, con pasajes lentos, guitarras muy agudas y un bajo que se distinguía bastante bien. La temática hablaba sobre el paso de la vida, la muerte, la apatía, la desesperación. “Carpe Diem, Memento Mori”  (Aprovecha el momento, recuerda que vas a morir) podría ser su lema…y que esta vida es un Teatro, hasta la última de sus Tragedias (así acaba la letra de la última canción). Ya digo, un disco muy sombrío, melancólico, Doom metalero, y lleno de contrastes. Evidentemente el tema más destacado es  “…A distance there is”, por sus pasajes de piano, la voz de Liv, los violines y la tormenta que se escucha de fondo; sin embargo yo también destacaría “Sweet Art Thou” por su carácter tan épico (y el tremendo cambio de ritmo que hay a mitad de canción). Y ésta era la formación de entonces:

Eran los comienzos de la banda.

VELVET DARKNESS THEY FEAR (1996):

Este trabajo fue considerado (y todavía hoy) uno de los mejores de la banda. Siguen los contrastes de voz del disco anterior, siguen las letras en inglés antiguo, y siguen con la temática del disco anterior, aunque con algún cambio: esta vez se centran más sobre la pérdida de la belleza a causa del paso del tiempo “Beatus Ille”. En este disco hay una mayor presencia de los sintetizadores y las guitarras son más melódicas; digamos que es un disco más agradable de escuchar que el anterior (no son tan agudas las guitarras como en su primer disco). Las canciones son más lentas, con más partes diferenciadas introducidas por cambios de ritmo y con un aire más “Barroco”.  Incluso hay algún tema en el que Raymond usa su registro de voz normal en algún pasaje. Fue el disco que los dio a conocer a nivel mundial; como consecuencia empezaron a imitar el estilo de este disco legiones de grupos “góticos” que empezaron a proliferar (de los que no creo que haga falta que diga su nombre ¿verdad?). El estilo seguía siendo Doom/Gothic Metal. De los E.Ps que lo acompañaron destacaría “A Rose For de Dead”. Y de sus temas destacaría ” Black As The Devil Painteth” o “The Masquerader And Phoenix” (gran final el de esta canción, que es la última de este disco).

Ésta es una foto promocional de la banda del disco “Velvet Darkness They Fear”.

AEGIS (1998):

Considerado por muchos fans como el mejor disco de Theatre Of Tragedy ya supuso un cambio en la la música (y en la formación de la banda). Aegis es un homenaje a la figura de la mujer, de hecho todos sus temas hablan de mujeres y su relación con tragedias que protagonizan o cuentan (“Lorelei, a poet of tragedies”). Aunque las letras siguen en inglés antiguo ya hay cambios notables: las guitarras son mucho más densas, y la voz de gruñido estilo Death Metal de Raymond sólo se escucha en un par de temas (Venus y Bacchante). En algunas versiones del disco aparecen los bonus Samantha y Virago (este tema también aparece en un E.P llamado “Inperspective”). También aparecen elementos electrónicos en sus temas que marcan la dirección hacia donde evolucionaría la banda. De sus temas, que son bastante buenos, destacaría “Siren” o “Lorelei” (aunque “Cassandra”,”Venus” o “Popaea” son muy buenos también).

Éstas son dos fotos promocionales de la banda durante la etapa del disco Aegis.

MUSIQUE (2000):

Este disco supuso un gran cambio radical en la banda. Las canciones son muy directas, utilizan inglés normal y las letras hablan de un futuro donde reinan las nuevas tecnologías (las llamadas TICs), donde todo está automatizado y el ser humano es un autómata. Incluso la presencia de la banda es de corte futurista. Raymond utiliza un registro sintético de voz, abandona los gruñidos. Incluso el estilo cambia: abandonan el Doom/Gothic para hacer un Electro Metal Gótico.  Hay mucha presencia de elementos electrónicos. De todas formas los elementos electrónicos no suponían tanta novedad como la que en un principio se creía, ya que en su E.P “A Rose For The Dead” de 1997  hay unas versiones muy electrónicas de algunos temas del disco “Velvet Darkness They Fear”, lo cual indica que ya en sus primeros trabajos tenían clara la evolución musical de la banda en discos posteriores. En cuanto a la formación también hay cambios, sólo hay 5 miembros (los tres principales, Raymond, Hein y Lorentz; Liv y Frank Clausen). A muchos fans no les gustó demasiado el cambio (el disco es muy bueno, pero no es Doom/Gothic) y dejaron de ser fans, sin embargo no hay duda de que la banda no seguía modas e hizo en ese momento lo que querían ellos. De sus temas destacaría “Fragment” o “Machine”.

Ésta es una foto promocional de la banda durante la etapa del disco Musique.

ASSEMBLY (2002):

Este disco supuso una continuación y depuración de los sonidos electrónicos y la temática iniciada por el disco anterior. Las canciones no son tan directas, de hecho algunas son lentas (no tan lentas como en los dos primeros discos). La voz de Raymond seguía siendo electrónica e incluso la de Liv en una canción también. Es un poco más electrónico que el anterior, pero también es muy buen disco. Uno de los detalles que más llama la atención en relación a este disco es que en su web algunos miembros de la banda (Raymond, sobre todo, pero también Hein y Lorentz, los tres miembros fundadores de la banda) comentan que entre sus grupos de referencia están los alemanes Kraftwerk o Neubauten (grupos de referencia de la música electrónica e industrial) aparte de Joy Division (de su tema “Decades” realizaron una versión que aparece en el E.P  “A Rose For The Dead”) o Bauhaus. En esta etapa vuelven a ser 6 miembros ya que contratan un nuevo guitarrista (Vegard Thorsen) que estaría hasta el final de la banda. Destacaría los temas “Universal Race” o “Episode”; aunque hay otros temas que también son igual de buenos.

Ésta es la formación en 2002, en la etapa del disco Assembly.

Y tras esta época se vuelven a producir cambios tanto en la música como en la formación. La banda decide prescindir de Liv Kristine ya que cada vez había más problemas durante las grabaciones de los discos (Liv grababa su voz en el estudio de su pareja Alexander Krull, líder de Atrocity, en Alemania, y eso le suponía problemas a la banda) y Liv no componía música, sólo cantaba. En definitiva, se cansaron de ella (otra cosa similar le ocurrió a Tarja Turunen de Nightwish). En sucesivas entrevistas Hein Frode Hansen (batería y miembro fundador de la banda) comentó al respecto (cuando le preguntaban por la expulsión de Liv) que lo importante era y es la banda no un solo miembro de la misma (opinión que comparto totalmente). Deciden contratar a Nell Sigland de la banda noruega The Crest.

STORM (2006):

Con la formación renovada publican Storm en 2006; un disco que resultó un sintomático regreso a sus orígenes, aunque no exactamente. Todavía conserva elementos electrónicos y las canciones son bastante directas como en el disco Musique. La voz de Raymond  es sintética en algunos temas (en varias canciones) y en otros temas (la mayoría) utiliza su registro normal (como en el disco Aegis). La voz de Nell es muy similar a la de Liv, incluso diría que es más dulce. Nell sí que sabe componer música (es profesora de música) y en este disco así como en el siguiente disco colabora bastante en la composición musical. Utilizan un inglés normal en sus canciones y la temática habla sobre las consecuencias de un posible cambio climático y el derrumbe de nuestra civilización. Hay temas que recuerdan a algunos de sus primeros discos como es su tema “Fade”. Se puede decir que el sonido del disco oscila entre el sonido del disco Aegis y el sonido del disco Musique. Destacaría temas como “Ashes and Dreams” o “Disintegration”, aunque, en general, todos sus temas son muy buenos.

Ésta es la formación de la banda en la etapa de su disco Storm, en 2006.

FOREVER IS THE WORLD (2009):

La portada de este disco representa elementos de todas las portadas de sus anteriores discos (las rosas, el terciopelo, el fuego, la mascarilla, las hélices y el símbolo del disco Storm), y la música también. Todos sus temas nos recuerdan a sus anteriores discos (no todos a la vez). De recordarnos a algún disco recuerda sobre todo al disco Aegis, al disco Velvet Darkness They Fear y al disco Storm; pero además en algunos de sus temas se escuchan violines, instrumentos que desde su primer disco no habían vuelto a utilizar. Los temas son en su mayoría lentos, muy elegantes, con cambios de ritmo y muy bien producidos. Raymond utiliza en algunos temas su registro normal de voz y en otros su gruñido estilo Death Metal que utilizó en sus dos primeros discos. La temática es un réquiem por todo en general, por la humanidad que algún día desaparecerá; también se habla del “Carpe Diem”, por la necesidad de realizar sueños, ilusiones, y sobre todo se recalca que el mundo es para siempre; en definitiva se habla de que aprovechemos el momento porque el tiempo pasa, nos marchitamos, y el mañana podría dejar de existir (se hace referencia en algunas letras a la voluntad de realizar nuestros sueños y luchar contra nuestros temores).  Todos sus temas son muy buenos pero destacaría temas como: ” Hide and Seek“, “Hollow”, “Frozen” o “Deadland”.

Y ésta es una foto promocional de la banda de su disco Forever Is The World, de 2009.

En marzo de 2010 la banda publicó otra edición de su último disco llamada  Forever Is The World Tour Edition, que contenía el disco con su Bonus Track y un E.P llamado “Addenda”. El E.P tiene remezclas, algunas caras B de su disco Storm, el Bonus Track de la versión de vinilo de su último disco (llamado “The Breaking”) y dos remakes, uno de su tema “Deadland” (hecho por su anterior guitarrista Tommy Olsson) y el otro de su tema “Frozen” (hecho por el responsable de la mesa de producción de Theatre of Tragedy, Ambrosius). Personalmente me grabé en un Cd su último disco y le añadí estos tres últimos temas que menciono en este orden, destacando sobre todo la versión de Frozen, mucho más triste, más hermosa, ideal para finalizar el disco y su discografía. Así pues, ha sido un placer ser fan de Theatre of Tragedy, y les deseo lo mejor en su nueva etapa.

Algunas fotos de sus miembros.

Otra foto de la banda en 1996.

Liv Kristine en la etapa del disco Velvet Darkness They Fear.

Liv y Raymond en 1998 (disco Aegis).

Nell Sigland.

Liv Kristine y Nell Sigland. Las dos cantantes que ha tenido la banda.

Su primer canción: Stoa apareció en el año 1992 en una compilación llamada From Hypnotic … to Hypersonic del sello discográfico Hyperium. Ese mismo año Stoa produce su primer disco: Urthona (una parte de los 4 Zoas que componen a Albion, el gigante hijo de Poseidón, según la mitología del poeta y pintor inglés Willian Blake), un hermoso disco lleno de poéticas melodías melancólicas, oscuras y llenas de misterio. 11 pistas componen este primer LP, tomando inspiración de poetas como William Blake, Kai Uwe Skerra, Alfred Lord Tennyson, Samuel Rogers y Alfred Lord Tennyson.

sToa – Urthona (1992), portada original

Infant Joy:

Dos años después (1994) sToa produce su segundo disco: Porta VIII, disco compuesto por 9 pistas inspirado en la ópera de Paul Dukas: Ariadne et Barbe Bleue (Ariadne y Barbazúl). Aunque este disco es más instrumental que el anterior, mantiene la escencia y estilo que ha caracterizado a esta banda, todos los lyrics de este disco están en latín.

sToa – Porta VIII (1994), portada original

Mors:

Después de una pausa de siete años, sToa vuelve al escenario con una nueva voz: Antje Buchheiser, sustituyendo a Conny que, al igual que esta última, es violinista y ha participado como corista en varias piezas de música clásica, además de otro nuevo integrante: Christiane Fischer, quien toca el Violonchelo y hace la 2da voz en los conciertos.

Con estos dos nuevos integrantes sale a la luz en el año 2001 el disco Zal (nombre de un legendario guerrero persa), un disco más poético que sus anteriores producciones, rico en arreglos de cuerdas, piano y menor uso de sintetizadores; las 11 melodías que componen este disco están inspiradas en poesías de James Joyce, Sam Rosentbal, Keiji Sayama, Paul Verlaine, William Shakespeare, William Blake y Boetbius. Como artista invitado está Barbara Uble en el Oboe.

sToa – Zal (1994)

I held the moon:

Seis años después (2008) se vuelve a saber de sToa con su nuevo disco: Silmand, que viene a significar algo así como Mes del alma, haciendo un fuerte cambio en el estilo musical que había mantenido esta banda, además de que en este disco se hace notar más la presencia de Christiane Fischer por el protagonismo del chelo, la banda incursiona en un estilo más Pop, alegre y folklórico (que personalmente no me gustan) en piezas como Broken Glass, Palldium y A Drinking Song, aunque en la mayoria de las piezas mantienen ese hermoso estilo melancólico y misterioso.

sToa – Silmand (2001)

La banda ha tenido una muy buena recepción en México, de los pocos paises donde la banda ha ofrecido conciertos, su última visita fue a este país fue en octubre del 2009.

Página oficial de Stoa
MySpace de Stoa

“El Abad”. Esta imagen de la colección de grabados de Hans Holbein titulada “Le Danse Macabre” (La Danza de la Muerte) es la imagen que aparece en la portada del disco de los de Halifax. El nuevo trabajo de esta banda (el duodécimo) es un disco que merece mucha atención ya que es un disco , tal y como dijeron,  más duro y pesado que el anterior In Requiem, y  lo más duro y pesado que han hecho jamás. En mi opinión es su mejor trabajo, al menos su disco más complejo, elaborado y trabajado. Lo que más destacaría de esta obra maestra es el enorme y complejo trabajo de guitarras (Gregor Mackintosh y Aaron Aedy utilizan por primera vez guitarras de siete cuerdas). Este disco tiene elementos que bien recuerdan a sus cuatro primeros trabajos (Lost Paradise, Gothic, Shades Of God y Icon) pero es un disco que la definición más correcta sería “HEAVY” en el sentido literal de la palabra, Heavy=pesado. Incluso tiene bastantes elementos Trash Metal e incluso en algún tema hay elementos Death Metal de la vieja escuela (Obituary, Napalm Death…). Así que ya os podeis imaginar que el disco remite a varios tipos de metal (Heavy, Trash, Death…) anteriores a la formación de la propia banda (Paradise Lost nacieron como banda en 1988), es decir a la década de los 80. Voy a (intentar) comentar el disco canción a canción, digo intentar porque son temas de cierta complejidad musical.

1. As Horizons End. Tras unos coros de fondo el tema irrumpe con fuerza con las guitarras, bajo y batería sonando al unísono y de manera pesada.  Tras una pausa de un segundo vuelve el sonido pesado y heavy acompañado de la voz de Holmes, una voz más dura de lo habitual (parecida a la usada en el disco Shades Of God), voz que queda acompañada también por sintetizadores. Un cambio de ritmo hace que la voz de Holmes también cambie de registro. El tema es un tema bastante épico,  se alternan las guitarras melódicas y rítmicas con un ambiente pesado. Casi al final del tema aparece un solo de guitarra que ya nos arrastra hacia el final de la canción a la vez que suenan el resto de los instrumentos. Magistral.

2. I Remain. Pese a que su inicio es más duro que el tema anterior es un tema no va en la misma línea. También es dura la voz de Holmes en su inicio, al igual que la música. Sin embargo el ritmo cambia hacia melodías más melancólicas y registros vocálicos más agudos. El cambio de ritmo hacia una parte más melódica y hacia otra más rítmica y dura es un efecto muy logrado en este tema. Es un tema más bien gótico, pero no de los góticos  que habitualmente conocemos de esta banda. También de cara al final de la canción aparece otro solo de guitarra acompañado de las guitarras rítmicas.

3. First Light. Otro tema complejo y elaboradísimo. Es más melódico que el anterior,  más melancólico. Holmes utiliza varios registros de voz: sintética, dura y su voz normal. Se alternan cambios de ritmos con partes lentas de teclados y partes con líneas de guitarras rítmicas pesadas, así como partes de líneas de guitarras melódicas. Es un tema con bastante variedad, pese a que su velocidad es más bien lenta. Es un tema bastante épico. También hay varios solos de guitarras, uno de ellos tiene riffs que extrañamente parecen melodías árabes.

4. Frailty. Un tema prácticamente Trash Metal, muy enérgico y rápido. Personalmente es mi canción preferida (sin desmerecer el resto del disco, que es de mucha calidad). Aunque su inicio es, aparentemente, tranquilo y con coros y guitarras melódicas, inmediatamente se vuelve rápido. La voz de Holmes es desesperada, como la música. Se intercalan cambios de ritmo alternados con guitarras melódicas y rítmicas para volver a coger velocidad, y así sucesivamente (en algunos momentos la voz de Holmes se vuelve más dura).

5. Faith Dvides Us – Death Unites Us. Y llegamos a una de las dos canciones más tristes y melancólicas del disco. La canción homónima se inicia con una tranquila melodía de guitarra, y la también tranquila voz de Holmes. Sin embargo en el estribillo suenan los demás instrumentos con cierta dureza, pero transmitiendo melancolía, y la voz de Holmes se vuelve más dolorosa y desgarrada. Aquí también aparecen los sintetizadores (de los pocos temas con sintetizadores). La canción tiene un video que podeis ver en Youtube y en Myspace, es un tanto extraño el video, abierto a posibles interpretaciones.

6. The Rise Of Denial. Este es su tema más Trash y más rápido. También se inicia con coros como el primer tema. Y tras los coros irrumpe la música y la voz de Holmes con rapidez y dureza. Aunque Holmes usa aquí varios registros vocálicos el que más predomina es el grave y duro. Casi al final la canción se calma para introducir un solo de guitarra, el cual, a su vez, introduce la entrada, una vez más, rápida y contundente del resto de los instrumentos para acabar finalmente el tema tanto solo de guitarra como guitarras rítmicas, bajo y bateria. Dura, rápida e increíble; así es como suena esta canción.

7. Living With Scars. Posiblemente la canción más difícil de digerir de todo el disco. ¿por qué? pues por sus características. Su inicio recuerda al Death Metal de la vieja escuela (Obituary, Napalm Death…) en lo instrumental, ya que la voz de Holmes no es “deathmetalera”. Los riffs son muy característicos del Death Metal de los 80. Y tras este inicio cambia de ritmo, se vuelve más melódica, y Holmes canta con su registro más agudo, aparecen líneas más melódicas de guitarra. Otro cambio de ritmo más rítmico, con guitarra melódica de fondo,y una voz que parece un eco distante, y otro cambio de ritmo con solo de guitarra para finalmente dar paso una vez más al ritmo “deathmetalero” del inicio y al ritmo más melódico que le sigue, y así finaliza la canción.

8. Last Regret. La otra canción más triste y melancólica del disco (más aún que la canción homónima). Se inicia con un piano de notas melancólicas. De ritmo lento a veces y algo más rápido otras veces. Un tema muy triste y doloroso, y una voz de Holmes muy doliente, la cual en el estribillo se vuelve algo más desgarrada. Unas líneas de guitarra melódica muy interesantes . Atención al solo de guitarra de esta canción, introducido por guitarras rítmicas, poco a poco gana la guitarra melódica ya casi al final de la canción para introducir la parte final donde suenan guitarras melódicas y rítmicas a la vez que el resto de los instrumentos acompasados y la voz de Nick Holmes. Una canción espectacular. Uno de los mejores temas de su discografía. Además es otro de los temas donde suenan los sintetizadores, aunque se escuchan menos.

9. Universal Dream. (¿Se referirá el título al “Sueño del Todo, del Brahman”? puede ser). Otro tema Trash Metal, al principio con ritmos pesados y machacones, para luego cambiar a ritmos más melódicos, y un estribillo genial, el cual da paso otra vez a los ritmos pesados y machacones. La voz de Nick Holmes oscila a veces entre dura y más aguda. Otro solo de guitarra magistral casi al final de la canción nos vuelve a introducir en los ritmos que iniciaron la canción y al estribillo, que es la parte que concluye la canción.

10. In Truth. Esta es la última canción de la edición normal del disco. La estructura de la misma es otra de las cosas más llamativas de este disco. El tema es un tema lleno de desazón, deseperación, pero no es el típico tema con el que Paradise Lost acaba un disco; no es ni muy melancólica, ni dolorosa, ni desgarradora. Es un tema de ritmos más pausados, alternados con un registro de voz más normal; los riffs son más melódicos  y el ritmo no es ni muy rápido ni lento. Los cambios de ritmo están muy marcados, a diferencia de los anteriores temas. Aun así es una canción con cambios de ritmo y una estructura ciertamente elaborada, casi cíclica.

11. Cardinal Zero. El bonus track de la versión digibook. Un tema muy “Heavy”, con elementos “trashmetaleros”. Es un tema que recuerda al Heavy Metal clásico de los 80, duro, pesado. Hasta que a unos dos minutos del final cambia totalmente el ritmo de la canción hacia otro ritmo más melódico,  genial, magistral. El ritmo con el que concluye este tema es muy épico, oscilante entre doom y gótico, ya digo, genial, tremendo, con unas líneas de guitarra melódica muy buenas.

En la versión digibook del disco hay otro cd que contiene otros dos temas más. En realidad son dos interpretaciones que ha hecho la Orquesta Filarmónica de Praga de los temas Faith Divides Us – Death Unites Us y  Last Regret. Suena la orquesta con sus variados instrumentos y la voz de Nick Holmes.

En resumen, nos encontramos ante un trabajo muy maduro de Paradise Lost. Como he dicho, me parece su mejor disco, cosa que a otros fans no puede parecerles así. Sin embargo sí que es su trabajo más pesado, más “heavy”, más duro, más “trash” y más metalero. Es un disco que, tal y como le sucede a sus tres primeros discos (Lost Paradise, Gothic y Shades Of God los cuales os recomiendo que  escucheis, ya que Paradise Lost no empiezan en Icon , sino en Lost Paradise) apenas hay sintetizadores (en este disco menos que en en ninguno) y, por tanto, el sonido es más orgánico, más directo, más duro. No es un disco de escucha fácil si sois de los fans de Paradise Lost que os gustan los discos desde el Draconian Times hasta el Symbol Of Life, ambos inclusive. Sin embargo es el disco más elaborado, más trabajado y complejo.  Una vez más demuestran que son capaces de reinventarse y de no estancarse (como les ha pasado a My Dying Bride, que parecen los AC/DC del doom, en los que todos sus discos parecen casi idénticos). Y a los fans de Paradise Lost, a todos, les preguntaría una cosa ¿sois fans de la banda o de discos concretos? y pregunto esto apelando al nombre de este disco:  La Fe (gustos, estilos) nos divide – la Muerte (la banda, Paradise Lost, y su base musical, que no ha variado tanto) nos une.

Forever Is The World (2009) es un disco que se puede considerar híbrido de todos los anteriores; tiene elementos de todos los discos anteriores y eso, para mí, es muy bueno ya que se ve claramente la evolución de su trayectoria musical (personalmente no me gusta ni me interesa que un grupo publique un disco igual que tal o cual disco, ya que para eso tenemos a AC/DC, cuyos discos son iguales prácticamente o a My Dying Bride que les sucede lo mismo…¿es eso meritorio? la respuesta es no, pero es lo que muchos fans esperan, que no evolucionen). Obviamente no llueve a gusto de todos y también hay fans a los que no les gusta este disco por ser un retorno (pero desde su evolución actual) a los primeros discos. Lo que más destacaría de este disco es la vuelta a los gruñidos “death” de Raymond, una presencia muy notable del piano e incluso de violines en varios temas (sólo en su primer disco aparecen violines y en dos temas: “To These Words I Beheld No Tongue”  y  “A Distance There Is…”

1. Hide And Seek. Tras una introducción iniciada con sintetizador a la que se van sumando las guitarras , el bajo y un piano se inicia este tema muy doom, ominoso. Raymond utiliza su registro vocálico “death” y Nell canta en el estribillo, donde la música se vuelve más viva. Las guitarras son muy doom y recuerdan a la par al disco Velvet Darkess… y al disco Aegis. Lo dicho un tema más doom que gótico y uno de los mejores del disco.

2. A Nine Days Wonder. Este tema se incicia con una guitarra semiacústica (la cual tiene bastante presencia en todo el disco). El tema recuerda tanto al Aegis como al Storm, sigue un ritmo oscilante, melancólico y denso (las guitarras le dan esa densidad); sólo canta Nell esta vez. El trabajo de los sintetizadores y de lo que parecen ser violines oyéndose de fondo en algunos momentos le dan un toque muy elegante a la canción. El tema, además, tiene varios cambios de ritmo y con un final donde se oye claramente el piano y sintetizadores.

3. Revolution. Un tema que se inicia con melodías más bien árabes. Es quizá el tema más atípico del disco (también se oyen de fondo violines en algunos momentos. Los arreglos del disco son muy destacables por cierto). También canta Nell sola, variando sus registros vocálicos en algunos momentos. Es un tema más dinámico que el anterior. Ya digo, un tema muy elegante con los violines y teclados de fondo.

4. Transition. Una canción más triste, lenta y melancólica que las anteriores. La voz de Nell (que también canta sola) es más dulce aquí. Se inicia con el piano como protagonista, y aparece también la guitarra semiacústica (además de la batería y el bajo). Este es uno de los temas donde el piano es el instrumento más destacable. aunque también es un tema donde las guitarras doom le dan una textura densa en algunas partes. La combinación de los instrumentos es muy buena y propicia unos cambios de ritmo muy interesantes. Recuerda un poco al Velvet Darkness They Fear  por los pasajes de piano, pero también tiene elementos del Aegis y del Storm. Sobre todo al final del mismo.

5. Hollow. Y llegamos a otro de los mejores temas del disco (para muchos fans su mejor tema de este disco y uno de los mejores de su discografía). Es el más largo. Se inicia con una guitarra semiacústica, a la que se le suman una percusión muy marcada, un sintetizador melancólico y ambiental , la voz tranquila de Nell y el bajo. Poco a poco va el tema “In Crescendo” añadiéndose las guitarras doom (y también una, vez más, arreglos de violines de fondo, escuchadlo bien). Tras un momento de calma el tema se vuelve más metalero, más doom, más gótico, y Raymond aparece con su voz “death” tras el estribillo cantado por Nell. Y tras la aparición de Raymond  y de nuevo el estribillo la canción cambia de ritmo hasta finalizar con otro tipo de riffs  más doom, los cuales se transforman en riffs góticos acompañados de piano. Un tema muy completo (sin embargo es otro el que más me gusta). Recuerda a la par al Aegis y al Velvet Darkness They Fear, pero con la elegancia actual (que aquéllos no tenían).

6. Astray. Es quizá el guiño a sus discos “Musique” y “Assembly”, aunque Raymond utiliza su registro vocálico normal, no el sintético. La canción es oscilante, rítmica, con la voz de Nell que parece “dolida”, hasta que la eleva en el estribillo. Es un tema muy bueno. No es un tema electrónico aunque sí sigue un ritmo de algunos temas de los discos “electrónicos” (Musique y Assembly)  de la banda.

7. Frozen. Mi tema preferido (uno de los mejores de su discografía), un grandísimo tema doom. Es posible que sea su canción más triste. Se inicia con una guitarra semiacústica a la que se superpone y alterna el piano y las guitarras doom (por momentos parece un tema del Aegis, otros parece del Velvet Darkness They Fear). La voz de Nell suena suave, tranquila, melancólica, y se alterna con los gruñidos “death” de Raymond los cuales suenan en el estribillo acompañados de un sintetizador muy deudor de la época de sus primeros discos y del típico “rasguido” de guitarras del Aegis. Para luego volver a escuchar las guitarras doom y la semiacústica. Al final del tema cantan a coro Nell y Raymond con su voz normal, un gran (y tristísimo) final para el tema que más me gusta y otro de los mejores.

8. Empty. Esta canción es el bonus track de la edición digipack. Tras iniciarse con un piano Nell introduce su voz (canta sola) en un tema que también sique un ritmo oscialnte como Astray, pero más melancólico, con riffs doom intercalados de vez en cuando. Aquí el piano vuelve a ser el instrumento predominante. Y los riffs doom conforme avanza la canción también predominan más. Un tema “Aegis”, se puede decir.

9. Illusions. Una vez más aparece la guitarra semiacústica iniciando el tema, la cual predomina casi toda la primera mitad del mismo junto con la voz de Nell. Aquí también aparecen de manera muy clara los violines de fondo (más que los teclados o el piano), es, quizá, el tema donde más se aprecia el trabajo de violines y arreglos. Raymond canta con su registro normal. Y a mitad de canción cambia el ritmo para volverse más rápido, metalero, gótico. No se puede decir que se parezca a algún tema del Aegis o discos anteriores ya que el trabajo de violines y guitarras está mucho más elaborado. Y Nell eleva más su voz en la parte final de la canción.

10. Deadland. pese a su título es el tema más “vivo” del disco, el más dinámico, el más gótico/metalero. Con un estribillo en el que se alterna el teclado y la voz de Nell con los demás instrumentos (Nell canta sola). Tema en el que también aparecen los característicos riffs doom (los rasguidos de guitarra tan característicos del Aegis). Un tema híbrido que reguerda a la vez al Storm y al Aegis.

11. Forever Is The World. Y llegamos al final dels disco. Otra canción atípica de Theatre pero no por los ritmos que aparecen en “Revolution” sino porque es un tema sin demasiadas guitarras doom, ni muy metalero. Eso sí es uno de los temas más elegantes del disco y de su discografía, y de los más elaborados. Se inicia con un piano (sólo el piano), tras él Nell canta con su registro de voz más tranquilo, la cual modula según el momento y los instrumentos. Otro tema donde podemos apreciar muy bien los arreglos y violines tan omnipresentes en el disco. Nell canta sola. Aquí lo que se luce realmente son los violines, el piano, la voz de Nell, los arreglos y la madurez, en definitiva, que ha alcanzado la banda para elaborar canciones complejas, con muchos arreglos, muy trabajadas, con cambios de ritmo y muy buenas. Al final de la canción aparecen las guitarras (más góticas que doom), y gana en intensidad la canción.

En resumen, un disco que, musicalmente revisa toda su anterior discografía, un disco trabajado, muy elaborado y elegante (a mi parecer el disco más elegante de su trayectoria) con cambios de ritmo en todas las canciones, con muchos arreglos incluso de violines, un disco maduro es el trabajo que han hacho los noruegos Theatre of Tragedy. Me parece un disco muy bueno, igual de bueno que sus mejores discos (más maduro, para mí mejor) y mucho más elaborado y trabajado que los anteriores. Y un disco como ellos saben hacer. Y mi pregunta es: ¿Es necesario que estas bandas pioneras hagan otra vez un disco idéntico a anteriores trabajos? ¿Qué mérito tiene eso? Este nuevo trabajo de Theatre of Tragedy  es capaz de mirar todo lo anterior desde un punto de vista, precisamente,como he dicho y reitero por última vez: más maduro y elaborado.