Esta imagen es la que aparece como imagen de fondo en la web de la banda, y me pareció interesante utilizarla como primera imagen de este post. Hacía 4 años del último (y gran) trabajo de Moonspell; un “Night Eternal” muy bueno, el cual confirmaba que se encontraban en un gran momento. Tras ello tuvieron unos cuantos problemas…básicamente su anterior sello discográfico SPV quebró y, por tanto, su nuevo trabajo tuvo que esperar para ver la luz. Y mejor que haya sido así, pues en esa época vimos como los Theatre of Tragedy decían adiós, Paradise Lost editaban su “Faith divides Us Death Unites Us” (ahora han editado su grandioso “Tragic Idol”), y los Watain editaban su gran obra maestra “Lawless Darkness”. Mucho ajetreo en esos años (y un 2011 bastante pobre en buenas ediciones de discos, la verdad). Ahora, los lusos Moonspell vuelven y de qué manera. Han editado un doble disco muy bueno, llamado “Alpha Noir / Omega White”, muy evocador, tanto en las portadas como en el año en el que se edita como en sus letras. Un doble disco que merece una gran reseña. Fernando Ribeiro comentó que su banda se “dividió en dos”, es decir, que unos querían seguir con la línea más dura de los dos discos anteriores y los otros querían hacer un disco más doom/gótico…así que hicieron dos discos. El concepto que han usado es de los más esotérico y ocultista que jamás hayan usado. No en pocas reseñas he hablado de la teosofía, de Helena Blavatsky, del hinduismo, y de conceptos similares…pues bien, en este disco se habla total y absolutamente de tales conceptos. Alpha es la primera letra del alfabeto griego, la equivalente a la hebrea Aleph y es lo primero (la primera manifestación del Logos no manifiesto, cuando se desdobla en un andrógino para poder crear, pues su primer estado es la Nada o Vacío, el Todo-Nada, el Parabrahman se desdobla para manifestarse a través de Fohat y poder crear con el “Verbo”). En la portada del artista griego Seth Siro Anton vemos a dos figuras femeninas (o que parecen ser femeninas) que representan el Alpha y el Omega, el principio y el fin del cosmos, ya que ambas cosas son lo mismo. “Yo soy Él”, aparece en el texto sagrado hindú Bhagavad Gita. Una representa la pureza y la otra la vergüenza tras haber culminado las Kalpas o los ciclos del Manvantara, la Rueda Cósmica. Así pues utilizando el vehículo del Cisne Negro vuelve a los orígenes; el Cisne Negro es llamado Kala Hamsa. Es un concepto dificilísimo de explicar, lo se. Parabrahman (el  Caos, o Ginnungagap, o Ain, o Sunyata, o la Nada-Todo el Absoluto o Infinito, o Hunab Ku, o Azathoth) cuando se manifiesta en el Logos (Brahman y su fuerza creadora consciente o Fohat/Atum/Thoth/Hermes/Mercurio/Buddha/Prometeo/Nyarlathotep/Lug…) utiliza el vehículo del Cisne Negro (tan presente en muchas culturas ancestrales) en su pregrinar de la Rueda Cósmica, transformándose en la Trimurti Hindú (Brahmá/Vishnú y Shiva) y sus múltiples avatares (no es casualidad que en el filme Avatar, del cual no soy fan, sean azules, mirad los dioses de la India y sus avatares como Krishna del Bhagavad Gita)…a este pregrinar por la Rueda Cósmica se le llama Manvantara, y cuando se disuelve todo otra vez en el seno del Parabrahman ( A Greater Darkness, el último tema de Omega White habla de eso entre líneas) empieza un Pralaya. Si en la anterior reseña (Tragic Idol de Paradise Lost) hablé del “Ídolo Trágico”, el Sol Negro, del Prometeo, del filme Prometheus (en relación a tal filme os recomiendo encarecidamente el libro de Ricardo González “Después del 2012″ y su último capítulo, o capítulo 13 “Cruzando la puerta estelar”…así como el libro “Tras Tres Cabezas del Elefante” de Sebastián Salado,  la “Doctrina Secreta” de Helena Blavatsky”, las obras de H.P Lovecraft, las obras de mi compatriota Mario Roso de Luna, las obras del verdadero Aleister Crowley) en esta reseña ampliaré bastante más de qué trata esta temática tan esotérica. El cuervo y la Serpiente son dos animales muy simbólicos también; el cuervo de Noé, y el cuervo que señala el Centro del Mundo (Omphalos) que es nombrado en el primer tema “Axis Mundi”. La serpiente tiene muchas alegorías, entre ellas el Caduceo de Mercurio/Hermes/Thoth. También os recomiendo la lectura de estos dos blogs los cuales me resultaron interesantes: “Otro blog sin futuro”, “Visión Rock” y “El Lado Oscuro-Metal Crítica”…(cito estos blogs porque yo no soy como ciertas personas que prefieren plagiar párrafos enteros, me explico: un párrafo entero de mi reseña de Samael: Above, fue literalmente copiado para añadirlo en la Wikipedia donde se habla de ese disco en la referencia de la banda suiza Samael. Sí, si buscais  Samael y clicais en su disco Above y luego comparais mi reseña que hice de la banda vereis que coinciden…luego dirá quien lo hizo que yo me copié, pero ha sido al revés…en cualquier caso yo no cobro por hacer estas reseñas, lo hago de manera altruista…yo trabajo de maestro en una escuela). Finalmente decir que el logotipo es el nuevo logo de la banda con el símbolo Alpha y Omega (en el alfabeto hebreo la última letra es la Tau, que corresponde al Logos Hermes/Fohat/Mercurio…esto también aparece en la novela “Las Tres Cabezas del Elefante” y en “La Doctrina Secreta”).

Dicho esto ya puedo decir que el disco trata del Gran Ciclo Cósmico del Parabrahman y de sus representaciones fractales, de sus multiversos, de nosotros mismos. La verdad es que de tanto hablar de este tema en anteriores reseñas parece que hayan hecho este disco ex-profeso para mí (es broma). En los blogs que he citado nombran que las letras “O” de MOONSPELL están entrelazadas formando el símbolo de Vesica Piscis, esto es la Inteligencia de “Dios” (el Parabrahman), su manifestación inteligente (o Verbum) sería Fohat/Atum/Thoth/Eros el poder eléctrico vital y se relaciona con la mítica “Hourglass Nebula” o Nebulosa del Reloj de Arena…la imagen que vais a ver no es ningún montaje.

El Infinito, el Ojo de Parabrahman…

Ésta es la portada del primero de los dos discos, Alpha Noir. Es más agresivo, musicalmente es Dark Metal, una mezcla de Black, Death, Trash y, a veces, Doom Metal. Fernando Ribeiro utiliza unos registros vocálicos muy graves, a veces deathmetaleros, a veces blackmetaleros y a veces su registro normal. Se trata, pues de la parte más agresiva y brutal. Ribeiro comentó que en este disco hay muchas influencias de bandas como Onslaught (cierto), Metallica (cuando eran buenos), Testament, Bathory, King Diamond o Artillery.Veamos el disco tema a tema.

1. Axis Mundi. Tras unos sonidos escabrosos de fondo la batería se aproxima de forma atronadora y con ella arranca la canción de manera brutal: Ipso Facto, AXIS MUNDI (Por este hecho sea creado el “Mundo” o Universo…eso es el Verbum, el Verbo del Logos que da lugar al universo y a la creación). Un tema muy machacón, muy brutal y contundente donde la voz de Ribeiro es totalmente deathmetalera y blackmetalera. Ritmos desenfrenados y machacones avanzan sin piedad. Un terremoto sonoro se apodera de la canción. Las guitarras rítmicas se alternan con ritmos crecientes y decrecientes. Un tema muy sofocante y espectacular donde no faltan partes de guitarra melódica, y un  fragmento algo más tranquilo donde Fernando Ribeiro canta con su voz de barítono. “La semilla de la esperanza derramada por los enfermos…”, “Estamos perdidos en un mundo que agoniza”. Axis Mundi son los lugares de fuerza donde se comunica este mundo con el “Mundo Intraterrestre” (de telón de fondo la Tierra Hueca); el Axis Mundi también es el Caduceo de hermes entre otras muchas cosas, su poder comunica con el “Centro del Universo y del Mundo” (de ahí la relación con la serpiente que lleva una de las figuras de la portada). Son muchos los puntos Axis Mundi en este mundo, tal vez el más mítico sea el legendario Monte Meru del hinduismo.

2. Lickanthrope. Unos rugidos dan inicio a este rápido y contundente tema. Esta canción ha sido elegida como el primer “hit” de la banda, con un peculiar video. Unos ritmos duros y mantenidos marcan esta canción dura, aunque no excesivamente rápida como la anterior salvo en algunos ritmos finales. Se trata de un tema más bien pesado y muy trashmetalero. La voz de Ribeiro sigue siendo dura y oscila entre el registro blackmetalero, deathmetalero y trashmetalero. Los lobos se reunen y reunen a la manada bajo la Luna. La letra de esta canción es bastante metafórica en relación a nuestra sociedad de borregos y los lobos que la cuidan.

3. Versus. Un ritmo oscilante pero agresivo inicia este tema en el que las guitarras melódicas tienen más peso que las rítmicas. La voz de Ribeiro sigue siendo muy rabiosa. Tras un cambio de ritmo la canción se endurece mucho y la voz de Ribeiro se vuelve mucho más dura, poco a poco la canción gana en velocidad y agresividad incluso aparece un breve solo de guitarra cerca del final. La letra hace continuas referencias a temas esotéricos: la Noche, el Caos, El Libro de Los Muertos, el Apocalipsis final y la verdad. Es deslizamiento hacia el final es el tema principal de la letra de esta canción la cual acaba de manera apoteósica y épica. Brutal.

4. Alpha Noir. El tema homónimo del disco el cual empieza con guitarras rítmicas muy duras. Poco a poco estas guitarras y unas guitarras melódicas dan lugar a un ritmo muy trashmetalero que se alterna con otros ritmos más y menos pesados. Las guitarras rítmicas y melódicas se intercambian en este tema que avanza implacable y cada vez más rápido donde en algún momento la voz de Ribeiro se tranquiliza un poco para luego volver a ser brutal. “Alpha Noir, Nuestra Verdad, Nuestro Código”, “queremos un mundo nuevo”, “El Orden del Caos”. Viene un mundo nuevo, implacable, viene la destrucción de este mundo podrido. Alfa-Omega, la verdad al descubierto para que se produzca la transformación. Un tema que también tiene solos de guitarra a pesar de su contundencia y pesadez. Gran tema.

5. En Nome Do Medo. Un tema cantado totalmente en portugués, la lengua nativa de esta banda. Un tema que se inicia con el bajo y la batería, los cuales dan paso al resto de los instrumentos de manera brutal. Unos ritmos trashmetaleros pero con la pesadez del Death Metal avanzan de manera implacable. La voz de Ribeiro sigue siendo muy brutal y machacona. Partes melódicas le dan una ambientación más siniestra si cabe a este tema ominoso, como indica su nombre: “En Nombre del Miedo”. Ya lo decía Lovecraft: “La emoción más antigua de la humanidad es el MIEDO; y sobre todo el MIEDO A LO DESCONOCIDO”. Un gran solo de guitarra irrumpe casi al final de esta espectacular canción. “Soy la luz que se expande, la sangre de tu sangre, el señor de tu tiempo” . “Soy el Miedo”. Y un tema con un final majestuoso.

6. Opera Carne. Otro tema con inicio muy trashmetalero y rítmico. El cual da paso a una parte más melódica y épica. Tras esta parte instrumental aparece la brutal voz de Ribeiro con gutarras melódicas y rítmicas. La pesadez de fondo se alterna magistralmente con unas melodías tremendas mientras Ribeiro grita con fuerza en el estribillo. Como he dicho se trata de un tema donde las guitarras rítmicas y las melódicas se alternan de manera magistral. Pese a su dureza el tema es un tanto melancólico y muy épico. Nuestra carne, tan frágil, tan dependiente del medio que nos rodea es el objeto de la letra de esta canción. Nuestro carácter mortal, nuestro dolor, la prisión de nuestra alma: nuestra carne.

7. Love Is Blasphemy. Unas guitarras melódicas y un ritmo vivo inician esta canción. Sin embargo cuando comienza a cantar Ribeiro el ritmo se vuelve mucho más duro y pesado. La canción poco a poco va transformándose en un tema que oscila entre el Trash Metal y el Death Metal, muy duro. Pese a que siguen apareciendo guitarras melódicas, éstas realzan la dureza de la canción. Un ritmo machacón y pesado se apodera poco a poco de la canción. Como si nosotros fuéramos una plaga, al igual que las ratas, nos reproducimos sin control y nos volvemos en nuestro principal problema. Una plaga que debe ser reducida y eliminada. Pues el amor es una blasfemia.

8. Grandstand. Tras un inicio un tanto pausado la canción se vuelve más rápida. Unos ritmos machacones dan paso a unas melodías de sintetizador que le dan un aire un tanto épico. Ribeiro canta con una voz dura y rasgada. Las melodías y los ritmos furiosos se alternan en todo el tema, incluso en el estribillo. Las guitarras melódicas tienen algo más de protagonismo en esta canción. Vivimos en este mundo de mentiras, donde ahogamos nuestras penas con lujuria, vivimos con desdicha y angustia. Cuando descubrimos la verdad o nos duele mucho o nos “mata”. Un solo de guitarra casi al final de la canción le da un aspecto más melódico, añadido a la voz más templada de Ribeiro en ese tramo de la canción. Si le quitamos la máscara a este mundo de mentiras vemos un mundo de dolor que nos hace daño y nos mata lentamente.

9. Sinne Missione. El único tema instrumental de este primer disco. Una canción que empieza tranquila, inquietante, en la que poco a poco se añaden instrumentos casi orquestales que le dan un aspecto muy épico e impresionante. Poco a poco va ganando en majestuosidad este inquietante y siniestro tema. Poco a poco se van añadiendo más intrumentos. El ambiente es tenso, como si fuera la tranquilidad que precede al FINAL, al APOCALIPSIS, al OMEGA (que no es otra cosa que el retorno al punto ALPHA). La intensidad va en aumento, así como la majestuosidad, cada vez suena más intensa esta canción. Las guitarras y la batería irrumpen con fuerza con los demás intrumentos. Poco a poco la canción va alcanzando su clímax. Tremendo, brutal, impresionante final. Unas guitarras finalizan este tema tan épico. Parece que este disco da a entender que estamos ante la “expansión” del universo llevada a cabo por el Logos una vez se desdobla…El Logos que se convierte en Demiurgo del universo que regenta, donde prevalece la tragedia y la ilusión ( el velo de”Maya” de los vedantinos).

Ésta es la portada de su segundo disco llamado Omega White. El cuervo y la serpiente de la anterior portada parece que están muertos. La figura femenina simboliza la llegada de la Kali Yuga (Era de la Desdicha), el final de un ciclo. Lo que aparece detrás es justo lo que lleva el dios hindú Shiva, el destructor, en su avatar de Kali (Kali es la parte femenina de Shiva y destructora del mundo y del univeso; como decía Oppenheimer, padre de la bomba atómica, citando el mítico Bhagavad Gita: “Me he convertido en la Muerte, la Destructora de los Mundos”). ¿Y por qué el Punto Omega es “blanco”? pues porque la manifestación del Logos, el Rayo Divino que emerge del Parabrahman (el Fohat) es una haz de Luz Blanca que ilumina el multiverso, los universos en este multiverso “Maya” o de ilusión. Así pues la Luz Blanca, esa Luz que hay al final del túnel y que nos lleva al Punto Omega en realidad nos lleva al punto de partida, al Punto Alpha (supongo que habreis visto la portada del “Aleph” de Jorge Luís Borges, donde aparece esa luz al final). También recuerdo que el color negro es del que vienen todos los colores, el color que absorbe todos los colores, uno de los dos NO-COLORES junto con el blanco; el color blanco (La Luz) viene del Negro (La Oscuridad) y a Él debe volver. Así pues Alpha y Omega son en realidad lo mismo.

El disco es más tranquilo que el anterior. Más doom, más gótico y melancólico. Se ven claramente las influencias de bandas míticas como Type O Negative o Sisters Of Mercy. Veamos el disco tema a tema.

1. White Omega. Unos sonidos de estrellas nocturnas inician este tema melancólico y triste. Las guitarras melódicas son más protagonistas que las rítmicas. Ribeiro canta con una voz de barítono tranquila y triste. en el estribillo Ribeiro canta de manera más solemne. Un tema cargado de melancolía y resignación. “En nuestro día del juicio no vamos a estar juntos”, “nuestro tiempo ha llegado”. Una vez llegada la expansión del universo de Alpha Noir ahora toca aceptar que volvemos al Punto Omega.

2. White Skies. Esta canción ha sido elegida como el hit de este disco. Tal vez sea porque es la más viva de este disco. Unas guitarras melódicas y una voz un tanto extraña de ribeiro dan paso aunos ritmos siniestros y contundentes. La canción es más “heavy”, más pesada que la anterior, y mucho más rítmica. en el estribillo unas voces femeninas hacen de coro a la voz de Ribeiro mientras la batería marca un ritmo casi tribal, y da paso a otro ritmo más vivo. “¡que se vengan a bajo los cielos! (¿se referirá a la caída de los cometas que vienen hacia aquí?), “los cielos blancos rugen con gritos de batalla”, “se encuentran los enemigos, amantes de la muerte”.

3. Fireseason. Tal vez la canción más triste y preciosa del disco. Unas guitarras acústicas inician este melancólico tema y dan paso a una sección donde la melancólica voz de barítono de Ribeiro y el bajo predominan sobre el resto de los instrumentos. En el estribillo Ribeiro usa un registro de voz diferente “Fireseason…” ya la irrumpción de un piano le da un aire épico que profundiza en esa bella melancólía. “¿Donde ha ido el mundo  esta noche?…a buscar el perdón”,”no queda nada, ni un jirón de vida esta noche”, “tanto se esfuma en al noche”…también se escucha un breve solo de guitarra. Parece como si tras los “cielos blancos” (¿caída de cometas, cataclismos y guerras?) todo se haya oscurecido y se esfuma.

4. New Tears Eve. El título ya lo dice todo. Tras unos acordes tranquilos de guitarra irrumple unas bonitas notas de sintetizador que son lo más distintivo de esta canción. Ribeiro sigue con su voz tranquila y, a la vez grave. …” y así caeremos, y así veremos lo que nos depara el futuro, en vísperas de una época de angustia. Un breve solo de guitarra da lugar a una parte aun más triste en esta canción tan bonita y triste como la anterior. Y la vuelta al ritmo del estribillo con esos sintetizadores finalizan la canción. Se ha comentado que esta canción está dedicada al fallecido Peter Steel, cantante y líder de Type O Negative.

5. Herodisiac. Unas guitarras acústicas  seguidas de la batería y unas notas de sintetizador dan paso a un ritmo muy metalero y enérgico con unas notas de piano rítmicas y melancólicas. La canción es un guiño a la mítica banda Post Punk llamada Sisters Of Mercy. Ribeiro comienza a cantar con tranquilidad pero en el estribillo unas voces femeninas hacen coro a su vez con unos ritmos más metaleros y rítmicos que recuerdan un poco a los coros que se escuchan en algunos temas de Sisters Of Mercy. Un tema, como digo más vivo que los anteriores y un tanto más siniestro, pero más rítmico y metalero. “Las estrellas se esconden en la sombra”, “el sudor corría por el cauce del río”, “esta noche duermo en la recámara de la reina”. Un tema que nos comenta el nivel de corrupción y podedumbre al que ha llegado una humanidad que está dando sus últimos pasos, donde ya lo horrendo y la sangre nos atraen…”¡sin reflejo en el espejo no hay salvación!, pese a que introduce elementos vampíricos en este tema da a entender que ya estamos condenados y somos almas en pena. En cualquier caso su letra es un tanto difícil de interpretar.

6. Incantatrix. Una canción que se inicia de forma muy tranquila y apacible. Unos acordes de guitarra melódica dan paso al bajo, a la voz de Ribeiro y a los demás instrumentos. Poco a poco va ganando velocidad pero no dureza. Una canción que va de menos a más y que cada vez se vuelve más metalera. Aunque en algunas partes vuelve al tranquilo ritmo inicial. “La gente muere y su tiempo termina”, “mira el pasado lejano”, “el trono se asienta sobre tierras vacías”,”hemos apalastado tu corazón con las manos vacías”…todo se desvanece para volver a ser como antes. Ya lo decían algunos filósofos: “El futuro no es más que el pasado que vuelve”.

7. Sacrificial. Unos ritmos un tanto sincopados y pesados inician este tema más pesado que los anteriores pero no exento de partes melódicas. La voz de Ribeiro sigue siendo tranquila y grave. Las guitarras srítmicas le dan mucha pesadez a esta canción densa. Guitarras melódicas se alternan para darle un toque algo más épico sobre todo en el estribillo. Incluso se escucha un breve solo de guitarra y unas notas de órgano muy solemnes Las letras de esta canción un tanto épica y desesperada giran en torno al “Verbo hecho carne”, al sentimiento de culpa, a la no recompensa de las acciones buenas,al odio que reina por doquier, en un mundo donde realmente no hay gloria ni perdón, en un mundo hecho por y para el sacrificio y el dolor…en el que todo volverá a ser cenizas y un sueño del Parabrahman (un mundo de ilusión).

8. A Greater Darkness. Último y majestuoso tema de este disco y de los dos discos. Unos acordes tristes de guitarra dan paso a un ritmo algo más metalero y éste a una parte de batería lenta y solemne donde comienza a cantar Ribeiro con aire de resignación y melancolía. Poco a poco van sonando más y más instrumentos que le dan un aire más monumental a la canción hasta convertirse en un tema muy épico y desgarrador. “Levantamos las manos por encima de las aguas…pero nuestros corazones se hunden cada vez más” . “El día (la luz) termina y la oscuridad lo cibre todo (otra vez)”, “¿no hay final para tanto dolor?” “, “¿no hay otra vida después ni esperanza?”. “Vernos ahogados y levantar las manos dentro del “monstruo”. De esta manera tan épica e impresionante termina el disco. El monstruo no es otra cosa que volver a la Oscuridad Inicial (también podía haberse llamado la canción The Greatest Darkness), de donde hemos surgido, ya que la Luz Blanca, que nace de esa Oscuridad Inicial nos conduce otra vez al Punto Omega (que no es otro que Alpha). Otro ciclo cósmico más, otra Kalpa cumplida y vuelta a empezar (con otra humanidad como decía Blavatsky y Jakob Böhme) y este es el gran drama de nuestra (NO) existencia y la Gran Tragedia Universal (y Multiversal). Monumental. Impresionante.

Esta imagen es el logo del disco y de la banda: el Alpha y el Omega con el “Ojo que todo lo ve”…tal vez sea el Ojo de la “Hourglass Nebula” (o Vesica Piscis) que hay en otra imagen de este post. El Ojo del Logos, de Hunab Ku.

Esta foto es de la edición especial del disco (de la cual tengo una copia). Incluye un colgante del símbolo Alpha Omega.

Éste es el colgante que contiene la edición especial del disco.

Una foto actual de la banda.

Otra foto actual de la banda (la verdad es tienen cierto parecido con esa ropa y esas gafas a la apariencia que tenían Sisters Of Mercy).

Sin duda este doble disco es el mayor esfuerzo que ha hecho Moonspell y, para mí, el mejor de sus discos. Como también esta reseña es la reseña que más me ha costado hacer y la más larga de todas; pero el doble disco se merecía una reseña así. Recomiendo este doble disco a todo el mundo metalero y no metalero, a los que seais fans de la banda y a los que no lo seais. Hacía tiempo que no escuchaba un disco tan bueno. El disco Tragic Idol de Paradise Lost ha sido un gran disco, para mí el mejor de su trayectoria. Este disco, Alpha Noir / Omega White, ha sido para mí el mejor de la trayectoria de Moonspell. Ambas bandas demuestran que no viven de rentas y son capaces de hacer muy buenos discos.

Ésta es la portada de la edición limitada y de lujo del nuevo trabajo de Paradise Lost, concretamente su disco número 13. En otro lugar de esta reseña vereis su portada normal. Tras el disco “A Fragile King” en su proyecto llamado Vallenfyre Gregor McKintosh decidió retomar Paradise Lost (la verdad es que no se habían separado). Y esa dolorosa experiencia (la muerte de su padre) así como la catársis sufrida le sirvió para hacer el que puede ser considerado junto con Icon y Draconian Times su mejor trabajo. Personalmente para mí es su mejor trabajo. Es cierto que dijeron que sería algo más melódico, heavy y a la vez más orgánico que su (excelente) trabajo anterior. Yo esperaba un gran trabajo, pero este disco ha superado todas mis expectativas. Editado en un momento en el que otras grandes bandas del Doom/Gothic (y Black Metal en el caso de Moonspell) han editado también los que parecen ser sus mejores trabajos: Moonspell con su Alpha Noir/ Omega White (de la que haré otra reseña) y The Foreshadowing con su Second World (de la que haré una reseña de toda su discografía hasta la fecha (tiene tres discos).

La temática del disco sigue siendo la temática encriptadísima que suele demostrar esta banda, tan encriptadas son sus letras como los cuentos de Jorge Luis Borges. Tragic Idol puede hacer referencia a ídolos trágicos de la humanidad. Sin embargo ese Sol Negro que aparece insinuado en la presentación de su disco tiene mucha simbología: el Sol Negro representa al Demiurgo Logos creador de este universo, a la tragedia, al Prometeo (animo a la gente que vaya a ver este verano el filme Prometheus de Ridley Scott, el cual, relamente, NO es una precuela de Alien, se llevarán una sorpresa que les hará reflexionar y mucho quienes vayan a verla), al Fohat que ya he mencionado otras veces en relación a la Teosofía de Blavatsky, al Único (o como ellos dicen en us primer tema “Solitary One”); ahora me estoy leyendo obras de mi compatriota Mario Roso de Luna, como la Simbología Arcaica y me ayudan a entender mejor estos conceptos tan complejos…Por supuesto que los Paradise Lost conocen estos conceptos tan esotéricos y profundos, así como las otras bandas que he mencionado (Moonspell usa el símbolo del Alpha Omega al igual que The Foreshadowing). Casualmente según el Chilam Balam y el Popol Vuh comentan que el Absoluto (Hunab Ku) se desdobla en el andrógino llamado Itzam Na, o Dios Trece (el Único, Logos o Atum egipcio que crea a todos los demás). No voy a insistir en el tema si no estais familiarizados, pero ayuda a entender tales letras tan encriptadísimas.

1. Solitary One. Un tema muy “doom”, muy pesado y con ténues sintetizadores inicia este grandioso disco. Una canción lenta, muy pesada, con melodías intercaladas, la cual causa mucho desazón. Por momentos la voz de Holmes sobrecoge, parece que está invocando al Único, al Tragic Idol, al Prometeo. El Único, el Solitario que con su “amor” nos absorbe la vida y nos deja agotados para que volvamos a Él tras este breve paso por este mundo. Monumental.

2. Crucify. Otro tema de inicios pesados y lentos, pero que, tras un cambio de ritmo se vuelve más rítmico y machacón. Un gran tema doom metalero. Las guitarras melódicas hacen su presencia alternándose con las pesadas guitarras rítmicas. Impresionante tema. Y no digamos del estribillo, donde las guitarras melódicas crean una atmósfera desesperada. Greg nos demuestra su talento con la guitarra. Hacía mucho tiempo que no se escuchaba un tema tan pesado en este grupo.

¿Estoy soñando?
Un pecador antes de morir
¿Estoy soñando?
La sentencia que decida
Crucificar
Crucificar
Por toda la eternidad tu eres mi condena
Crucificar

Así finaliza este tema, y ¿por qué no decirlo? acaso no es esta vida, tal y como dicen los hindús una ilusión, un mundo “Maya”. ¿Estamos soñando? tal vez y nuestra “crucifixión” será nuestra redención, y despertar. Grandioso.

3. Fear of Impeding Hell. Tras unas notas que parecen un eco lejano y unas lineas melódicas de guitarra muy bellas y tristes se inicia este monumental tema, para mí uno de los mejores del disco. “Miedo a un infierno inminente”. Desde luego con la que está cayendo a nivel mundial parece que es y será así. Parece una letra extraída de textos de Arthur Schopenhauer. Escapar de este mundo “Maya”, (como ya he dicho en el tema anterior, y como digo ahora, pues este disco, a nivel lírico es conceptual) de este infierno que es la vida. Despertar siguiendo una Luz Blanca, volviendo al Absoluto guiados por el Único. Parece que ya no se tiene miedo a esa luz ni a ese “despertar” tras haber visto dentro de la profundidad del alma de uno mismo (somos una representación de ese vacío, de esa Nada-Todo, y una mirada introspectiva hacia nuestro interior nos revela esa “Luz” que procede de la Nada-Todo). La canción alterna ritmos pesados con ritmos muy melódicos y melodías muy tristes a modo de eco, las cuales suenan cuando Holmes canta el estribillo. Ya digo, un tema muy épico, melancólico y muy arrebatador. Uno de los mejores. Y eso que todos los temas son muy buenos. Casi al final de la canción hay un solo de guitarra, ya dijo Greg que en este disco habría bastantes solos de guitarra.

4. Honesty In Death. Tras un inicio pesado y melódico a la vez la música inicia unos ritmos muy pesados alternándose con partes melódicas, a la vez que Holmes dice unas frases muy contundentes. “En medio de la locura…en medio de la angustia…mis lágrimas y mis oraciones son para mí mismo…” . Ha sido el primer tema del cual han hecho un video, y la verdad es que me recuerda a varias cosas: por una parte al filme “The Road” basado en la novela del mismo nombre. Para curiosos/as esta novela se centra en la cuarta parte de una novela/ensayo científico muy extensa llamada “El Martillo de Lucifer” (“Lucifer´s Hammer”) donde la caída de un cometa provoca unos cataclismos y las consecuentes guerras, y la, también consecuente, glaciación que sigue a tal evento…The Road se basa en tal novela/ensayo científico…quien sabe, pues ese Sol Negro que nos envía tales cometas existe. El protagonista del video también me ha recordado a un gran icono musical fallecido, Ian Curtis, cantante de Joy Division y su tormentosa vida; padre de una hija, infiel a su mujer Deborah Curtis (la actriz del video que interpreta a la mujer del protagonista tiene cierto parecido a Deborah Curtis, al menos a la Deborah Curtis que aparece en el filme “Control”, que cuenta la vida de Ian Curtis y Joy Division)  también le ocurre algo parecido (no lo sucedido en la catástrofe) y acaba igual, ahorcándose. Tal vez este video sea un guiño, entre otras cosas, a Ian Curtis y Joy Division (seguro que los Paradise Lost vieron el filme “Control”). Otro tema muy doom metalero e implacable. Tremendo tema. Las partes melódicas son muy buenas también. Honestidad hasta la muerte y en la muerte.

5. Theories From Another World. Éste es uno de los temas más trashmetaleros y contundentes del disco. Rápido y contundente. Tras unos acordes de guitarras la canción se acelera. Nick cambia de registros vocálicos según las frases que dice. Aunque las guitarras melódicas hacen presencia lo hacen acompañando las guitarras rítmicas. Rabia, desesperación y furia destila este gran tema. El estribillo es otra de las mejores partes de la canción. Casualmente ahora se habla bastante de otros mundos habitados. Me remito otra vez al filme Prometheus para que entendais un poco mejor este tema. “Otro mundo, otro salvador” de esta humanidad cobaya, apática y desesperada. Desgarrador tema, con partes melódicas y rítmicas muy aceleradas y muy buenas…y un espectacular y ominoso final, de los mejores que he escuchado…más que ominoso es muy desesperante y desazonador. Brutal tema hata el final.

6. In This We Dwell. En este mundo de (des)ilusión moramos. Otro gran tema muy enérgico y furioso como el anterior, pero de inicio algo más melódico. Unas guitarras rítmicas pesadas marcan la canción. La alternancia de ritmos pesados y melódicos con mucha fluidez marcan este impresionante tema. Moramos en undo de angustia, muerte, acostumbrados al dolor y a la pena…así es el lugar en el que moramos (desde luego razón no les falta). La canción es algo menos rápida que la anterior pero más pesada. Mientras meditamos pensando en otros mundos sobrevivimos y nos adaptamos con angustia a las penurias de este mundo en el que moramos. Y, por supuesto, cerca del final de la canción aparece otro gran solo de guitarra.

7. To The Darkness. Otra canción llena de energía y mucha rabia. Unas guitarras melódicas inician este tema que inmediatamente adquiere velocidad. Las guitarras rítmicas se alternan de manera excelente con las guitarras melódicas que hacen un trabajo muy bueno. Holmes también hace su parte con sus registros vocálicos. No toda la canción va deprisa, hay un momento en el que se vuelve muy doom y pesada para dar paso a un gran solo de guitarra y al ritmo inicial y así acabar. Todos somos iguales en esta vida angustiosa que nos exclaviza y nos desespera, la cual, amanecer tras amanecer nos lleva a la oscuridad, a los días oscuros que parecen “los más claros”. Otro de sus temas más enérgicos y rabiosos, otro de sus mejores temas.

8. Tragic Idol. Unos impresionantes acórdes semiacústicos dan inicio a esta canción. A los que le siguen unas melodías muy melancólicas y una parte muy doom metalera y pesada. Holmes alterna registros vocálicos de manera magistral en medo de unas guitarras rítmicas muy densas. Y un estribillo rompedor con guitarras melódicas y rítmicas mezclándose con la voz de Holmes gritando. Tras un solo volvemos a esos acordes semiacústicos con la voz tranquila de Holmes  y el ritmo inicial finalizando la canción. ” En medio de un sueño de esas palabras frágiles todo cuanto tenemos se desvanece”, ” lo oscuro del alma me abraza y me salva”. Otro de los temas que más me gustan de este disco, tremendo, muy bueno.

9. Worth Fighting For. Luchar por algo que valga la pena en este pútrido mundo. Unas baterías “tribales” inician este gran tema. A las que se añaden las guitarras rítmicas y unas guitarras melódicas muy hipnóticas, tanto como la voz de Holmes. Un cambio de ritmo más tranquilo y triste da paso a otro más desgarrador. Y luego a otro más melódico. Luchar por cosas en este desesperado mundo, por cosas que van contracorriente. La lucha contra la desesperación y la angustia, la lucha contra los sueños que nunca se cumplirán y se desvanecen como las ilusiones. Gran y épico tema.

10. The Glorious End. Como también es muy épico el tema que finaliza el disco propiamente dicho. Unos riffas de guitarra dan paso a un tema que comienza muy melancólico y oscilante. Pero que poco a poco va adquiriendo ritmo. La sguitarras melódicas tienen más presencia. La voz angustiosa y dolorosa de Holmes tmabién hace su presencia. Musicalmente es un tema que es bastante variado en cuanto a ritmos y , sobre todo, melodías. Cerca del final hay un solo de guitarra muy bueno y desgarrador. Un final glorioso nos espera, un final hacia el que nos desvanecemos, hacia la gloria del Único que nos devora(rá) a través de su Luz hacia nuestro glorioso final, tras “esta terrible experiencia” en este mundo que moramos. Desde luego este tema es un “Glorioso Final” del disco.

11. Ending Through Changes. (Bonus Track) Tras un tranquilo y triste inicio todos los instrumentos irrumpen de manera majestuosa y apocalíptica, como debe ser. Tras esta impresionante irrupción Nick Holmes canta con una ominosa tranquilidad, y da paso a un estribillo desgarrador: “Ending Through Changes”. Tras el cual la canción se torna un tanto desgarradora y da paso de nuevo a melodías tranquilas que a su vez vuelven a otras melodías más duras acompañadas de un gran y épico solo de guitarra. Y tras esto el brutal y desgarrador estribillo finaliza la canción. Todo finaliza con cambios…para que nada cambie, y vuelta a empezar, con, tal vez “otra humanidad nueva” y “otro mundo nuevo”. Un Bonus Track muy, muy bueno, muy épico.

12. Never Take Me Alive. (Bonus Track. Spear Of Destiny cover version). Una escelente versión de una de las míticas bandas británicas de post punk de los 80 (queda claro que el  British Post Punk, Dark Wave o Cool Wave de finales de los 70 y principios de los 80 ha inspirado mucho a Paradise Lost: Joy Division, Dead Can Dance, Spear of Destiny, The Chameleons, Bauhaus, Fields of The Nephilim, Killing Joke,The Cure,Siouxsie and The Banshees, Cocteau Twins, Sisters of Mercy…estilo musical del que he sido y todavía soy fan). Un tema que va de menos a más intenso, muy bien versioneado e interpretado por esta genial banda.

13. The Last Fallen Saviour. Este tema no está en la edición especial. Es una cara B que se editó de manera independiente. Pero pude conseguirlo. Se trata de un tema muy heavy/trashmetalero. Corto pero muy intenso y muy bueno. Unos acordes de guitara dan paso a unos ritmos rápidos y muy vivos. Unas guitarras rítmicas muy contundentes se alternan con unas guitarras melódicas muy bien ejecutadas. Un gran solo de guitarra aparece casi al final de esta tremenda y buenísima canción. Y un Nick Holmes que canta con mucha pasión. El último salvador caído, aquel que nos llena de esperanza ante tanta injusticia y tragedia, aquel que nos ayuda a soportar el dolor…aquel que está dentro de nosotros y escuchamos su voz; un dolor y unas lágrimas que nos ayudan a soportar este mundo.

Hacía tiempo que no escuchaba un gran disco. Paradise Lost no tienen ningún disco que sea malo, ni se les ha subido la fama a la cabeza, como tampoco viven de rentas como otras bandas. Pero no me esperaba que publicasen el que, para mí, es su mejor disco. Un disco tremendo, muy épico y con muchas lecturas entre líneas. Un disco que a cada escucha gana más y más; uno de los mejores discos de este 2012 (junto con el Alpha Noir/Omega White de Moonspell y el disco Second World de The Foreshadowing). Quien lo diría. Recomiendo a todos los metaleros/as y no metaleros/as a escuchar este gran disco.

Ésta es la portada de la versión normal del disco y la imagen que aparece (una de las imágenes) en el interior de la funda de la edición limitada del disco. Una imagen muy barroca, con la muerte y El Sol Negro que aparece detrás. Portada muy buena, por cierto, del diseñador parisino Valnoir.

Una imagen reciente de la banda.

Y otra imagen de la banda.

A estas alturas imagino que conocereis todos este disco, pero pienso que se merece una reseña. El disco es de 1998, pero en 2008 la banda decidió reeditarlo, al igual que sus discos: Angels Fall Fisrt, Wishmaster, Century Child, y el E.P Over The Hills And Far Away (curiosamente hay una canción de la banda de rock gótico The Mission UK que se llama así). Oceanborn fue el disco que supuso el gran salto cualitativo en la banda. Aunque el reconocimiento les llegó con Wishmaster la verdad es que Oceanborn es su mejor obra maestra. Muchos creen que Nightwish empezaron a flojear tras la marcha de Tarja, pero pienso que ya en los discos Century Child y Once pese a que estaba Tarja ya no mostraban tanta calidad, aun siendo discos muy buenos. Este disco está lleno de simbolismos tanto en las letras como en la portada: Las Aguas del Océano del Caos (Nun para los egipcios, o las “Aguas de Ain” que decían Watain en su disco más reciente). El búho o lechuza como mensajero de los dioses (el Búho de Minerva), la mujer que representa la Tierra, el espíritu de Gaia; el Ojo que Todo lo ve, el ojo de Horus/Osiris reptiliano, que parece la Luna en la que está reflejada la Tierra, siendo observada está última por ese Ojo representado por la Luna. Un disco con referencias totalmente esotéricas.

1. Stargazers. Unos solemnes sintetizadores inician este rápido y épico tema. La voz de Tarja irrumpe de manera tan épica como los demás instrumentos. Tarja utiliza en este tema diversos registros vocálicos operísticos unos más intensos que otros. Las guitarras y los teclados se compenetran perfectamente en este tema más powermetalero. Stargazers pueden ser los “astrónomos o astrólogos”, y con esta ambigüedad juegan, ya que en la Edad Antigua astronomía y astrología eran una misma cosa. ¿Y quienes eran esos “dioses astrónomos o astronautas” de la humanidad?. Tras varios cambios de ritmo unos más épicos que otros la canción se vuelve un tanto tranquila para finalizar de manera apoteósica.

2. Gethsemane. El tema que más me gusta del disco. Aunque se inicia con todos los intrumentos a la vez el teclado, en este caso piano adquiere un gran protagonismo  durante toda la canción. La voz de Tarja también adquiere gran protagonismo. Las melodías son más góticas, más melancólicas y tristes. Una vez más Tarja vuelve a utilizar varios registros de voz. A mitad de canción se produce un cambio de ritmo hacia melodías más épicas pero igual de tristes. Gethsemane además de ser un nombre femenino es también el Huerto de los Olivos donde estuvo Jesús de Nazaret antes de morir. Así que la letra es una alegoría al dolor, a la pena, al sufrimiento, a la angustia y la soledad.

3. Devil and The Deep Dark Ocean. Este tema es más ominoso y siniestro, además la presencia de una voz masculina (Tapio Wilska) acentúa más esa característica. Los instrumentos  van acelerados, pero no da la sensación de ser un tema powermetalero. La voz de Tarja es más ominosa, igualmente operística pero no transmite sensación de melancolía sino de desazón. Tras un momento pausado, unos registros vocálicos masculinos más crudos llega una parte más épica pero igualmente ominosa en la canción. Es en este tema donde se habla de los elementos de la portada del disco (la lechuza, la dama de blanco, el océano, el Ojo). El Primogénito Lucifer (mal llamado el diablo) el “Oceanborn”, que empieza y finaliza los ciclos de la eternidad.

4. Sacrament of Wilderness. Otro de los grandes y épicos temas del disco. Unas notas de sintetizador abren este gran tema. Pese a que el tema tiene partes más rápidas es más propio del Gothic Metal. La voz de Tarja es más bien triste excepto en los coros que se vuelve más épica. El Sacramento del Yermo habla de la soledad de los páramos del Norte de Europa, de la nieve, del frío, de los lobos, de la noche oscura. Tras un breve solo de guitarra el tema acaba repitiendo de manera muy épica el estribillo, cada vez más rápido.

5. The Passion And The Opera. Unos acordes rítmicos de guitarra inician este tema tan curioso. La voz de Tarja entra con unos sincopados y muy imponentes rítmos. Los cambios de registro vocalícos de Tarja vuelven a ser notables en este tema). A mitad de tema se produce un gran cambio de ritmo de manera que la canción parece otra; Tarja hace unos registros de voz totalmente operísticos para finalizar de manera épica la canción. A ritmo de ópera se describe la pasión y la lujuria como elementos innatos en nuestra naturaleza humana.

6. Swanheart. Con unas tristes notas de piano y flauta se inicia esta hermosa y a la vez triste canción. La voz de Tarja es igualmente muy triste y bella. Poco a poco van entrando los demás intrumentos hasta acabar de manera más triste si cabe que cuando empezó el tema. El amor por seres queridos, la tristeza por la pérdida de los mismos, la añoranza son conceptos que aparecen en la letra de este triste pero a la vez hermoso tema.

7. Moondance. La danza de la Luna, se llama este baile pagano y tal vez tribal. Tras unas notas de piano entran los demás instrumentos pero de forma que parece todo una danza pagana (parece no, es una danza). Tras una pausa tranquila marcada por un piano y una flauta vuelven los sonidos propios de la danza cada vez más intensos y rápidos e incluso con coros al final de la canción. Una canción ideal para bailarla de noche, en un claro de un bosque nevado y a la luz de la Luna llena.

8. The Riddler. (El acertijo). Una canción que es más bien épico-gótica. Tarja se vuelve a lucir con sus registros vocálicos tan buenos. Las guitarras tienen más protagonismo y lo mejor de la canción: un estribillo bastante épico. Todo ello aderezado con un ritmo muy dinámico. ¿Quienes somos? ¿De dónde venimos y a dónde vamos? ¿Por qué estamos aquí? La propia existencia es el gran acertijo el cual sólo lo saben las profundas aguas del océano del Caos. Éste es otro de los mejores temas del disco.

9. The Paraoh Sails To Orion. Otro de los temas ominosos y posiblemente el más impresionante del disco. Una vez más se vuelve a escuchar una voz masculina que le da un toque muy ominoso y siniestro al disco. Los instrumentos también suenan igual de ominosos (atención al piano que suena en la canción) al menos la primera mitad de la canción, incluso la voz de Tarja suena como si estuviera anunciando el Apocalipsis. La canción tiene un ritmo bastante rápido y enérgico. a mitad de canción hay un cambio de ritmo que vuelve el tema bastante más imponente y espectacular. El Faraón viaja (navega) a Orión, la “patria de los dioses egipcios”. Recientemente se ha descubierto en las Pirámides una Barca Sagrada, como si el Faraón hubiese pretendido realizar un viaje estelar. Orión, el lugar hacia donde están orientadas las Pirámides de Giza, uno de los lugares mágicos para el Antiguo Egupto, el otro es Sirio. Y allí espera evitando mirar al rostro del  dios Horus/Osiris/Seth (o Nyarlathotep, como lo llamaba Lovecraft). Monumental tema.

10. Walking In The Air. Se trata de una excelente versión del tema de Howard Blake que lleva el mismo nombre y que compuso para el filme “The Snowman”. La versión original está compuesta para niños pero esta versión posee una variedad instrumental mayor. Ya digo, majestuosa versión de un bonito tema, con guitarra melódica y cambio de ritmo incluídos.

11. The Sleeping Sun. El tema que cierra el disco. Otro tema muy melancólico y triste. La voz de Tarja es lo más destacable en esta canción, acompañada de sintetizadores también muy tristes y melancólicos. Los demás instrumentos suenan de forma tranquila. en el estribillo de la canción la voz de Tarja cambia de registro siendo más imponente y haciendo que a uno se le ericen los pelos. Cuando el sol se esconde la noche queda reflejada en el océano tranquilo y oscuro, donde también queda reflejada la melancolía, la tristeza y la pena.

12. Nightquest. El Bonus Track del disco. Una canción bastante heavymetalera. donde las guitarras eléctricas (aparece un pequeño solo de guitarra) tienen bastante protagonismo pero donde también el piano juega un papel muy importante, y menudas notas de piano. Un tema muy dinámico y vivo. La voz de Tarja también adquiere un tono muy vivo y dinámico. La temática es un tanto fantástica, la búsqueda nocturna de personajes fantásticos y de lugares de ensueño. Quizás es lo que trae o lo que inspira una noche mágica en “la Tierra de los Sueños”.

Los otros  temas son canciones en directo de tres de los temas de este disco (Sleeping Sun, Swanheart y The Paraoh Sails To Orion). El mejor disco de Nightwish se merecía una reseña (aunque tampoco está nada mal el disco Wishmaster) y por ello he hecho esta reseña. Hay discos que por mucho que pasen los años nunca envejecen ni pierden cualidades, al contrario, ganan en calidad y se convierten en clásicos, y este disco es un claro ejemplo.

Una foto de la banda en la época de la primera edición del disco (1998)…¡Sí, Jukka no tiene el pañuelo en la cabeza!:

Myriads fue formado en el año 1997 por Alexander Skottene (voz y guitarra), su hermana Mona Skottene (voz, piano/organo/teclados), Jan Petter Skretting (guitarra) y Rudi Jünger (batería y percusiones).

La música de Myriads es un poco complicado de categorizar, el grupo describe su música como una fusión de metal y sonidos clásicos con algunos elementos de folclore e industrial. La letra de las canciones es escrita por Alexande y Mona, están basadas en psicología, filosofía, sueños y la realidad con elementos dramáticos.

Si primer demo se tituló In Spheres Without Time, salió al público en 1998 y tuvo una muy buena recepción, consiguiéndoles un contrato con la disquera Napalm Records, que se estaba haciendo de muy buena fama por la excelente calidad de los artistas bajo su repertorio, regrabando las canciones del demo y cambiando la portada del disco y saliendo a la venta global en 1999.

Cinco canciones (pero de larga duración) componen este disco de 45 minutos en total:

1. Fragments of the Hereafter
2. The Day of Wrath
3. Spheres Without Time
4. Seductive Hate
5. Dreams of Reality

Seductive Hate:

En 2001 graban su segundo y último disco a la fecha, titulado “Introspection”, pero salió a la venta hasta 2002, este disco está más inspirado en la psicología que su primer disco, la música de este disco también está más elaborada, con más técnica, algunas canciones son más rápidas y pesadas que en su primer producción, quitándole mucho del protagonismo que tenía el primer disco y aumentando el uso de la guitarra acústica.

Probablemente en Myriads se dieron cuenta que no es muy práctico hacer canciones de tanta duración, y para este disco decidieron cortarlas… solo un poco, mi canción favorita del disco (Portal to the Mind) dura casi 15 minutos. 9 Pistas componen este disco de 74 minutos:

1. Enigmatic Colours of the Night
2. Miserere Mei
3. Inside
4. The Sanctum of My Soul
5. Portal to the Mind
6. Falling in the Equinox
7. Flickering Thoughts
8. Encapsulated
9. The Ascent

Portal to the Mind:

En 2003 Mikael Stokdal se retira de la banda por motivos de intereses musicales, Mikael ahora toca en Deathfare, una banda de Death Metal.

En 2010 sacan un pequeño demo con 4 canciones de lo que promete ser su tercer álbum, simplemente titulado “demo” ya que aún no tienen el nombre final para este disco, tienen prometiendo el disco desde 2007, así que espero no tarden mucho en terminarlo.

The Sanctum of my Soul:

Myriads fue de las bandas que me iniciaron en metal más pesado (antes era fan de Metallica, Mötley Crüe, Slayer, White Zombie y demás metal comercial), le guardo gran aprecio no solo por este aspecto nostálgico, sino por que a través de los años he confirmado que su música no pasa, la calidad musical de esta banda trasciende el tiempo.

Página web oficial: http://www.myriads.no

BURDENS, del año 2.006, fue su primer disco. Un disco con temas muy melancólicos, muy sobrio. La atmósfera de este disco ya nos adentra en unos paisajes musicales densos, lentos, oscuros, melancólicos (de hecho eso significa “Burdens”: carga pesada, pero no una carga física, sino emocional). En algunos temas se escuchan piezas de piano que acompañan la voz de Carmen (se notan influencias vocalísticas, muy marcadas, de Lisa Gerrard, incluso en su etapa en solitario). Los juegos de voces de Carmen, más tranquilos, más alterados, más agudos e inquietantes también acentúan la personalidad tan sombría de este disco. No todo son guitarras eléctricas pesadas, también hay guitarras acústicas en algunos temas. como se ve el talento de Blasphemer no deja de sorprendernos (guitarrista que considero injustamente subestimado, y que para mí es mucho mejor y más versátil que el malogrado Euronymous). Como se ve la calidad de este disco pasó muy desapercibida, ya que entonces Blasphemer todavía estaba componiendo en Mayhem y tenía otra banda de Black/Trash Metal llamada Aura Noir; sin embargo Ava Inferi no iba a ser un proyecto pasajero como se ha visto después.

THE SILHOUETTE, del año 2.007, ya fue un disco más trabajado y completo que el anterior (y eso que Burdens fue un disco muy bueno, pero muy discreto). Su primer tema “A Dança das Ondas” ya nos muestra una música más melancólica, más profunda y llena de dolor. Ese sonido de las olas mezclado con las guitarras acústicas  y la preciosa voz de Carmen nos introduce en un disco doloroso, pero a la vez bello. Por supuesto, las guitarras eléctricas pesadas muy distintivas de Blasphemer se escuchan en éste y los demás temas. El disco presenta más cambios de ritmos en sus canciones. También hay coros de voces que acompañan a Carmen en algunos temas.

Se puede decir que este disco fue un paso más y un trabajo más elaborado que el anterior. Pero ya digo que no todo son temas melancólicos, también los hay más sombríos, con algo más de velocidad, pero igualmente atmosféricos, con ominosas notas de piano, voces también ominosas (Carmen tiene una voz que puede ser igualmente dulce y fantasmagórica, cosa muy destacable y que no he encontrado en otras cantantes de bandas Doom/Gothic o simplemente góticas (sí que escuché voces similares en Dead Can Dance, voces de Lisa Gerrard). Temas que oscilan entre la melancolía y las atmósferas sombrías, incluso dentro de la misma canción hacen de este disco una danza de sonidos espectrales, de siluetas y sombras. Incluso hay algún tema cantado “a Capela”, es decir, sólo la voz de Carmen, para ponerse la carne de gallina, vamos. También hay más presencia de piano, y de algo más de velocidad en las canciones que en su primer disco. El juego de guitarras eléctricas y acústicas de este disco, así como las partes de bajo y los cambios de ritmo constantes junto con los registros vocálicos de Carmen le dan una variedad mucho mayor que el anterior disco: un paso más, y una manifestación clara de intenciones, y es que no son una banda más y no es un proyecto más de Blasphemer.

BLOOD OF BACCHUS, del año 2.009, ya supuso un salto cualitativo respecto a los discos anteriores. La Sangre de Baco es su título. Baco fue una deidad romana, representaba las fiestas, la lujuria, el vino (la sangre de Baco), de ahí la palabra “bacanal”; aunque en este disco representaba algo más. Blasphemer ya se centra totalmente en esta banda, pues el año anterior a la publicación de este disco abandonó la banda Mayhem; y se fue a vivir a Portugal, con su mujer, Carmen Simoes. Tras un primer tema instrumental y que se oyen ecos lejanos (voces de Carmen) femeninos el disco da paso a un tema muy inquietante llamado “Last Sign Of Summer”; un tema inquietante debido a unos acordes de guitarra muy marcados que dan paso a ritmos más ominosos alternándose la mayor parte de la canción, y creando una sensación y atmósfera de desazón y malestar, como si fuera el preludio de que alguna desgracia fuera a suceder. Incluso las voces de Carmen acentúan esa atmósfera de malestar y desazón. Posiblemente sea uno de los temas más reconocibles del disco.

Como ya he dicho al principio, este disco inicia una etapa en la que la música de la banda se vuelve más Doom, y menos gótica, es decir, abandona progresivamente la melancolía de los primeros discos y se adentra en atmosferas más sombrías y oscuras. Además Blasphemer utiliza más la guitarra acústica que en otras ocasiones. Los cambios de ritmo también son frecuentes así como los cambios de registros vocálicos de Carmen, incluso elevenado la voz a tonos más agudos de lo habitual. En el tema “Black Wings” también canta Carmen “a Capela”, pero esta vez le acompañan coros de voces masculinas. Casi “a Capela”, ya que se escucha un poco la guitarra acústica y lo que parece ser un violín. Un tema muy triste y bello. Ya digo, parecen los Dead Can Dance del Doom/Gothic Metal. Pero no nos engañemos, en los siguientes temas se acentúan los ritmos más sombríos, las guitarras más metaleras, los ambientes más pesados y las guitarras acústicas (algunas de ellas parecen guitarras españolas). Blasphemer no deja de sorprendernos con sus composiciones. Incluso  su último tema, llamado “Memoirs” el instrumento principal es el piano, un piano que manifiesta una inquietante y oscura tranquilidad, muy buen acompañada por la magistral voz de Carmen, por algún violín que se escucha brevemente y por las guitarras de Blasphemer. Otra canción memorable de este disco.

ONYX, del año 2.011, es un disco que continúa con el lado más Doom y siniestro del disco anterior. Diría que incluso es más “Heavy”, algo más duro. Así empieza su primer tema, con más dureza, y con una variedad en ritmos más notable. El título del disco hace referencia una piedra llamada ónice, una piedra muy oscura que tiene propiedades esotéricas de lo más variadas (como amuleto que protege, principalmente, pero también otras propiedades). Incluso en el mítico cuento/novela de H.P Lovecraft “La búsqueda onírica de la desconocida Kadath” se habla de esta piedra, concretamente se comenta que la ciudad de Kadath está hecha de esta piedra, de ónice…y allí el protagonista Randolph Carter (quien está soñando toda la historia) se encuentra con la figura fantasmagórica e inquietante del dios Nyarlathotep (acaso el Logos) y ego de Azathoth, el Caos Primordial (¿no será la figura de la portada una representación de Nyarlathotep?). De hecho en las letras de este disco se hacen varias alusiones a Lovecraft y sus historias.

Su tema “The Living End” es uno de los más destacados; con unas guitarras melódicas y otras rítmicas más pesadas así como sus cambios de ritmo y sus voces (Carmen canta, pero también Blasphemer) así lo atestiguan. Un tema muy bueno, tremendo (y eso que los demás también son muy buenos). Es un tema melancólico y siniestro a la vez. El resto de los temas van en una línea similar: temas más pesados, más oscuros pero a la vez melódicos. Digamos que es un disco  más “vivo” que los anteriores, más intenso. La canción “The Heathen Island” tal vez sea otra de las más destacadas por sus melodías tan melancólicas, y tan desgarradoras. No todo el disco suena igual, hay variedad, variedad muy intensa. Y su último tema “Venice In Fog” termina el disco de la manera más triste posible; una canción muy bella y triste. Con unas guitarras melódicas muy dolorosas. La voz de Carmen también muestra mucha tristeza, pero aun así se trata de una voz muy bella.

En definitva, Ava Inferi es una banda de Doom/Gothic Metal que vale la pena escuchar, muy buena. Nos muestra a un polivalente y polifacético Blasphemer y a una preciosa voz (Carmen Simoes). Una banda para aquellos verdaderos amantes de este género (y cuando digo verdaderos amantes no me refiero los fans de Lacuna coil, Evanescence, Within Temptation y bandas similares). Aquí os dejo unas imágenes de la banda.

Carmen Simoes en primer plano, y al fondo Blasphemer y sus dos compañeros.

Otra imagen de Carmen Simoes.

Y dos imágenes promocionales de su disco Onyx. En la imagen inferior Blasphemer aparece en primer plano, con un bastón, y detrás de él vemos a Carmen.

A estas alturas no necesita presentaciones este disco de los ingleses Paradise Lost. La imagen es la reedición de su famoso disco Draconian Times (de 1995), llamada “Legacy Edition”. Una edición de lujo, que cuenta con un CD con el disco remasterizado y algunas demos y un DVD con varios videos de la banda. También hay un libreto con imágenes relativas al disco (muchas de ellas no aparecieron en la edición de 1995). Hace 16 años de su primera edición, y tengo que reconocer que fue el primer disco de Paradise Lost que escuché. Posiblemente (casi con toda seguridad) es el disco más popular de la banda y, para la gran mayoría, su mejor disco. Es un disco de Gothic Metal propiamente dicho. El título y los temas hacen referencia a una época de tiempos draconianos, una época oscurantista. Dracón fue un legislador griego muy severo, así que el adjetivo draconiano se refiere a una época o sistema político o social peor que una dictadura. Parece casualidad pero con la crisis que estamos padeciendo en todo el mundo la reedición de este disco ha sido muy acertada…quizás no sea casualidad que lo reediten precisamente ahora; tampoco descartaría que después de esta reedición y gira que están haciendo la banda anuncie su disolución, y por ello han elegido reeditar el disco más querido por sus fans (y tal vez por ellos mismos). En cualquier caso recordemos una vez más estos doce “temas draconianos”.

1. Enchantment. Tras una breve y melancólica intro de piano entran las guitarras bajo y batería de forma pesada y rítmica. La voz de Holmes va acompañada de coros femeninos. Entre registros muy tranquilos y gritos agresivos pero a la vez melódicos escuchamos la voz de Holmes. Un tema muy rítmico y con melodías muy melancólicas. El trabajo de las guitarras es muy bueno (tanto las rítmicas como las melódicas). Es un gran tema para abrir el disco, uno de los mejores. Lo más llamativo, como he dicho al principio, son los coros femeninos que acompañan la voz de Holmes en algunos momentos de la canción.

2. Hallowed Land. Un inicio con guitarras melódicas que suenan como ecos distantes nos adentran en esta inquietante canción. Un tema algo más rápido que el anterior, más dinámico, y con un ritmo más marcado. La guitarras resuenan más y la voz de Holmes es más enérgica (esta vez sin coros). En un momento de la canción se escucha un piano y se relaja la voz de Holmes, para dar paso a otro ritmo más triste y otra vez al ritmo inicial. Y así hasta finalizar el tema, con un solo de guitarra cerca del final. Otro de los mejores temas del disco.

3. The Last Time. Esta canción además tiene un videoclip (que stá en el DVD). Se trata de un tema con un ritmo muy marcado por guitarras muy pesadas, y un estribillo muy característico. Un tema de estos que diríamos que es “para dar cabezazos” en los conciertos. También es un tema bastante enérgico, menos lánguido que su primera canción, y más lleno de energía. La alternancia de las pesadas guitarras rítmicas y las guitarras melódicas resulta muy interesante. Ya digo, un tema más propio del Heavy/Doom que del Gothic Metal. También se escucha cerca del final un solo de guitarra.

4. Forever Failure. Y volvemos a ritmos más lentos y melancólicos. Éste es otro tema del que también editaron un video (un tanto extraño). Tras unas voces de radio se inicia la canción. De ritmos muy lentos, muy melancólica. Holmes parece que esté dolido, de luto, alternando alaridos de angustia y voces más tranquilas. En cuanto a las guitarras predominan más las guitarras melódicas que las rítmicas. Digamos que la canción es similar en cuanto a melodías al primer tema: un océano de melancolía. Y también aquí casi al final de la canción se escuchan unos acordes melódicos (y de fondo esa extraña voz de radio que se escucha al principo del tema)  y un pequeño solo de guitarra muy triste pero a la vez muy bueno.

5. Once Solemn. La canción más rápida y enérgica del disco, la más Heavy. Desde el primer acorde va rápida y veloz. Con guitarras rítmicas pesadas y rasgantes, y también con guitarras melódicas muy buenas. Para que luego digan que Paradise Lost sólo hace canciones Doom/Gothic. Poco más puedo decir de este gran tema, otro de los mejores del disco donde también hay unos breves acordes melódicos de guitarra al final del mismo.

6. Shadowkings. Otra vez vuelven a predominar las guitarras melódicas y los ambientes épicos y melancólicos. Sin embargo las melodías no son lentas, sino más bien pesadas, ya que las guitarras rítmicas le dan esa pesadez. En casi toda la canción se puede apreciar esa alternancia de guitarras melódicas y rítmicas, incluso unos cambios de registro vocálico de Holmes entre gritos y una voz un tanto extraña pero calmada. Hacia la mitad de la canción los ritmos se ralentizan un poco para volver otra vez al ritmo inicial y así finalizar.

7. Elusive Cure. Unos acordes muy característicos de guitarra muy melódica, casi acústica son los que inician esta canción oscilante y a caballo entre el Doom y el Gothic Metal. Esa guitarra acústica aparece en varias partes del tema introduciendo ritmos más melancólicos y pesados y registros vocálicos alternantes en la voz de Holmes. Un tema muy elaborado y muy inquietante. Y como la mayoría de los temas finaliza con un breve solo de guitarra.

8. Yearn for Change. Otro tema que se inicia de forma similar al anterior: con una guitarra semiacústica y muy melódica. Pero sólo coincide en eso, ya que después el ritmo es más rápido que el del tema anterior. Pese a tener un ritmo más enérgico es, a su vez, melancólico. Varios solos de guitarra y partes melódicas breves se alternan en diversos momentos de la canción. Se trata, pues, de un tema un tanto más elaborado que el anterior. Otro de los mejores temas del disco.

9. Shades of God. Pese a que hay un disco de Paradise Lost con este nombre no tiene nada que ver con tal disco. Las guitarras melódicas incian este tema también melancólico y triste. Un tema que , a su manera, mantiene unos ritmos melancólicos, lentos y densos, como su primer tema. Sin embargo la voz de Holmes no es triste, y está acompañada de coros, pero esta vez masculinos.

10. Hands of Reason. La batería y el bajo son los que inician este tema, con unos ritmos un tanto tribales, a los que se le añaden las guitarras rítmicas con unos ritmos bastante pesados, y tras las voces de Holmes irrumpen las guitarras melódicas. Y así, alternándose las guitarras melódicas, las guitarras rítmicas y con variaciones en los registros vocálicos de Holmes según suenan unas guitarras u otras transcurre este tema. Un tema un tanto más elaborado que el anterior, con un breve solo de guitarra cerca del final.

11. I See Your Face. Otro tema que se incia con una guitarra semiacústica y al que le siguen las guitarras melódicas. Otro tema de Gothic Metal. El peso de las guitarras melódicas es mayor que el de las rítmicas. Un tema cuyas melodías dan la sensación de “resignación” y pena.

12. Jaded. Tal vez el tema más lento, más triste y más melancólico del disco. También es el tema que cierra el disco. Muy melancólico, muy melódico y muy doloroso (como la mayoría del disco). Se puede decir en en esta canción podemos ver lo que significa que Paradise Lost es una banda de Doom/Gothic Metal. Como dice el título están “hastiados” del mundo.

El disco tiene varias demos de sus anteriores temas y una demo inédita llamada Last Desire. Y como he dicho hay un DVD donde se pueden ver varios videos de canciones de este disco. Se trata de una buena manera de recordar el que ha sido su disco más representativo, y para muchos su mejor disco. Las letras de este disco hablan de desesperación de angustia, del dolor el tormento que es la vida…un sueño para muchos, una pesadilla para otros, y la redención que llega a ser la muerte. (Casi parecen extraídas de textos del filósofo Arthur Schopenhauer, como su obra “El Mundo como voluntad y representación”; él (Schopenhauer) también vivió una época draconiana: el final del Sistema Mercantilista y el nacimiento del Capitalismo Industrial (el actual, que ya está empezando a agonizar) con la Revolución Francesa y las Guerras Napoleónicas…y parece que nos va a tocar vivir algo similar  o peor, en nuestra época…que también acabará siendo draconiana).

Para finalizar os dejo unas imágenes de la banda, algunas son recientes, y otras de la época en la que salió a la luz el disco (1995):

Esta imagen (extraída de un póster de la banda) es de 1994 aproximadamente. Entre los discos Icon (1993) y Draconian Times (1994). Por aquel entonces su apariencia era más heavy.

…y esta imagen es más reciente. Se trata de una imagen promocional de su disco Faith Divides Us – Death Unites Us (2009). El único miembro que ha cambiado es el batería, actualmente es Adrian Erlandsson. Y la mayoría de ellos (ya entrados en años) ya no tienen tanta apariencia “heavy”. Como siempre, aparece en primer plano Gregor MacKintosh, guitarra melódica, compositor y líder de la banda (el “frontman” es Nick Holmes, el cantante, que está a la derecha de Greg, con el sombrero en su mano).

…y aunque en esta imagen tienen una apariencia más “heavy metalera” la verdad es que los años ya no pasan en balde ¿verdad?

No creo que a estas alturas estos alemanes necesiten presentaciones. Quiero aclarar que no han publicado ningún disco nuevo recientemente, sencillamente voy a hacer una reseña retrospectiva de una banda de la que fui fan hasta su disco Mutter (2001) y que, inexplicablemente, a partir de ese disco decidieron echar por tierra su talento musical (desde luego no se les puede negar que los videos de sus canciones están trabajados, pero no su música en sus tres últimos discos). La foto de cabecera es una foto promocional del que para muchos es su mejor disco: Sehnsucht (1997, que significa Nostalgia). Pese a que ellos recalcan mucho en decir que todos los miembros son importantes posiblemente el principal compositor sea Richard Z. Kruspe (guitarrista principal). Tampoco me voy a entretener a decir quien es quien, imagino que ya lo sabeis a estas alturas (y si no mirad la Wikipedia).

Esta es la portada de su primer L.P llamado Herzeleid (Pena del corazón) de 1995. En la portada la verdad es que parecen unos verdaderos maricones aceitosos, pero bueno, la provocación siempre ha sido una de sus principales características. En este disco hacían un tipo de metal industrial muy “freaky” deudor de bandas como Ministry. En el filme “Carretera perdida” (Lost Highway) de David Lynch aparecen al menos dos de sus temas: “Rammstein” y “Heirate Mich” (curiosamente el video de su famoso tema “Du Hast”, de su siguiente disco, es un guiño a esta película). Ya digo, un disco muy bueno y extraño, con temas muy buenos como “Weises Fleisch”, “Asche zu Asche”,”Heirate Mich”, “Du riechst so gut” o “la propia “Rammstein” por mencionar algunas. Y ya en sus directos se veía a unos Rammstein muy lllamativos y que les gustaban los espectáculos pirotécnicos o la estética un tanto futurista. Un disco recomendable.

Sehnsucht (Nostalgia) de 1997 fue su segundo disco. Con unas canciones más machaconas y pesadas este disco consiguió colocar a Rammstein en una posición respetable a nivel internacional dentro del panorama del metal, y del Metal Industrial en concreto. Este disco sí que recordaba y mucho a los discos de bandas tan legendarias del género (Metal Industrial) como Ministry o Fear Factory. Antes de seguir quisiera recalcar que esta banda ha cantado en su lengua materna, el alemán, en todos sus discos. Tiene muchos temas destacados pero señalaré algunos como: “Du hast”, “Engel”, “Tier”, “Buck Dicht” (del que hacen una actuación en directo un tanto especial), “Bestrafe Mich”. También imagino que sabreis que la voz femenina que aparece en su tema Engel es la hija de Richard .Z.Kruspe llamada Khira Li. En definitiva un disco aun mejor que el anterior, o al menos el disco que los catapultó a la fama, y uno de los mejores discos del Metal Industrial.

A esto me refería cuando hablaba de la interpretación en directo de su tema “Buck Dicht” (arrodíllate). Fotos muy homosexuales en su primer disco y estas mariconadas sadistas en canciones de su segundo disco (no se, a lo mejor le dan a todo, quien sabe).

Mutter (Madre) de 2001 supuso un cambio importante en la banda. El disco (que es, por cierto el que más me gusta de su discografía) ya mezclaba sonidos industriales con sonidos góticos y melancólicos. Las canciones no eran tan machaconas (aunque hubiera canciones muy agresivas como “Feuer Frei”) y estaban más elaboradas. Por decirlo de alguna manera fue el disco con el que tocaron techo, incluso en ventas. También tenía su edición especial un póster en el que aparecían ellos semidesnudos como si fueran bebés, vamos, algo así:

…sí, otra vez una imagen parecida al primer disco, pero algo diferente (el color del fondo y que la mayoría están con los ojos cerrados).

Ese mismo año pude ir a verlos en directo en un concierto que hicieron en La Vall d´Hebron (Barcelona). Para ello tuve que desplazarme en autobús desde Valencia. La verdad es que no defraudaron, y tuvieron como teloneros a los también conocidos Clawfinger (por cierto, mucha gente fue exclusivamente a ver a los suecos Clawfinger, y luego se fueron sin querer ver a Rammstein). De sus temas que son muy buenos destacaría algunos como: “Links 2-3-4″, “Mutter”, “Sonne”, “Ich Will”, “Feuer Frei”, “Adiós”…aunque todos son muy buenos temas. También son muy curiosos el videoclips de los temas “Ich Will” y  “Sonne”.

Una imagen de su videoclip “Sonne”.

Esta imagen del videoclip “Sonne” me sirve a la perfección para ilustrar lo que le sucedió a Rammstein a partir de este disco: cavaron su tumba musical (aunque aparezca la “Blancanieves cocainómana” del video). Parece como si Richard y Till estuvieran llorando porque se les acabaron las ideas a partir de ese disco. En cualquier caso Mutter fue la cumbre y, para mí, el final de una gran banda…

Reise, Reise de 2004 supuso un gran cambio A PEOR en Rammstein. Y parecía que no iba a ser así, ya que tras ver su videoclip “Mein Teil” todo apuntaba a que sería un disco similar al anterior. Pero nada más lejos de la realidad. Y pese a que publicó otro single bastante curioso llamado “Amerika” donde se hacía una crítica atroz a EE.UU  los temas poseían un contenido musical  muy pobre y descafeinado. Tal vez se escapen temas como “Keine Lust” el mismo “Reise, Reise”, pero insisto en que son temas bastante flojos. No voy a perder tiempo en describir este disco, no vale la pena; ahorraré palabras (y de paso evitaré arcadas a mi pobre estómago), pero aquí os dejo una imagen de su videoclip “Amerika”:

Imitando lo que parecía ser el primer viaje a la Luna: un montaje falso, un “Fake”.

Así, como la imagen de su disco Rosenrot de 2005, debieron estar los Rammstein en 2005: encallados y sin ideas. El disco cumple con la Ley de Murphy: es todavía peor, más soso y pobre que el anterior. Pero claro, esto tiene su explicación cuando uno descubre que los temas que componen este disco fueron compuestos durante las sesiones de grabación del disco anterior. Ellos mismos dijeron que plantearon editar un disco doble en 2004 (hubiera sido mejor) pero prefirieron editarlos por separado (prefirieron ganar más “pasta” con estas dos mierdas…por que eso es lo que son, sinceramente). Lo único que puedo destacar de Rosenrot son sus videoclips, muy trabajados eso sí, pero su música es muy floja, absolutamente prescindible, muy alejada de los mejores Rammstein. Podría decir que temas como “Benzin” salvan algo del disco, pero está muy lejos de ser como “Feuer Frei” o “Tier”. Podría seguir criticándolos sin piedad pero prefiero tirar la toalla, no merece la pena, ganamos todos en salud si obviamos estos discos.

Os habeis amariconado mucho, nenes ¿Qué os ha pasado?

Liebe Ist Für Alle Da (“El amor está ahí para todos”) de 2009 es lo más reciente de la banda (ya con el título y con la imágen un poco misógina de la portada uno piensa que se han amanerado del todo). Desde luego el disco recupera terreno perdido respecto a los dos anteriores. Sus primeros temas son bastante aceptables, (“Rammlied”,”Ich tu dir Weh”, “Waidmanns Heil”, “B*********”) sin embargo cuando llegamos al tema homónimo del disco y a partir de ahí hasta el final nos encontramos con la dura realidad: se desinfla poco a poco el disco, vuelve a ser flojo, como los dos discos anteriores, sólo el tema “Mehr” muestra algo de intensidad de la que antaño tuvo esta banda. Este disco demuestra que aunque es algo mejor que los anteriores es lo que llamamos un “quiero y no puedo”.

Como ya he dicho, para mí, Rammstein finalizaron tras su disco Mutter; lo que han hecho después es absolutamente prescindible, por mucho que sus fans más ciegos no quieran reconocerlo. Y si los desencantados quieren seguir escuchando Metal Industrial bueno pueden escuchar sus tres primeros discos o bien escuchar grandes joyas como : Ministry, Fear Factory, Clawfinger, N.I.N (hasta su disco Fragile, porque a Trent Reznor parece que también se le acabó un buen día la inspiración) o Strapping Young Lad en algunos discos con sonido industrial…me dejo algunos más pero NO DEBEIS confundirlos con la basura que se hace llamar “Nu Metal” (Linkin Park, Slipknot, System Of a Down) o las bandas neogóticas que siguen el rastro al “Nu Metal” (No Metal, diría yo) como Lacuna Coil (si no recuerdo mal Cristina Scabbia está casada con James Root, guitarrista de los Slipknot) o los penosos Evanescence (¿existen todavía estos últimos? no lo se, ni me importa).

¿Qué buscarán en el horizonte? su inspiración perdida tras su disco “Mutter”…y mientras Richard toca un Réquiem por la muerte musical de Rammstein.

Esta banda, originaria de Puerto Vallarta Jalisco, fue formada a finales del 2006 por Kedart (voz) y Norbak (teclados), comenzaron a escribir canciones con la finalidad de no encasillarse en un solo género, buscando complejidad en la letra de las canciones hablando de miedos, seducción, metáforas góticas llenas de libertad. Tiempo después se unen al proyecto Scarcrow (bajo), Geegee Bleeth (batería) y Zephar (guitarra).

En el año 2007 comienzan la grabación de su primer demo en los estudios Pierleblack en Tepic Nayarit, ayudados de la producción de Daniel Pier quien fue el encargado de la remasterización profesional y la dirección orquestal de este, pero no fue sino hasta el año 2009 cuando por fin fue liberada esta primer producción.

Gracias al apoyo que reciben de parte de Eyescream Productions la banda ha abierto conciertos para importantes bandas en conciertos en la república, tales como el concierto de The 69 Eyes este año.

El estilo de la banda se puede ubicar entre el Black metal sinfónico con un poco de gótico, con un protagónico uso de los sintetizadores en todas sus canciones, su primer disco consta de 9 canciones sumando un total de 35 minutos.

1. Intro
2. Profecía
3. Liturgia
4. Le Petite Morte
5. Emarebil
6. Siniestra
7. Demencia
8. Sentencia
9. Entrega (Bonus Track)

Emarebil:

Mi descubrimiento de esta banda es reciente, embrujado por la calidad de su música me sorprendí al saber que eran mis paisanos (de hecho somos del mismo estado: Jalisco). Son contados los casos de bandas mexicanas que sobresalen o me gustan (Hocico, Brujería, Transmetal) y Emarebil Nocturna me ha parecido que puede llegar a estar muy por encima de estas bandas si mantiene la calidad demostrada hasta este momento.

Así que Forever Is The World y el reciente E.P Addenda (Añadido) son sus últimos trabajos de estudio. De hecho Forever Is The World suena a “epílogo” de la banda ya que contiene elementos de toda su discografía anterior, incluso su portada es una protada que posee elementos de las portadas de todos sus L.Ps anteriores. Vamos a ver por última vez todos sus L.Ps y los músicos que participaron en tales discos.

THEATRE OF TRAGEDY (1995): Su primer trabajo (L.P) . Un disco que llamó la atención por el tremendo contraste de voces. La voz de Raymond era del estilo Death Metal, con gruñidos graves y la voz de Liv era de Soprano, muy dulce. Además las letras estaban en inglés antiguo. La música era más bien Doom/Gothic Metal, con pasajes lentos, guitarras muy agudas y un bajo que se distinguía bastante bien. La temática hablaba sobre el paso de la vida, la muerte, la apatía, la desesperación. “Carpe Diem, Memento Mori”  (Aprovecha el momento, recuerda que vas a morir) podría ser su lema…y que esta vida es un Teatro, hasta la última de sus Tragedias (así acaba la letra de la última canción). Ya digo, un disco muy sombrío, melancólico, Doom metalero, y lleno de contrastes. Evidentemente el tema más destacado es  “…A distance there is”, por sus pasajes de piano, la voz de Liv, los violines y la tormenta que se escucha de fondo; sin embargo yo también destacaría “Sweet Art Thou” por su carácter tan épico (y el tremendo cambio de ritmo que hay a mitad de canción). Y ésta era la formación de entonces:

Eran los comienzos de la banda.

VELVET DARKNESS THEY FEAR (1996):

Este trabajo fue considerado (y todavía hoy) uno de los mejores de la banda. Siguen los contrastes de voz del disco anterior, siguen las letras en inglés antiguo, y siguen con la temática del disco anterior, aunque con algún cambio: esta vez se centran más sobre la pérdida de la belleza a causa del paso del tiempo “Beatus Ille”. En este disco hay una mayor presencia de los sintetizadores y las guitarras son más melódicas; digamos que es un disco más agradable de escuchar que el anterior (no son tan agudas las guitarras como en su primer disco). Las canciones son más lentas, con más partes diferenciadas introducidas por cambios de ritmo y con un aire más “Barroco”.  Incluso hay algún tema en el que Raymond usa su registro de voz normal en algún pasaje. Fue el disco que los dio a conocer a nivel mundial; como consecuencia empezaron a imitar el estilo de este disco legiones de grupos “góticos” que empezaron a proliferar (de los que no creo que haga falta que diga su nombre ¿verdad?). El estilo seguía siendo Doom/Gothic Metal. De los E.Ps que lo acompañaron destacaría “A Rose For de Dead”. Y de sus temas destacaría ” Black As The Devil Painteth” o “The Masquerader And Phoenix” (gran final el de esta canción, que es la última de este disco).

Ésta es una foto promocional de la banda del disco “Velvet Darkness They Fear”.

AEGIS (1998):

Considerado por muchos fans como el mejor disco de Theatre Of Tragedy ya supuso un cambio en la la música (y en la formación de la banda). Aegis es un homenaje a la figura de la mujer, de hecho todos sus temas hablan de mujeres y su relación con tragedias que protagonizan o cuentan (“Lorelei, a poet of tragedies”). Aunque las letras siguen en inglés antiguo ya hay cambios notables: las guitarras son mucho más densas, y la voz de gruñido estilo Death Metal de Raymond sólo se escucha en un par de temas (Venus y Bacchante). En algunas versiones del disco aparecen los bonus Samantha y Virago (este tema también aparece en un E.P llamado “Inperspective”). También aparecen elementos electrónicos en sus temas que marcan la dirección hacia donde evolucionaría la banda. De sus temas, que son bastante buenos, destacaría “Siren” o “Lorelei” (aunque “Cassandra”,”Venus” o “Popaea” son muy buenos también).

Éstas son dos fotos promocionales de la banda durante la etapa del disco Aegis.

MUSIQUE (2000):

Este disco supuso un gran cambio radical en la banda. Las canciones son muy directas, utilizan inglés normal y las letras hablan de un futuro donde reinan las nuevas tecnologías (las llamadas TICs), donde todo está automatizado y el ser humano es un autómata. Incluso la presencia de la banda es de corte futurista. Raymond utiliza un registro sintético de voz, abandona los gruñidos. Incluso el estilo cambia: abandonan el Doom/Gothic para hacer un Electro Metal Gótico.  Hay mucha presencia de elementos electrónicos. De todas formas los elementos electrónicos no suponían tanta novedad como la que en un principio se creía, ya que en su E.P “A Rose For The Dead” de 1997  hay unas versiones muy electrónicas de algunos temas del disco “Velvet Darkness They Fear”, lo cual indica que ya en sus primeros trabajos tenían clara la evolución musical de la banda en discos posteriores. En cuanto a la formación también hay cambios, sólo hay 5 miembros (los tres principales, Raymond, Hein y Lorentz; Liv y Frank Clausen). A muchos fans no les gustó demasiado el cambio (el disco es muy bueno, pero no es Doom/Gothic) y dejaron de ser fans, sin embargo no hay duda de que la banda no seguía modas e hizo en ese momento lo que querían ellos. De sus temas destacaría “Fragment” o “Machine”.

Ésta es una foto promocional de la banda durante la etapa del disco Musique.

ASSEMBLY (2002):

Este disco supuso una continuación y depuración de los sonidos electrónicos y la temática iniciada por el disco anterior. Las canciones no son tan directas, de hecho algunas son lentas (no tan lentas como en los dos primeros discos). La voz de Raymond seguía siendo electrónica e incluso la de Liv en una canción también. Es un poco más electrónico que el anterior, pero también es muy buen disco. Uno de los detalles que más llama la atención en relación a este disco es que en su web algunos miembros de la banda (Raymond, sobre todo, pero también Hein y Lorentz, los tres miembros fundadores de la banda) comentan que entre sus grupos de referencia están los alemanes Kraftwerk o Neubauten (grupos de referencia de la música electrónica e industrial) aparte de Joy Division (de su tema “Decades” realizaron una versión que aparece en el E.P  “A Rose For The Dead”) o Bauhaus. En esta etapa vuelven a ser 6 miembros ya que contratan un nuevo guitarrista (Vegard Thorsen) que estaría hasta el final de la banda. Destacaría los temas “Universal Race” o “Episode”; aunque hay otros temas que también son igual de buenos.

Ésta es la formación en 2002, en la etapa del disco Assembly.

Y tras esta época se vuelven a producir cambios tanto en la música como en la formación. La banda decide prescindir de Liv Kristine ya que cada vez había más problemas durante las grabaciones de los discos (Liv grababa su voz en el estudio de su pareja Alexander Krull, líder de Atrocity, en Alemania, y eso le suponía problemas a la banda) y Liv no componía música, sólo cantaba. En definitiva, se cansaron de ella (otra cosa similar le ocurrió a Tarja Turunen de Nightwish). En sucesivas entrevistas Hein Frode Hansen (batería y miembro fundador de la banda) comentó al respecto (cuando le preguntaban por la expulsión de Liv) que lo importante era y es la banda no un solo miembro de la misma (opinión que comparto totalmente). Deciden contratar a Nell Sigland de la banda noruega The Crest.

STORM (2006):

Con la formación renovada publican Storm en 2006; un disco que resultó un sintomático regreso a sus orígenes, aunque no exactamente. Todavía conserva elementos electrónicos y las canciones son bastante directas como en el disco Musique. La voz de Raymond  es sintética en algunos temas (en varias canciones) y en otros temas (la mayoría) utiliza su registro normal (como en el disco Aegis). La voz de Nell es muy similar a la de Liv, incluso diría que es más dulce. Nell sí que sabe componer música (es profesora de música) y en este disco así como en el siguiente disco colabora bastante en la composición musical. Utilizan un inglés normal en sus canciones y la temática habla sobre las consecuencias de un posible cambio climático y el derrumbe de nuestra civilización. Hay temas que recuerdan a algunos de sus primeros discos como es su tema “Fade”. Se puede decir que el sonido del disco oscila entre el sonido del disco Aegis y el sonido del disco Musique. Destacaría temas como “Ashes and Dreams” o “Disintegration”, aunque, en general, todos sus temas son muy buenos.

Ésta es la formación de la banda en la etapa de su disco Storm, en 2006.

FOREVER IS THE WORLD (2009):

La portada de este disco representa elementos de todas las portadas de sus anteriores discos (las rosas, el terciopelo, el fuego, la mascarilla, las hélices y el símbolo del disco Storm), y la música también. Todos sus temas nos recuerdan a sus anteriores discos (no todos a la vez). De recordarnos a algún disco recuerda sobre todo al disco Aegis, al disco Velvet Darkness They Fear y al disco Storm; pero además en algunos de sus temas se escuchan violines, instrumentos que desde su primer disco no habían vuelto a utilizar. Los temas son en su mayoría lentos, muy elegantes, con cambios de ritmo y muy bien producidos. Raymond utiliza en algunos temas su registro normal de voz y en otros su gruñido estilo Death Metal que utilizó en sus dos primeros discos. La temática es un réquiem por todo en general, por la humanidad que algún día desaparecerá; también se habla del “Carpe Diem”, por la necesidad de realizar sueños, ilusiones, y sobre todo se recalca que el mundo es para siempre; en definitiva se habla de que aprovechemos el momento porque el tiempo pasa, nos marchitamos, y el mañana podría dejar de existir (se hace referencia en algunas letras a la voluntad de realizar nuestros sueños y luchar contra nuestros temores).  Todos sus temas son muy buenos pero destacaría temas como: ” Hide and Seek“, “Hollow”, “Frozen” o “Deadland”.

Y ésta es una foto promocional de la banda de su disco Forever Is The World, de 2009.

En marzo de 2010 la banda publicó otra edición de su último disco llamada  Forever Is The World Tour Edition, que contenía el disco con su Bonus Track y un E.P llamado “Addenda”. El E.P tiene remezclas, algunas caras B de su disco Storm, el Bonus Track de la versión de vinilo de su último disco (llamado “The Breaking”) y dos remakes, uno de su tema “Deadland” (hecho por su anterior guitarrista Tommy Olsson) y el otro de su tema “Frozen” (hecho por el responsable de la mesa de producción de Theatre of Tragedy, Ambrosius). Personalmente me grabé en un Cd su último disco y le añadí estos tres últimos temas que menciono en este orden, destacando sobre todo la versión de Frozen, mucho más triste, más hermosa, ideal para finalizar el disco y su discografía. Así pues, ha sido un placer ser fan de Theatre of Tragedy, y les deseo lo mejor en su nueva etapa.

Algunas fotos de sus miembros.

Otra foto de la banda en 1996.

Liv Kristine en la etapa del disco Velvet Darkness They Fear.

Liv y Raymond en 1998 (disco Aegis).

Nell Sigland.

Liv Kristine y Nell Sigland. Las dos cantantes que ha tenido la banda.

Su primer canción: Stoa apareció en el año 1992 en una compilación llamada From Hypnotic … to Hypersonic del sello discográfico Hyperium. Ese mismo año Stoa produce su primer disco: Urthona (una parte de los 4 Zoas que componen a Albion, el gigante hijo de Poseidón, según la mitología del poeta y pintor inglés Willian Blake), un hermoso disco lleno de poéticas melodías melancólicas, oscuras y llenas de misterio. 11 pistas componen este primer LP, tomando inspiración de poetas como William Blake, Kai Uwe Skerra, Alfred Lord Tennyson, Samuel Rogers y Alfred Lord Tennyson.

sToa – Urthona (1992), portada original

Infant Joy:

Dos años después (1994) sToa produce su segundo disco: Porta VIII, disco compuesto por 9 pistas inspirado en la ópera de Paul Dukas: Ariadne et Barbe Bleue (Ariadne y Barbazúl). Aunque este disco es más instrumental que el anterior, mantiene la escencia y estilo que ha caracterizado a esta banda, todos los lyrics de este disco están en latín.

sToa – Porta VIII (1994), portada original

Mors:

Después de una pausa de siete años, sToa vuelve al escenario con una nueva voz: Antje Buchheiser, sustituyendo a Conny que, al igual que esta última, es violinista y ha participado como corista en varias piezas de música clásica, además de otro nuevo integrante: Christiane Fischer, quien toca el Violonchelo y hace la 2da voz en los conciertos.

Con estos dos nuevos integrantes sale a la luz en el año 2001 el disco Zal (nombre de un legendario guerrero persa), un disco más poético que sus anteriores producciones, rico en arreglos de cuerdas, piano y menor uso de sintetizadores; las 11 melodías que componen este disco están inspiradas en poesías de James Joyce, Sam Rosentbal, Keiji Sayama, Paul Verlaine, William Shakespeare, William Blake y Boetbius. Como artista invitado está Barbara Uble en el Oboe.

sToa – Zal (1994)

I held the moon:

Seis años después (2008) se vuelve a saber de sToa con su nuevo disco: Silmand, que viene a significar algo así como Mes del alma, haciendo un fuerte cambio en el estilo musical que había mantenido esta banda, además de que en este disco se hace notar más la presencia de Christiane Fischer por el protagonismo del chelo, la banda incursiona en un estilo más Pop, alegre y folklórico (que personalmente no me gustan) en piezas como Broken Glass, Palldium y A Drinking Song, aunque en la mayoria de las piezas mantienen ese hermoso estilo melancólico y misterioso.

sToa – Silmand (2001)

La banda ha tenido una muy buena recepción en México, de los pocos paises donde la banda ha ofrecido conciertos, su última visita fue a este país fue en octubre del 2009.

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