El nombre de la bandam Nachtblut es una amalgama de las palabras Noche y Sangre en Alemán, (algo asi como decir “Noche de Sangre” o “Noche sangrienta”), la banda fue formada en el año 2005 en la ciudad alemana de Osnabrück por Sacerdos (Voz, Bajo), Askeroth (Voz), Greif (Guitarra), Skoll (Batería) y Lymania (Teclados). Su estilo musical es un Black Metal muy melódico… aunque creo que encajan más dentro del Dark Metal ya que su música no tiene mucho de diabolica (que es uno de los fundamentos del Black Metal), más bien los temas de sus canciones son de carácter político y problemas sociales. Durante los primeros años de la banda logró hacerse de algo de fama en la escena underground alemana gracias a su primer concierto en 2007.

Su primer trabajo, titulado Das Erste Abendmahl (la primer cena), salió a la venta en junio del 2007, al no tener una disquera que los patrocinara fue publicado por ellos mismos, pero gracias a este disco se les abrieron las puertas a más fama, dandoles la oportunidad de que abrieran conciertos para bandas de renombre como Immortal, Sodom, Watain, Varg, Endstille y muchas más.

1. Intro
2. Ketzer
3. Schreckenschor
4. Nie Gefragt
5. Heiliger Krieg
6. Mein Gebieter
7. Kindstod
8. Des kleinen Herzens Letzter Schlag
9. Augenschein
10. Blutgerüst
11. (pista oculta)

Intro comienza con un ritmo de latidos de corazón seguidos por unos golpeteos metálicos, seguido por un ritmo electronico acompañado de sintetizadores, es una pieza corta para abrir telón.

Ketzer (Hereje), nos presenta el estilo musical que caracteriza a esta banda, ritmos melódicos de unas guitarras electricas fuertes, sintetizadores y un par de voces, unos susurros y la voz black del vocalista, me encanta la mágia que transmite una simple melodía de piano casi al final de la canción.

Schreckenschor (coro de terror) comienza con un sintetizador emulando unas voces corales, seguido de otro sintetizador con una melodía que suena un poco medieval y la batería como acompañamiento, abriendo paso para las guitarras eléctricas y al vocalista. Aunque es una buena canción no destaca en el disco.

Nie Gefragt (nunca preguntó) es una de mis piezas favoritas del disco, quizá por el intenso uso de los teclados y lo bien llevada la melodía durante toda la canción. Comienza con un sintetizador que acompaña al piano, guitarra y sonidos de cuerdas (hechas con sintetizador), aquí el vocalista hace dos cambios de voz, entre limpia y voz black (de troll como suelen decir), la melodía parece sacada de una caja musical… con el toque de black metal correspondiente que agregan los demás instrumentos.

Heiliger Krieg (guerra santa) eleva la velocidad y agresividad del estilo musical… como que aquí quisieron hacer parecer más black metal su música. Además de las guitarras aquí agregan a la sopa sonidos de cuerdas y algo que parece el sonido de un violín que es tocado como guitarra (vamos, ese sonido de “requinto” pero en violín).

Mein Gebieter (mi maestro) continúa con el estilo velóz de la anterior pista, comienza con una guitarra acústica que abre paso a una veloz batería y guitarras, algunos cambios de tiempo y bueno, a mi gusto algo repetitiva.

Kindstod (infanticidio/muerte infantil) Aquí cambia un poco la cosa, el ritmo parece más industrial, guitarras repetitivas, tono rítmicos muy marcados, aunque en momentos se acelera, como si estuvieramos escuchando Rammstein con voz Black.

Des kleinen Herzens Letzter Schlag (el último latido del corazón) otra de mis favoritas del disco… si, también tiene mucho teclado, vuelven a retomar el estilo melódico de las primeras canciones, es una canción triste y fuerte, habla de la muerte de una pequeña niña que fue violada y masacrada y la maldad inherente en los hombres.

Augenschein (apariencia) después de una pequeña introducción de cuerdas toma algo de velocidad con las guitarras, la canción agrega algunos sonidos de organo de iglesia pequeña, cuerdas, latidos para agregar un poco de variedad al ritmo.

Blutgerüst (andamio) es una buena canción para cerrar el disco, muy melodica, con sonidos de piano y cuerdas como acompañantes de las guitarras, algo lenta pero agradable.

Para el 2009 producen su segundo disco, titulado Antik (Antiguo) un disco aún más melódico que el anterior, con una mejor calidad de sonido, además que se puede apreciar un mejor dominio de los instrumentos.

1. Antik
2. Ijobs Botschaft
3. Die Blutgräfin
4. Gedenket Den Toten
5. Die Mutter Die Ihr Kind Verlor
6. Sturz Des Ikarus
7. Kreuzigung
8. Hexe
9. Des Menschens Kunst Blindheit Zu Säen
10. Kreuzritter

El disco comienza con la canción que da título al disco: Antik (antiguo), una pieza con un ritmo agradable para los headbangers, agradable ritmo de las guitarras acompañadas de sintetizadores y un piano al fondo, la letra hace referencia a la vejez y el sentido que le da la cultura actual a los ancianos… La vida es una guerra y la muerte es la paz eterna.

Ijobs Botschaft (mensaje de bob), un ritmo primitivo de la batería da apertura a unas melódicas guitarras industriales, la canción habla de un acaudalado sujeto a quién le son arrebatados todos sus bienes, y su esposa e hijos muertos por lo que parece ser un tornado o algo asi (algo del viento), no conozco mucho la biblia pero parece un pasaje sacado de esta.

Die Blutgräfin (la condesa sangrienta) una canción dedicada a la condesa Bathory, sus primeros años como gente de la realeza, su obsesión por mantenerse bella y sus rituales donde se bañaba en sangre de jovenes virgenes para mantener su belleza.

Gedenket Den Toten (recordar a los muertos), aunque el ritmo de la canción se parece mucho a la pista anterior tiene elementos que la distinguen, el sintetizador de fondo emula la voces de un coro, la letra de la canción habla sobre un remordimiento de la cantidad de muertes que generan las guerras y de lo agradecido que estan lo sobrevivientes de ver cada nuevo día.

Die Mutter Die Ihr Kind Verlor (la madre que pierde un hijo) es la canción más triste del disco, un melancólico piano acompaña a las guitarras y a un sintetizador que hace de coro. La canción habla del dolor que siente una madre al perder a su único hijo que murió ahogado, no puede olvidarlo y sigue haciendole ropa, preparandole comida y cantandole canciones.

Sturz Des Ikarus (la caida de Ícaro). En la mitología griega Ícaro se fabrica unas alas con plumas de aves y las pega con cera de velas, logra volar cerca del sol pero el calor de éste derrite la cera de las alas y hace que caiga de gran altura hacia su mierte, la canción habla precisamente de este acontecimiento y como su padre Deadalus lo ve caer y morir.

Kreuzigung (crucifixión) una excelente pieza, rítmica con buenas guitarras y batería, un organo de fondo acompaña la melodía durante toda la canción, la pieza como bien habrán intuído habla sobre la muerte del mesías de los cristianos y de cómo pide perdón a Dios por los actos que están cometiendo… perdonalos porque no saben lo que hacen.

Hexe (bruja) una muy destacable canción, acelerada en momentos para hacerla parecer más Black Metal, la canción habla sobre la santa inquisición y su feroz caceria por acabar con todo lo hereje.

Hoy día ya tienen contrato con la famosa disquera austriaca Napalm Records, por lo que debería ser más facil conseguir su material… aunque yo no he tenido suerte en conseguir su música en formato físico.

Des Menschens Kunst Blindheit Zu Säen (la cegera del hombre hacia el arte de sembrar) critica principalmente la religión judía y sus creencias de no comer carne de cerdo, rebajar a la mujer, los crímenes de honor, el fanatismo, el Ramadán, la apostasía… buena pieza pero no destaca lo suficiente en el disco.

Kreuzritter (cruzado) nos traslada al medievo y los ideales en los que creían esos “soldados de Dios” para cumplir los caprichos de la iglesia, vaya tiempos obscuros.

El disco tiene además una canción oculta de aproximadamente 6 minutos de duración, muy buena he de agregar, pero que no he podido conseguir la letra de la canción para saber sobre que habla.

Página web oficial: www.nachtblut.com

Así de sencilla y aparentemente simple es la portada del nuevo trabajo de Samael llamado Lux Mundi. Su título significa “La Luz del Mundo”. Y puede parecer muy obvio el título pero desconcierta cuando vemos la portada, toda de color negro y con una imagen en el fondo la cual parece ser unos rayos de energía (cuántica, tal vez). No es casualidad que sea precisamente negra esta luz o brillo; pese a que Vorph juega al despiste o a no saber el significado imagino que sabrá que el Fuego (o brillo) Negro (así lo dice La Doctrina Secreta de Blavatsky en su tomo Antropogénesis) es el brillo y fuego de la Sabiduría, de Lucifer (quien también es Samael y/o Baphomet), y Lux es otro de sus nombres (como el nombre céltico Lug). Así que deduzco que el disco trata de la luz de nuestro mundo, es decir de la relación entre Lucifer (el primer nacido del Caos) y de nuestro mundo (acaso una de sus creaciones, como demiurgo). Quisiera recordar que en cuanto a temática es una continuación del disco anterior, Above; es más si os fijáis en la portada de Above (podeis mirad la reseña que hice del mismo en 2009) parece que la criatura de la portada sea el Demiurgo que está “soñando” (así lo dice la mitología y filosofía hindú y oriental, incluso el filósofo alemán Arthur Schopenhauer) y lo que parece que está en su “vientre” es nuestro mundo, con lo cual nos da su “luz”. (aunque no va conmigo hacer propaganda os aconsejo una web llamada www.syti.net, y un apartado llamado “Mandala Room”. Como veis no es fácil sacar a la luz la temática de este disco. De su música he de decir que es un híbrido entre el disco anterior (pero tranquilos no es tan Blackmetalero) y su mítico Passage (que también reseñaré, se lo merece, pues tengo que reconocer que es el mejor disco de Samael). La estructura de los temas es casi idéntica a la de los temas del disco Passage, incluso hay un tema llamado “Of War” que tiene una estructura musical muy similar al tercer tema del Passage llamado “Jupiterian Vibe”, y si no os lo creeis escuchad ambos. Esto es muy positivo, ya que el disco por decirlo de alguna manera hace una mirada retrospectiva a toda su discografía, y es el resultado de toda esa evolución. Al final de la reseña colocaré una imagen que, siendo anterior, tiene algún elemento en común a la portada de este disco (quizá no sea casualidad). Veamos los temas del disco, de los cuales veo una doble lectura.

1. Luxferre. De manera enérgica y veloz comienza el disco. Con guitarras ásperas , con una batería muy dinámica y con unos sintetizadores colocados en dosis exactas. La voz de Vorph sigue recordando el registro blackmetalero de su anterior disco. el estilo puede clasificarse como una mezcla entre Black/Death/Industrial Metal melódico. El título es un juego de palabras y un guiño a Lucifer en su verdadero significado: el portador de la Luz de la Sabiduría, que nos alumbra con su luz y nos abre los ojos. Uno de los rasgos distintivos a nivel musical es su estribillo un tanto machacón.

2. Let My People Be!. Un tema que se inicia un tanto calmado pero tras un cambio de ritmo entran unos ritmos sincopados y contundentes. Conforme avanca la canción se añaden más elementos y detalles (más doble bombo, más densidad en las guitarras, el bajo y los teclados) y suena cada vez más fuerte. Se trata de un efecto que, imagino, pretende  dar la sensación de “reafirmación”. ¡Dejad a mi gente en paz! ¡Dejad vivir/existir a mi gente! (¿es el Demiurgo quien dice eso?)…ese es el tema principal de la canción. Una reafirmación de la libertad, de la liberación de ser uno mismo y no ser exclavo de nadie.

3. Of War. Este tema tiene una estructura muy similar al tema “Jupiterian Vibe” del disco Passage. Un tema pesado, muy plomizo, machacón; sus sonidos son más propios del Death Metal pesado. No va a mucha velocidad, sin embargo la sensación de pesadez se nota a lo largo de toda la canción. Los sintetizadores se entremezclan bastante bien con el resto de los instrumentos (incluso hay alguna que otra melodía oriental, casi árabe). La guerra es lo que más marca y ha marcada la historia de la humanidad. Decía Vorph que el tema es también un recordatorio a guerras como la última guerra de Irak…una guerra que se inició en 2003, y este tema es el tercero del disco, que casualidad…o no.

4. Antigod. El single extraído del disco. Un tema muy equilibrado. Va a más velocidad que la canción anterior, y posee más variedad. Incluso diría que es más melódico, ya que son los sintetizadores los que marcan los cambios de ritmo, o al menos los acompañan con más frecuencia. Ya digo, un tema bastante melódico y a la vez rítmico, pero muy metalero, muy variado y con muchos cambios de ritmo. Vorph dice en las letras que es el “Antidios” que se ha liberado a sí mismo (otro concepto muy teosófico y esotérico: cuando seamos realmente libres seremos semidioses, como si creáramos nuestra realidad…recomiendo otra web que leo asiduamente: Pijamasurf, si buscais bien encontrareis cosas interesantes que pueden estar relacionadas con las letras de esta banda), y al final dice que es Dios; en realidad ya lo decía Blavatsky “Demon est Deus inversus”. Y es así.

5. For A Thousand Years. “Durante mil años”. Otro tema a medio tempo, donde predominan las guitarras rítmicas. Sin embargo la voz de Vorph es más tranquila en sus inicios, pero no en toda la canción. Pese a que predominen las guitarras rítmicas el tema es, lineas generales, tranquilo y un tanto melódico. La percepción del tiempo, la eternidad, su comparación con la vida humana, con la mente humana (tal vez un guiño al concepto del Universo Holográfico que nos interconecta a todos y todo con el TODO a través de nuestra mente) utilizando como referente temporal los milenios…un registro de tiempo muy usado en textos esotéricos y exotéricos (como la Biblia).

6. The Shadow Of The Sword. “La sombra de la espada”. Con unos riffs y unas notas de sintetizador inicia este tema más rápido y enérgico que los dos anteriores. Un tema donde los sintetizadores tienen un protagonismo considerable y marcan los cambios de ritmo más y menos rápidos. la voz de Vorph es un tanto extraña, parece pasada por algún filtro, no gruñe al estilo blackmetalero…y es entendible lo que dice durante todo el disco, curioso por otra parte. La temática de la canción trata sobre la época actual: la Edad media del Siglo XXI. Una época oscurantista y paulatinamente “draconiana” (ya os suena esta palabra, supongo), una época donde se comercializa y se banaliza todo, hasta los valores humanos. Ya nos estamos dando cuenta todos de los cambios que están aconteciendo poco a poco, cambios que podrían ser “orwellianos”.

7. In the Deep. Con sonidos tribales se inicia este tema, el tema más querido del disco por sus fans más acérrimos. Unos riffs muy característicos y unas melodías oscilantes y un tanto apocalípticas acompañan a la voz de Vorph…“llámame Samael…mil millones de años atrás cuando el sueño tomó forma…yo ya estaba allí”. Con un estribillo muy enérgico y rápido (con doble bombo de batería) acompañado de sintetizadores, alternado con ese ritmo oscilante del principio se desarrolla la canción. Desde las profundidades del Caos (las aguas del Caos, la Noche, Lilith) nació el primogénito Lucifer/Samael/Baphomet/Lug, que a su vez es hijo y esposo de Lilith (así lo comenta Blavatsky en su Doctrina Secreta). Y en su sueño crea los mundos y a los seres. Letras y música fusionadas en un gran tema.

8. Mother Night. Se trata de “la balada” del disco, del tema más melancólico. Y así parece ser cuando se inicia, sin embargo tras los primeros compases de música melancólica y melódica el ritmo cambia a otro un tanto más seco, y la voz de Vorph se endurece más, volviéndose casi deathmetalera. Reflexiones existenciales sobre la vida, el dolor, la tristeza, la angustia y nuestras vivencias. Siempre nos queda en el recuerdo las malas experiencias. El abrazo de la Madre Noche (¿acaso Lilith?) nos hace reflexionar sobre eso, y sobre cómo aprender a disfrutar del momento y ser libres. En otros tramos de la canción vuelven las melodías y en otros las partes rítmicas. Pero en definitva es el tema más melancólico y triste del disco.

9. Pagan Trance. Con unas voces sintéticas y unos ritmos que parecen de marcha marcial se inicia la canción. La voz de Vorph y la música es a la vez tranquila al principio, pero poco a poco va adquiriendo intensidad. Los sintetizadores le dan un toque un tanto épico y melancólico a la vez. La conexión del ser humano con la naturaleza, con la Tierra, el Sol, el aire, el agua… y con su espíritu femenino es la temática princiapl. Un tema que, pese a no ser melancólico sí tiene un aire de cierta tristeza. Un trance que nos une con la Tierra y la naturaleza, porque nuestra conexión con el telurismo de la Tierra y los elementos naturales es la máxima manifestación del ocultismo.

10. In Gold We Trust. “En el oro confiamos”. Desde luego, cuando hay una crisis muy dura el oro es el referente. Pero no es exactamente de lo que habla la canción. Un tema con más velocidad que los anteriores. Un tema inquietante, con cambios de velocidad, y más energía en el estribillo. Un tema donde se entremezcaln muy buen los sintetizadores y las guitarras, muy metaleras, melódicas y rítmicas a la vez. Esta energía y “autoridad” musical es la sensación que nos transmite el tema y su conexión con las letras; letras que hablan de la ambición, del poder de “Don Dinero”, con el oro como su máximo valor. Una crítica a la Plutocracia que nos gobierna (no hay Democracia real), y que siempre nos ha gobernado. De este tema sabrán mucho los Samael, ya que son helvéticos, suizos, vamos. (¿sabíais que de las 10 multinacionales corporativas que controlan los recursos naturales 8 de ellas tienen sede en Ginebra? además ninguna de ellas cotiza en Bolsa. Allí también está el CERN, con su Hadron Collider y su Shiva Nataraja que lo preside…¿sabéis el significado de esta estatua, la más simbólica de La India? Su relación con el Universo/Multiverso cuántico es total, leed si podéis el libro “El Tao de la Física”).

11. Soul Invictus. Unos ritmos  de batería contundente y guitarras sincopadas son los que inician este tema, que, si bien no es muy rápido, sí da la sensación de “autoritario”. Vorph canta con su registro blackmetalero. Ritmos tribales de batería vuelven a aparecer (ya aparecen otros ritmos tribales en su tema In The Deep), muy contundentes. Los sintetizadores acompañan muy buen al resto de los instrumentos. Las almas que encontrarán la verdad en sí mismas viajarán hacia el infinito (volverán al TODO) desde esta realidad que es soñada por el demiurgo. Alcanzarán su cénit, brillarán como soles (de ahí el juego de palabras) y serán UNO con el TODO y el Universo/Multiverso.

12. The Truth Is Marching On. Unos extraños sonidos dan paso a un ritmo muy rápido, totalmente blackmetalero, y a unos sintetizadores muy peculiares. vuelve el ritmo rápido y machacón. El tema es más propio de las canciones del disco anterior, y, posiblemente sea el tema más rápido y lleno de energía del disco. curiosamente éste tema y la primera canción (Luxferre) son los dos más rápidos y contundentes. Aunque hay pasajes menos rápidos éstos son más contundentes y cargados de “tensión”. También se escuchan sintetizadores que acompañan a los demás instrumentos. La Verdad está en marcha, viene de camino, la ascensión, el momento del despertar de las conciencias. Y claro, no es casualidad que sea el duodécimo tema, ya que ¿no es a partir de 2012 cuando aparece la verdad, y el cambio, y se inicia progresivamente la Nueva Era? Los que se liberen de la “exclavitud invisible”, los que despierten su conciencia…para todos/as ellos/as que se liberarán se les abrirán las puertas de la verdad. Y no es casual que la portada del disco sea negra, La Luz viene de la oscuridad del Caos, y en la oscuridad se ven las cosas más claras.

Parece como si cada canción representara un año de la década que dejamos atrás y se inicia en 2001 (los atentados del 11S, acaso su relación con Lucifer, metafóricamente hablando…o no). La Guerra de Irak en 2003. 2005, el año que se manifestaron con más claridad catástrofes naturales que son (según científicos que no pertenecen al IPCC, organismo de vendidos) prolegómenos de una inminente glaciación ¿milenaria?. 2007 y 2008, los años del inicio de la Muy Gran Depresión (oscuridad) económica a la que asistimos, y los resquebrajamientos de los cimientos sociales y económicos mundiales en 2010 (se disparó a partir de ahí el precio del oro)…el inicio de la toma de conciencia (de Almas Invictas que no pertenecen a la masa “borrega”) en 2011…y el inicio de la verdad a partir de 2012. ¿Acaso no significa Revelación la palabra Apocalipsis?. A esto me refería con la doble lectura del disco. Un disco para reflexionar. Si bien el Passage fue más innovador en su momento (Lux Mundi es un disco con elementos de todos sus anteriores discos) las letras de este disco son más reveladoras (las letras del Passage no tienen ningún desperdicio) y no olvidemos que es una continuación en cuanto a lírica (letras) del disco anterior, Above.

Para finalizar una imagen del dios lovecraftiano Azathoth (El Caos, el TODO) del dibujante mancuniano (de Manchester) John Coulthart. Fijaos que lo que aparece arriba y abajo de la “boca” central parece haces y rayos de energia cuántica simolares a la portada del disco…¿casualidad? no lo creo.

“Élégie” (1.899), o Elegía del pintor francés William Adolphe Bouguereau ha sido la imagen que ha elegido Varg Vikernes para la portada de su nuevo disco titulado Fallen (Caído). Un disco que, en palabras de Vikernes, tiene reminiscencias de sus dos primeros trabajos: su disco homónimo “Burzum” y su disco “Det Som Engang Var”. También es una evolución de su disco anterior, “Belus”, con bastantes novedades. La verdad es que así ha sido, el disco presenta novedades bastantes interesantes y abre la puerta a una evolución del sonido de Burzum; evolución positiva por mi parte. El disco,entre otras novedades, no tiene sonidos minimalistas como en prácticamente todos sus discos anteriores, es decir, que en sus temas apenas hay acordes y notas que se repiten hasta la saciedad como sucede en algunas canciones de sus anteriores discos (de hecho incluso su disco Belus también tiene dos temas minimalistas, especialmente su última canción). La otra novedad es que en este disco Varg Vikernes no utiliza únicamente su registro vocálico blackmetalero sino también su voz normal. La música no se centra exclusivamente en el género Black Metal, también explora otros terrenos del metal como el Dark Ambient, cosa positiva, por otra parte. En cuanto a la temática es un tanto difícil de explicar, pero parece que Varg Vikernes hace una introspección de su propia vida utilizando la metáfora del autosacrificio del dios nórdico Odín (o Wotan) para obtener la sabiduría de las runas (Odín sería el equivalente al Logos, y su Alter Ego es Loki, el padre de la diosa Hel), del mito del Árbol del Mundo (es un fresno) llamado Yggdrasil y de los mundos que hay en él y bajo él (Asgard, Nifelheim, Muspelheim, Helheim, el Ginnungagap o caos primordial el cual es el origen de todo, inclusive de Yggdrasil). Odín pasó nueve días en este árbol y sus nueve mundos para obtener la sabiduría de las runas (una especie de autosacrificio). Vikernes compara su vida con un autosacrificio, una caída y bajada a los infiernos de Hel y un renacer de sí mismo. Desde luego en este disco se ve muy claro que Vikernes es “odinista” como él mismo ha dicho en varias entrevistas. Veamos los temas del disco.

1. Fra Verdenstreet (Desde el Árbol del Mundo): Es un tema muy breve, de poco más de un minuto. Se trata de una introducción. Se escuchan murmullos de voces susurrantes y el sonido de un ruído distante que se acerca cada vez más.

Ésta es la representación del Universo según la mitología escandinava; el Árbol del Mundo y los Nueve Mundos.

2. Jeg Faller (Estoy cayendo): Unas guitarras rápidas y nerviosas inician esta canción. Tras unos acordes la canción se vuelve oscilante y atmosférica con un sonido muy reconocible. La voz de Vikernes es, al principio y en algunos pasajes, blackmetalera; y en otrs pasajes (estribillo) utiliza su registro vocálico normal. Incluso en algunas partes se diferencia bastante bien el bajo. En definitiva, un tema muy ambiental.

3. Valen (Caído): Otra vez vuelven las guitarras a iniciar otro tema, pero esta vez más oscilantes y más ambientales: La voz de Vikernes se alterna con gruñidos blackmetaleros y su registro normal. Tal vez sea el tema del disco más cercano al concepto de minimalismo, es decir que pese a no ser de riffs y acordes muy monótonos sigue una estructura muy marcada y oscilante. También es un tema muy ambiental, quizás más ambiental que la canción anterior. antes de seguir quiero recalcar que el disco más que contener la rabia propia de temas blackemetaleros se decanta por la tristeza y melancolía. Aunque la tristeza y la melancolía son dos palabras muy asociadas a la música de Burzum si escuchamos toda su discografía…tristeza, melancolía y angustia.

4. Vanvidd (Locura): Y su caída fue hacia el abismo de la locura (Vikernes se compara a sí mismo con el viaje y autosacrificio que hizo Odín para obtener la sabiduría de las runas). Es la canción más dura y blackmetalera del disco. Las guitarras y demás instrumentos son más acelerados en esta canción. Y también la voz de Vikernes se alterna entre gruñidos blackmetaleros y susurros con su voz normal. Pese a que cambia de ritmo en algunos tramos más relajados en su mayoría es una tema rápido y muy característico del género del Black Metal. Vikernes grita con alaridos esquizofrénicos y desconcertantes en una parte de esta canción. Rápido, completo y variado, así se resume este tema.

5. Enhver Til Sitt (Cada uno por su lado/ Cada hombre tiene lo que se merece): Se trata de la canción más relajada del disco. Lenta, a medio tempo, con alternancias entre guitarras rítmicas, melódicas y registros vocálicos de varios tipos. Curiosamente es el tema que más cambios de ritmo tiene. Justo lo contrario que bastantes canciones de su anterior discografía; y al no ser un tema rápido se distinguen bastante bien estos cambios de ritmo.

6. Budstikken (El mensaje): El mensaje o la moraleja de toda su vida, de lo que ha aprendido a lo largo de su vida. Es el tema que más me gusta. Con un extraño acorde de guitarra y la irrupción de unos golpes secos de batería y platillos acompañados de una guitarra de fondo se inicia esta canción. Y tras unas notas de guitarra irrumpe un cambio de ritmo más acelerado y con la voz blackmetalera de Vikernes, y donde también utiliza su voz normal. Los cambios de ritmos, de registros vocálicos y de tempos son habituales en este tema; ritmos más rápidos, más oscilantes y lentos. En definitiva una canción muy completa.

7. Til Hel og tilbake igjen (Hacia Hel y vuelta a empezar): La canción es una conclusión del disco. Se trata de percusiones rítmicas y sonidos con intrumentos también de percusión parecidos a platillos, incluso se escuchan susurros lejanos. Una guitarra acústica con algunos acordes muy acentuados son las notas que se oyen al final de este extraño tema. Hel es, según la mitología escandinava, hija de Loki; tiene su equivalente en la mitología hindú en la diosa Kali. “Ir a Hel” significa morir. Su hogar es llamado el Helheim, el Reino de los Muertos y se dice que está dentro, a su vez, del Nifelheim, el Reino de los Hielos que hay al norte del Abismo del Caos llamado Ginnungagap. No voy a describir más cosas de la mitología escandinava, para ser sincero no la domino mucho y de lo que se trata es de describir este disco nuevo de Burzum, no de contar aquí la mitología de Escandinavia, aunque Varg Vikernes la utiliza mucho en sus discos. En definitiva, es un buen disco, no voy a  opinar si es o no su mejor disco, eso ya es algo personal; pero de lo que no cabe duda es de que se trata de un disco que ha hecho evolucionar el estilo musical de Burzum, y eso supone una bocanada de aire fresco.

Ésta es la imagen entera que ha utilizado Vikernes en la portada del disco, por si alguien tenía interés en saber cómo era la imagen en su totalidad. No es la primera vez que una banda de Black Metal utiliza una imagen de este autor para la portada de alguno de sus discos, ya que los noruegos Gorgoroth utilizaron otra imagen de Bouguereau para la portada de su disco “Ad Majorem Sathanas Gloriam”, y es la siguiente imagen (llamada “Dante y Virgilio en el Infierno”; aunque en el disco de Gorgoroth no aparece la imagen entera sino la mitad superior; algo similar ha hecho Vikernes en su disco Fallen, no utiliza toda la imagen para la portada de su disco):

Y ahora algunas imágenes de Vikernes:

Antes de entrar en prisión en 1.993 (izquierda) y después de salir de prisión en 2.009 (derecha), 16 años después…

¡¡Vaya cambio!!.

¡Vikernes ha vuelto a las andadas!

La última cena del Inner Circle (Vikernes en el centro de la imagen, rodeado de los miembros de Emperor, Darkthrone, y Mayhem)…Euronymous no estaba invitado.

Su primer canción: Stoa apareció en el año 1992 en una compilación llamada From Hypnotic … to Hypersonic del sello discográfico Hyperium. Ese mismo año Stoa produce su primer disco: Urthona (una parte de los 4 Zoas que componen a Albion, el gigante hijo de Poseidón, según la mitología del poeta y pintor inglés Willian Blake), un hermoso disco lleno de poéticas melodías melancólicas, oscuras y llenas de misterio. 11 pistas componen este primer LP, tomando inspiración de poetas como William Blake, Kai Uwe Skerra, Alfred Lord Tennyson, Samuel Rogers y Alfred Lord Tennyson.

sToa – Urthona (1992), portada original

Infant Joy:

Dos años después (1994) sToa produce su segundo disco: Porta VIII, disco compuesto por 9 pistas inspirado en la ópera de Paul Dukas: Ariadne et Barbe Bleue (Ariadne y Barbazúl). Aunque este disco es más instrumental que el anterior, mantiene la escencia y estilo que ha caracterizado a esta banda, todos los lyrics de este disco están en latín.

sToa – Porta VIII (1994), portada original

Mors:

Después de una pausa de siete años, sToa vuelve al escenario con una nueva voz: Antje Buchheiser, sustituyendo a Conny que, al igual que esta última, es violinista y ha participado como corista en varias piezas de música clásica, además de otro nuevo integrante: Christiane Fischer, quien toca el Violonchelo y hace la 2da voz en los conciertos.

Con estos dos nuevos integrantes sale a la luz en el año 2001 el disco Zal (nombre de un legendario guerrero persa), un disco más poético que sus anteriores producciones, rico en arreglos de cuerdas, piano y menor uso de sintetizadores; las 11 melodías que componen este disco están inspiradas en poesías de James Joyce, Sam Rosentbal, Keiji Sayama, Paul Verlaine, William Shakespeare, William Blake y Boetbius. Como artista invitado está Barbara Uble en el Oboe.

sToa – Zal (1994)

I held the moon:

Seis años después (2008) se vuelve a saber de sToa con su nuevo disco: Silmand, que viene a significar algo así como Mes del alma, haciendo un fuerte cambio en el estilo musical que había mantenido esta banda, además de que en este disco se hace notar más la presencia de Christiane Fischer por el protagonismo del chelo, la banda incursiona en un estilo más Pop, alegre y folklórico (que personalmente no me gustan) en piezas como Broken Glass, Palldium y A Drinking Song, aunque en la mayoria de las piezas mantienen ese hermoso estilo melancólico y misterioso.

sToa – Silmand (2001)

La banda ha tenido una muy buena recepción en México, de los pocos paises donde la banda ha ofrecido conciertos, su última visita fue a este país fue en octubre del 2009.

Página oficial de Stoa
MySpace de Stoa

Bohren & Der Club of Gore – Midnight Black Earth

Para los fans del doom, seguro es una alternativa musical de calidad que vale la pena!

Bueno, el caso que nos ocupa es el segundo, Ajattara es una banda finlandesa de Avant-Garde Black Metal, pero que más popularmente se les reconoce más pertenecer a un género más ambiguo: Dark Metal, y es que a pesar de asemejarse mucho a un Black Metal melódico tiene un estilo muy peculiar… muy melódico, tranquilo y siniestro. Aquí es donde entra el rechazo de muchos fans del Black, que comparan la “poca virtuosidad”, lentitud de ritmos y repetición de acordes con bandas de Black metal donde claramente se nota una diferencia. En lo personal me gustan mucho los primeros discos de esta banda, será el ambiente que logran, lo rítmico de sus melodías y el uso de sintetizadores (soy fan de los sintetizadores, lo habían notado?). Lamentablemente cada vez han ido perdiendo calidad y sus discos se han venido haciendo cada vez más malos.

Los lyrics de todas sus canciones están en finlandés, por lo que me ha sido imposible encontrar una traducción y entender qué dicen, lo que sí me ha agradado mucho es la voz del vocalista Pasi Koskinen (ex-vocalista de Amorphis), me ha sorprendido mucho ver la diferencia de lo aburrido que me parecía Amorphis (perdón si alguien se siente ofendido, pero yo ya los considero más Rock que Metal), aquí ha hecho un trabajo más que excelente, la voz es áspera pero a la vez se puede entender muy bien lo que canta, logrando un muy buen equilibrio.

El nombre Ajattara pertenece a un dios maligno de la mitología finlandesa, de hecho su primer disco “Itse” lleva en la portada una imagen de esta deidad de figura femenina pero extraña cabeza cornuda.

Verivalta:

A pesar de que la banda tiene formada desde 1996 no fue hasta el 2001 cuando Itse salió a la venta, fue este el disco con el que conocí a la banda y hasta la fecha es mi favorito, es difícil comparar los discos debido a que en todos ellos no han cambiado nada el sonido, pero éste en particular es el que me parece más creativo y melódico.

Dos años después (2003) producen Kuolema, su disco más valorado por los fanáticos y que lamentablemente es el único disco que no he escuchado.

Tan sólo un año después sale Tyhjyys, duramente criticado, quizá haya sido mejor pulir más las canciones antes de sacar un disco tan pronto, el disco es tan repetitivo que llega a ser enfadoso y algunas canciones te dejan con la sensación de ya haberlas oído, ciertamente mantienen intacto su estilo, pero por algún extraño motivo la voz suena un poco diferente, además de meter unos coros estilo Fear Factory que simplemente nada que ver …creo les salió mal el experimento.

Langennut:

Äpäre hace su debut en el 2006, aquí trataron de pulir un poco el estilo marcado en Tyhjyys pero se queda igual de corto, otro disco más del montón, sin trascendencia.

Tahtomattaan Syntynyt:

Y para cerrar con un broche de oro la cadena de basura llega la peor de todas sus producciones: Kalmanto, la más lenta y aburrida, trataron de innovar con nuevos sonidos, pero esto es parece una combinación de Nu Metal con Doom, una verdadera lástima ya que el grupo pintaba para bien y nos ha dejado profundamente decepcionados a los fans.

Madot:

La banda sigue activa y yo mantengo la fe en que renacerán de sus cenizas trayéndonos algo de los buenos ritmos con los que se dieron a conocer.

Pagina oficial: http://www.ajattara.fi/
Su espacio en myspace: http://www.myspace.com/ajattara