El nombre de la bandam Nachtblut es una amalgama de las palabras Noche y Sangre en Alemán, (algo asi como decir “Noche de Sangre” o “Noche sangrienta”), la banda fue formada en el año 2005 en la ciudad alemana de Osnabrück por Sacerdos (Voz, Bajo), Askeroth (Voz), Greif (Guitarra), Skoll (Batería) y Lymania (Teclados). Su estilo musical es un Black Metal muy melódico… aunque creo que encajan más dentro del Dark Metal ya que su música no tiene mucho de diabolica (que es uno de los fundamentos del Black Metal), más bien los temas de sus canciones son de carácter político y problemas sociales. Durante los primeros años de la banda logró hacerse de algo de fama en la escena underground alemana gracias a su primer concierto en 2007.

Su primer trabajo, titulado Das Erste Abendmahl (la primer cena), salió a la venta en junio del 2007, al no tener una disquera que los patrocinara fue publicado por ellos mismos, pero gracias a este disco se les abrieron las puertas a más fama, dandoles la oportunidad de que abrieran conciertos para bandas de renombre como Immortal, Sodom, Watain, Varg, Endstille y muchas más.

1. Intro
2. Ketzer
3. Schreckenschor
4. Nie Gefragt
5. Heiliger Krieg
6. Mein Gebieter
7. Kindstod
8. Des kleinen Herzens Letzter Schlag
9. Augenschein
10. Blutgerüst
11. (pista oculta)

Intro comienza con un ritmo de latidos de corazón seguidos por unos golpeteos metálicos, seguido por un ritmo electronico acompañado de sintetizadores, es una pieza corta para abrir telón.

Ketzer (Hereje), nos presenta el estilo musical que caracteriza a esta banda, ritmos melódicos de unas guitarras electricas fuertes, sintetizadores y un par de voces, unos susurros y la voz black del vocalista, me encanta la mágia que transmite una simple melodía de piano casi al final de la canción.

Schreckenschor (coro de terror) comienza con un sintetizador emulando unas voces corales, seguido de otro sintetizador con una melodía que suena un poco medieval y la batería como acompañamiento, abriendo paso para las guitarras eléctricas y al vocalista. Aunque es una buena canción no destaca en el disco.

Nie Gefragt (nunca preguntó) es una de mis piezas favoritas del disco, quizá por el intenso uso de los teclados y lo bien llevada la melodía durante toda la canción. Comienza con un sintetizador que acompaña al piano, guitarra y sonidos de cuerdas (hechas con sintetizador), aquí el vocalista hace dos cambios de voz, entre limpia y voz black (de troll como suelen decir), la melodía parece sacada de una caja musical… con el toque de black metal correspondiente que agregan los demás instrumentos.

Heiliger Krieg (guerra santa) eleva la velocidad y agresividad del estilo musical… como que aquí quisieron hacer parecer más black metal su música. Además de las guitarras aquí agregan a la sopa sonidos de cuerdas y algo que parece el sonido de un violín que es tocado como guitarra (vamos, ese sonido de “requinto” pero en violín).

Mein Gebieter (mi maestro) continúa con el estilo velóz de la anterior pista, comienza con una guitarra acústica que abre paso a una veloz batería y guitarras, algunos cambios de tiempo y bueno, a mi gusto algo repetitiva.

Kindstod (infanticidio/muerte infantil) Aquí cambia un poco la cosa, el ritmo parece más industrial, guitarras repetitivas, tono rítmicos muy marcados, aunque en momentos se acelera, como si estuvieramos escuchando Rammstein con voz Black.

Des kleinen Herzens Letzter Schlag (el último latido del corazón) otra de mis favoritas del disco… si, también tiene mucho teclado, vuelven a retomar el estilo melódico de las primeras canciones, es una canción triste y fuerte, habla de la muerte de una pequeña niña que fue violada y masacrada y la maldad inherente en los hombres.

Augenschein (apariencia) después de una pequeña introducción de cuerdas toma algo de velocidad con las guitarras, la canción agrega algunos sonidos de organo de iglesia pequeña, cuerdas, latidos para agregar un poco de variedad al ritmo.

Blutgerüst (andamio) es una buena canción para cerrar el disco, muy melodica, con sonidos de piano y cuerdas como acompañantes de las guitarras, algo lenta pero agradable.

Para el 2009 producen su segundo disco, titulado Antik (Antiguo) un disco aún más melódico que el anterior, con una mejor calidad de sonido, además que se puede apreciar un mejor dominio de los instrumentos.

1. Antik
2. Ijobs Botschaft
3. Die Blutgräfin
4. Gedenket Den Toten
5. Die Mutter Die Ihr Kind Verlor
6. Sturz Des Ikarus
7. Kreuzigung
8. Hexe
9. Des Menschens Kunst Blindheit Zu Säen
10. Kreuzritter

El disco comienza con la canción que da título al disco: Antik (antiguo), una pieza con un ritmo agradable para los headbangers, agradable ritmo de las guitarras acompañadas de sintetizadores y un piano al fondo, la letra hace referencia a la vejez y el sentido que le da la cultura actual a los ancianos… La vida es una guerra y la muerte es la paz eterna.

Ijobs Botschaft (mensaje de bob), un ritmo primitivo de la batería da apertura a unas melódicas guitarras industriales, la canción habla de un acaudalado sujeto a quién le son arrebatados todos sus bienes, y su esposa e hijos muertos por lo que parece ser un tornado o algo asi (algo del viento), no conozco mucho la biblia pero parece un pasaje sacado de esta.

Die Blutgräfin (la condesa sangrienta) una canción dedicada a la condesa Bathory, sus primeros años como gente de la realeza, su obsesión por mantenerse bella y sus rituales donde se bañaba en sangre de jovenes virgenes para mantener su belleza.

Gedenket Den Toten (recordar a los muertos), aunque el ritmo de la canción se parece mucho a la pista anterior tiene elementos que la distinguen, el sintetizador de fondo emula la voces de un coro, la letra de la canción habla sobre un remordimiento de la cantidad de muertes que generan las guerras y de lo agradecido que estan lo sobrevivientes de ver cada nuevo día.

Die Mutter Die Ihr Kind Verlor (la madre que pierde un hijo) es la canción más triste del disco, un melancólico piano acompaña a las guitarras y a un sintetizador que hace de coro. La canción habla del dolor que siente una madre al perder a su único hijo que murió ahogado, no puede olvidarlo y sigue haciendole ropa, preparandole comida y cantandole canciones.

Sturz Des Ikarus (la caida de Ícaro). En la mitología griega Ícaro se fabrica unas alas con plumas de aves y las pega con cera de velas, logra volar cerca del sol pero el calor de éste derrite la cera de las alas y hace que caiga de gran altura hacia su mierte, la canción habla precisamente de este acontecimiento y como su padre Deadalus lo ve caer y morir.

Kreuzigung (crucifixión) una excelente pieza, rítmica con buenas guitarras y batería, un organo de fondo acompaña la melodía durante toda la canción, la pieza como bien habrán intuído habla sobre la muerte del mesías de los cristianos y de cómo pide perdón a Dios por los actos que están cometiendo… perdonalos porque no saben lo que hacen.

Hexe (bruja) una muy destacable canción, acelerada en momentos para hacerla parecer más Black Metal, la canción habla sobre la santa inquisición y su feroz caceria por acabar con todo lo hereje.

Hoy día ya tienen contrato con la famosa disquera austriaca Napalm Records, por lo que debería ser más facil conseguir su material… aunque yo no he tenido suerte en conseguir su música en formato físico.

Des Menschens Kunst Blindheit Zu Säen (la cegera del hombre hacia el arte de sembrar) critica principalmente la religión judía y sus creencias de no comer carne de cerdo, rebajar a la mujer, los crímenes de honor, el fanatismo, el Ramadán, la apostasía… buena pieza pero no destaca lo suficiente en el disco.

Kreuzritter (cruzado) nos traslada al medievo y los ideales en los que creían esos “soldados de Dios” para cumplir los caprichos de la iglesia, vaya tiempos obscuros.

El disco tiene además una canción oculta de aproximadamente 6 minutos de duración, muy buena he de agregar, pero que no he podido conseguir la letra de la canción para saber sobre que habla.

Página web oficial: www.nachtblut.com

Passage, el disco más querido de los suizos Samael. Un disco que data de 1996, pero que fue reditado con bonus extra (en realidad estos bonus son los temas del E.P Exodus). Entre los años 1991 y 1998 muchas bandas de metal publicaron sus mejores discos y otras muchas muy buenas aparecieron (Watain, por ejemplo). En otra reseña que hice de la banda dije que su disco Above era (y ciertamente lo es) su disco más blackmetalero, pero no dije que fuera el mejor. Passage sí que es el mejor de su trayectoria (aunque para otros fans su mejor disco es Ceremony of Opposites). Las letras también hablan de ocultismo y esoterismo, como sucede en el resto de sus discos, incluso los dos primeros discos tocan estos temas aunque de forma más primitiva (de forma “satánica”) de hecho en uno de ellos hay una tema que es un homenaje a Cthulhu. Y la portada de este disco (que cambia un poco en la versión reeditada) quizás sea lo más enigmático: la Luna, nuestro satélite. Para muchos es un satélite natural, para otros es un satélite “artificial”, es decir, que no es propio de la Tierra. La verdad es que la Luna parece demasiado grande (es un cuarto del tamaño de la Tierra) para ser un satélite natural de la Tierra, pero ahí está. También se dice que es más antigua que la Tierra (Helena Blavatsky así lo dice en su Doctrina Secreta, y no es la única). ¿Acaso será el proyector de nuestra realidad?(realidad holográfica como decía el científico David Bohm). Quien sabe. Mientras reflexionais esto vamos a ver los temas de este disco, que son 17, ya que están también los temas del E.P Exodus.

1. Rain. El tema que abre el disco es un tema rápido, rítmico y muy enérgico. Aunque tenga algunas partes algo más tranquilas se trata d euno de los temas con más energía del disco. Las guitarras rítmicas marcan toda la canción, y los sintetizadores le dan un ambiente épico. La lluvia divina, las lágrimas del creador demiurgo que nos sueña, y con cada derramamiento de lágrimas se producen los diluvios cíclicos que hunden una civilización y hacen renacer otra, y esa otra civilización son las semillas germinadas de las lágrimas divinas del demiurgo que sueña.

2. Shining Kingdom. Otro tema que también se inicia de manera enérgica, pero que, sin embargo adquiere un ritmo diferente. Una canción más melancólica, más triste. Con ritmos más marcados y con un mayor protagonismo de los sintetizadores. La voz de Vorph es algo más desgarrada. Como ya he dicho son los sintetizadores los que marcan el ritmo principal de la canción. Un viaje largo, hacia el punto donde empezó todo (Punto Omega) ese punto de Luz ese reino de Luz hacia el que todo converge (para volver todo a la oscuridad primigenia de nuevo) es el viaje que debemos emprender. El viaje del conocimiento. Eso describe la letra de la canción.

3. Algel’s Decay. Con unas percusiones y un piano de fondo se inicia este tema. Un sintetizador que parece el órgano de una iglesia y un ritmo muy melancólico son los rasgos principales de este tema. Una canción que habla de la angustia y desesperación del agujero negro en el que se convierte un alma deprimida y atormentada. En esta canción letras y música van de la mano, es decir conectan perfectamente. Un tema lleno de angustia y dolor.Donde se alternan partes más tranquilas con otras más intensas.

4. My Saviour. Este tema ya es más intenso que el anterior, con un estruendo musical considerable y una intensidad mayor que en los temas anteriores. Aunque las guitarras y batería suenan con fuerza, al igual que la voz de Vorph siguen siendo los sintetizadores los que marcan el desarrollo de la canción. Los cambios de ritmo que posee son variados, hacia partes más densas, hacia partes más lentas. Nuestro salvador es cada uno de nosotros mismos, cuando encontramos la verdad en nuestro interior, cuando llega ese momento también somos el “Alfa y el Omega” somos Uno con el Todo, y alcanzamos la verdad y liberación.

5. Jupiterian Vibe. Posiblemente el tema más peculiar del disco. Su inicio es muy característico, unas percusiones tribales dan paso a unos riffs de guitarra muy agudos. La voz de Vorph irrumpe de manera violenta. La canción se vuelve oscilante y muy pesada, muy densa y plomiza. Es un tema muy propio del Death Metal. Solemne y siniestro avanza hacia su final. Esta canción fue uno de los “singles” incluso tiene video. La creación trasciende al creador, el poder de la palabra, todo está conectado, todo se mueve, hasta lo inanimado (en el video se intuye la influencia de la Luna). Todo está conectado con el Todo.

6. The Ones Who Came Before (Los que vinieron antes). Con unos ritmos casi marciales y muy machacones se presenta este tema. Unos sintetizadores de fondeo le dan una carácter más ominoso si cabe, y la voz de Vorph empieza inquietante y gana más furia conforme avanza la canción. Un tema lleno de rabia y odio contenido. Antes de las civilizaciones hubo otras humanidades (como dice Blavatsky) y otras razas; los que vinieron antes éramos nosotros, la humanidad. Parece ser que la humanidad somos avatares de nosotros mismos y fractales del multiverso los cuales formamos una porción del Todo Absoluto.

7. Liquid Soul Dimension. Tras unos pesados riffs de guitarra irrumpe un tema en el que los sintetizadores ganan más protagonismo, pero que van al ritmo de las guitarras rítmicas. Vorph canta con voz furiosa. La canción no tiene mucha velocidad pero transmite mucha energía y pesadez instrumental. Se dice que el Universo alguna vez fue líquido, y lo volverá a ser. “Solve et Coagula”, eso es lo que tiene “tatuado” Baphomet/Samael/Lucifer en los brazos. Por tanto, nuestra alma también es “líquida”, plástica, moldeable, llena de fuerza y adaptable a todo, independiente.

8. Moonskin. Uno de los temas más melancólicos del disco. Un piano se escucha durante toda la canción y es el instrumento que marca el ritmo y la melodía de la misma. La voz de Vorph es dolorosa y triste. Los riffs de guitarras también son melancólicos y tristes. Parece como si fuera una metáfora de la vida, como si nos enamoráramos de la belleza superficial de las cosas la cual no conduce a nada y es una ilusión, de ahí que diga que esa belleza se llama “Moonskin”. Enamorados de ilusiones sin sentido, que no conducen a nada.

9. Born Under Saturn. Un tema plomizo, pesado con riffs muy densos y con unos sintetizadores que transmiten desazón. Así es este tema que, además, posee bastantes cambios de ritmos y velocidades. La voz de Vorph también cambia bastante de registro según cambia el ritmo y la melodía de la canción, pero en líneas generales viene a ser todo un tema ominoso. El significado de Saturno está asociado con la muerte, el sacrificio, la mala suerte, la lucha contra el inevitable destino de cada uno, de la derrota y desilusión. También tengo que decir que está associado con Samael/Lucifer/Baphomet en su parte más siniestra, de aquello que está maldito.

10. Chosen Race. Se trata de un tema similar a “The ones who came before”. Un tema muy enérgico, contundente y pesado. Temabién se trata de un tema con bastante velocidad. La voz de Vorph también se recrudece bastante. Los sintetizadores si bien juegan un papel importante acompañando bien al resto de los instrumentos hacen de colchón atenuando un poco la crudeza y contundencia de los demás instrumentos. La raza elegida, la raza fuerte, libre, la raza que lucha contra el “miedo a la libertad” (esto es el título de un ensayo de Erich Fromm). ¿Acaso no se referirán a los 144.000?. El final del tema recuerda mucho a la pesadez plomiza de “Jupiterian Vibe”.

11. A Man In Your Head. Los sintetizadores y los efectos hechos por los mismos como son ecos de voces muy siniestras le dan a esta canción un aspecto muy tenebroso. Los riffs de las guitarras rítmicas son muy marcados, casi sincopados. La densidad y pesadez de este tema es incluso mayor que en los anteriores. Las melodías marcadas por los sintetizadores le dan un aspecto más solemne. La letras hacen alusión al despertar del hombre, del ser inteligente que tenemos en nuestra mente, que no nos dejemos guiar como ganado, como borregos por los demás, quienes crean guerras, generan miedo y destruyen nuestra libertad que tenemos innata. Despertad, no os dejeis engañar.

12. Exodus. Esta canción, y las que le siguen son del E.P Exodus. También se inicia con unas guitarras rítmicas pesadas y unos sintetizadores un tanto inquietantes. La voz de Vorph aparece tranquila en la mayor parte del tema. Los cambos de ritmo a otras partes más enérgicas y otras más tranquilas son una constante en esta canción. La migración del alma, “a través del desierto por el que fluye el Mercurio” (esta frase me recordó a la obra alquímica “De Signatura Rerum” de Jakob Böhme), hacia el reino de la Luz (Lucifer/Samael/Baphomet) y de ahí hacia el Todo Absoluto (Parabrahman) a través de la luz del Logos y la fuerza que poseemos de Él (Fohat) es nuestro destino, ese será nuestro éxodo.

13. Tribes of Cain. Con uno ritmo de sintetizadores oscilantes, una voz muy grave y unas guitarras rítmicas también oscilantes que, en ocasiones, siguen el ritmo de los sintetizadores transcurre este tema. Una canción que nos transmite una atmósfera tensa, cruel, inquietante. Las Tribus de Caín somos nosotros, la humanidad, “Profundo es el dolor del que nace la liberación”, “largo es el camino que conduce a la luz”. “Oponerse a la oscuridad no lleva a ninguna parte” porque todos venimos de esa oscuridad. Esa es el destino final de la humanidad (el Punto Omega que decía Teinhard De Chardin), volver a esa oscuridad a través de la luz.

14. Son of Earth. Otro tema que se inicia con guitarras rítmicas pesadas a las que se le unen unos sintetizadores que aportan melodía. Un tema duro, enérgico, lleno de rabia y desgarrador. Los sintetizadores aparecen y desaparecen como si fueran olas, lo que le da una sensación extraña a la canción, incluso al final del tema aparece uritmo más electrónico. a“Bienvenido al mundo de los vivos, aquí está tu castigo supremo”…”bienvenido al mundo de los muertos, aquí está tu recompensa prometida”. Esto es lo que significa ser hijo de la Tierra, estar de paso en este planeta para sufrir, y despertar de este mundo “Maya” (mundo de ilusión) para despertar una vez muerto (parafraseando un poco al filósofo alemán Arthur Schopenhauer en su obra “El Mundo como Voluntad y Representación”).

15. Winter Solstice. Otro de los temas melancólicos y tristes del disco, donde la presencia de notas de piano dominan toda la canción. Un piano que hace del tema una canción triste y melancólica. También se escuchan los demás instrumentos como las guitarras y batería, pero de manera más sosegada y triste, incluso la voz de Vorph también acompaña a esa melancolía. El sosticio de invierno en el Hemisferio Norte, el 21 de diciembre es un día muy simbólico en la cultura Occidental. La noche más larga del año, acompañada de misterio, a veces de la Luna brillante e inquietante y a veces no. Una noche llena de pureza y magia oculta y oscura.

16. Ceremony of Opposites. El tema homónimo del disco anterior. Una canción muy dura, con unos registros vocálicos muy deathmetaleros y una música muy pesada, y plomiza, acompañada de sintetizadores épicos. Incluso el propio tema es bastante épico a la vez que siniestro y duro. Pese a que n va a mucha velocidad es capad de mostrar mucha rabia y crudeza. Un tema de corte similar a Jupiterian Vibe (aunque este tema es anterior). La ceremonia de los opuestos, la parte superior se convierte en inferior (“Como es arriba es Abajo”) la fantasía se hace realidad y viceversa, todo se entremezcla, “el amor es un veneno que crece en el corazón de los débiles”…todo tiene su aspecto dual. Eterna lucha (como decía Hans Horbiger en su Cosmogonía Glacial).

17. From Malkuth to Kether. El tema más electrónico del disco, con ritmos machacones, alternados con partes melódicas de sintetizador. Pese a que se escucha la voz de Vorph no aparecen la letra de esta canción en el libreto del cd. Malkuth y Kether son dos esferas del árbol hebreo de la Kabbalah, dos sephiroth. Kether es la esfera superior, la culminación de nuestro camino para encontrarnos a nosotros mismos y nuestra libertad, y Malkuth es la esfera inferior, desde donde partimos, pudiendo escoger varios caminos.

18. Untitled. Un tema instrumental y electrónico (con algunas guitarras), melancólico, sin voces y triste despide este genial disco.

Como ya he dicho Passage es, en mi opinión, el mejor disco de Samael (para otros es Ceremony of Opposites) y pienso que se merecía una reseña. Fue el disco que marcó el punto de inflexión en su discografía. Su reciente disco “Lux Mundi” recuerda mucho al disco Passage (aunque con elementos del disco Above) incluso en la estructura de los temas. Incluso ellos mismos han reeditado este disco (y también los anteriores así como el disco “Eternal”) porque son conscientes de lo realmente bueno que es, todo un clásico. Ahora algunas fotos de la banda.

Samael también conocen a Hans Rudolph Giger (el “padre” de la criatura Alien). Hicieron una visita al museo de Giger. Samael y Giger son del mismo país, Suiza (Confederación Helvética es su verdadero nombre), y digo también porque en otra de mis reseñas nombro a Giger en relación a otra banda helvética pionera del Black Metal: Triptykon. Realmente fue pionera bajo el nombre de Hellhammer (fueron los verdaderos padres del Black Metal, allá por 1983), mutando a Celtic Frost y, finalmente a Triptykon.

Otra imagen de los suizos Samael. Banda pionera del Black Metal. Pioneros y experimentales

Os presento al verdadero Samael (también conocido por el videojuego Silent Hill).

Os presento a Baphomet. Efectivamente, son la misma entidad (junto con Lucifer) pero con diferente nombre. La banda Samael le dedica una canción en su disco Ceremony of Opposites.

P.D. Estos días se está celebrando en Suiza, concretamente en la localidad de  St. Moritz una reunión del Grupo Bilderberg. Habrá que estar atentos y bien despiertos ante lo que pueda venir.

“Élégie” (1.899), o Elegía del pintor francés William Adolphe Bouguereau ha sido la imagen que ha elegido Varg Vikernes para la portada de su nuevo disco titulado Fallen (Caído). Un disco que, en palabras de Vikernes, tiene reminiscencias de sus dos primeros trabajos: su disco homónimo “Burzum” y su disco “Det Som Engang Var”. También es una evolución de su disco anterior, “Belus”, con bastantes novedades. La verdad es que así ha sido, el disco presenta novedades bastantes interesantes y abre la puerta a una evolución del sonido de Burzum; evolución positiva por mi parte. El disco,entre otras novedades, no tiene sonidos minimalistas como en prácticamente todos sus discos anteriores, es decir, que en sus temas apenas hay acordes y notas que se repiten hasta la saciedad como sucede en algunas canciones de sus anteriores discos (de hecho incluso su disco Belus también tiene dos temas minimalistas, especialmente su última canción). La otra novedad es que en este disco Varg Vikernes no utiliza únicamente su registro vocálico blackmetalero sino también su voz normal. La música no se centra exclusivamente en el género Black Metal, también explora otros terrenos del metal como el Dark Ambient, cosa positiva, por otra parte. En cuanto a la temática es un tanto difícil de explicar, pero parece que Varg Vikernes hace una introspección de su propia vida utilizando la metáfora del autosacrificio del dios nórdico Odín (o Wotan) para obtener la sabiduría de las runas (Odín sería el equivalente al Logos, y su Alter Ego es Loki, el padre de la diosa Hel), del mito del Árbol del Mundo (es un fresno) llamado Yggdrasil y de los mundos que hay en él y bajo él (Asgard, Nifelheim, Muspelheim, Helheim, el Ginnungagap o caos primordial el cual es el origen de todo, inclusive de Yggdrasil). Odín pasó nueve días en este árbol y sus nueve mundos para obtener la sabiduría de las runas (una especie de autosacrificio). Vikernes compara su vida con un autosacrificio, una caída y bajada a los infiernos de Hel y un renacer de sí mismo. Desde luego en este disco se ve muy claro que Vikernes es “odinista” como él mismo ha dicho en varias entrevistas. Veamos los temas del disco.

1. Fra Verdenstreet (Desde el Árbol del Mundo): Es un tema muy breve, de poco más de un minuto. Se trata de una introducción. Se escuchan murmullos de voces susurrantes y el sonido de un ruído distante que se acerca cada vez más.

Ésta es la representación del Universo según la mitología escandinava; el Árbol del Mundo y los Nueve Mundos.

2. Jeg Faller (Estoy cayendo): Unas guitarras rápidas y nerviosas inician esta canción. Tras unos acordes la canción se vuelve oscilante y atmosférica con un sonido muy reconocible. La voz de Vikernes es, al principio y en algunos pasajes, blackmetalera; y en otrs pasajes (estribillo) utiliza su registro vocálico normal. Incluso en algunas partes se diferencia bastante bien el bajo. En definitiva, un tema muy ambiental.

3. Valen (Caído): Otra vez vuelven las guitarras a iniciar otro tema, pero esta vez más oscilantes y más ambientales: La voz de Vikernes se alterna con gruñidos blackmetaleros y su registro normal. Tal vez sea el tema del disco más cercano al concepto de minimalismo, es decir que pese a no ser de riffs y acordes muy monótonos sigue una estructura muy marcada y oscilante. También es un tema muy ambiental, quizás más ambiental que la canción anterior. antes de seguir quiero recalcar que el disco más que contener la rabia propia de temas blackemetaleros se decanta por la tristeza y melancolía. Aunque la tristeza y la melancolía son dos palabras muy asociadas a la música de Burzum si escuchamos toda su discografía…tristeza, melancolía y angustia.

4. Vanvidd (Locura): Y su caída fue hacia el abismo de la locura (Vikernes se compara a sí mismo con el viaje y autosacrificio que hizo Odín para obtener la sabiduría de las runas). Es la canción más dura y blackmetalera del disco. Las guitarras y demás instrumentos son más acelerados en esta canción. Y también la voz de Vikernes se alterna entre gruñidos blackmetaleros y susurros con su voz normal. Pese a que cambia de ritmo en algunos tramos más relajados en su mayoría es una tema rápido y muy característico del género del Black Metal. Vikernes grita con alaridos esquizofrénicos y desconcertantes en una parte de esta canción. Rápido, completo y variado, así se resume este tema.

5. Enhver Til Sitt (Cada uno por su lado/ Cada hombre tiene lo que se merece): Se trata de la canción más relajada del disco. Lenta, a medio tempo, con alternancias entre guitarras rítmicas, melódicas y registros vocálicos de varios tipos. Curiosamente es el tema que más cambios de ritmo tiene. Justo lo contrario que bastantes canciones de su anterior discografía; y al no ser un tema rápido se distinguen bastante bien estos cambios de ritmo.

6. Budstikken (El mensaje): El mensaje o la moraleja de toda su vida, de lo que ha aprendido a lo largo de su vida. Es el tema que más me gusta. Con un extraño acorde de guitarra y la irrupción de unos golpes secos de batería y platillos acompañados de una guitarra de fondo se inicia esta canción. Y tras unas notas de guitarra irrumpe un cambio de ritmo más acelerado y con la voz blackmetalera de Vikernes, y donde también utiliza su voz normal. Los cambios de ritmos, de registros vocálicos y de tempos son habituales en este tema; ritmos más rápidos, más oscilantes y lentos. En definitiva una canción muy completa.

7. Til Hel og tilbake igjen (Hacia Hel y vuelta a empezar): La canción es una conclusión del disco. Se trata de percusiones rítmicas y sonidos con intrumentos también de percusión parecidos a platillos, incluso se escuchan susurros lejanos. Una guitarra acústica con algunos acordes muy acentuados son las notas que se oyen al final de este extraño tema. Hel es, según la mitología escandinava, hija de Loki; tiene su equivalente en la mitología hindú en la diosa Kali. “Ir a Hel” significa morir. Su hogar es llamado el Helheim, el Reino de los Muertos y se dice que está dentro, a su vez, del Nifelheim, el Reino de los Hielos que hay al norte del Abismo del Caos llamado Ginnungagap. No voy a describir más cosas de la mitología escandinava, para ser sincero no la domino mucho y de lo que se trata es de describir este disco nuevo de Burzum, no de contar aquí la mitología de Escandinavia, aunque Varg Vikernes la utiliza mucho en sus discos. En definitiva, es un buen disco, no voy a  opinar si es o no su mejor disco, eso ya es algo personal; pero de lo que no cabe duda es de que se trata de un disco que ha hecho evolucionar el estilo musical de Burzum, y eso supone una bocanada de aire fresco.

Ésta es la imagen entera que ha utilizado Vikernes en la portada del disco, por si alguien tenía interés en saber cómo era la imagen en su totalidad. No es la primera vez que una banda de Black Metal utiliza una imagen de este autor para la portada de alguno de sus discos, ya que los noruegos Gorgoroth utilizaron otra imagen de Bouguereau para la portada de su disco “Ad Majorem Sathanas Gloriam”, y es la siguiente imagen (llamada “Dante y Virgilio en el Infierno”; aunque en el disco de Gorgoroth no aparece la imagen entera sino la mitad superior; algo similar ha hecho Vikernes en su disco Fallen, no utiliza toda la imagen para la portada de su disco):

Y ahora algunas imágenes de Vikernes:

Antes de entrar en prisión en 1.993 (izquierda) y después de salir de prisión en 2.009 (derecha), 16 años después…

¡¡Vaya cambio!!.

¡Vikernes ha vuelto a las andadas!

La última cena del Inner Circle (Vikernes en el centro de la imagen, rodeado de los miembros de Emperor, Darkthrone, y Mayhem)…Euronymous no estaba invitado.

Está claro que este disco de Dimmu Borgir no es actual (data de 1997). En el título del post aparece la palabra “Reloaded” porque en 2008 se remasterizó el disco y la reedición fue llamada “Reloaded”; tenía algunas cosas añadidas como imágenes de la portada y contraportada del disco así como un video de una interpretación de uno de los temas del disco (Entrance) en un festival de la época (creo que es el Dynamo) e imágenes de la banda de aquella época. Tras decir en numerosas ocasiones que he sido fan de la primera época de este grupo, no de su época más orquestal (Death Cult Armageddon, In Sorte Diaboli…) también tengo que decir que el disco que más me gusta de los noruegos es precisamente éste (considerado por muchos como su mejor disco). A otros fans de la banda les gustarán más otros discos…de lo que no hay duda es de que se trata de su disco más “raw”, es decir, más crudo y que más odio, rabia y dolor transmite (ni siquiera el Stormblast ni con su “remake” ha sido capaz de transmitir esto en su totalidad). Está considerado como uno de los mejores discos de Black Metal de la historia, y ciertamente lo es, aunque tenga sintetizadores (Emperor utilizaban sintetizadores en sus discos y algunos de ellos están entre los mejores discos de Black Metal de la historia; de hecho Emperor fueron los “padres” del Black Metal sinfónico/melódico). Fue el primer disco que hicieron ya con Nuclear Blast y el primero en letras en inglés (los dos anteriores usaban su lengua materna, el noruego). De todo el disco en su conjunto lo que más destacaría son las guitarras tan agudas e hirientes, así como los cambios de ritmo que introducen los sintetizadores y las guitarras, y lo mejor: la desgarradora y salvaje voz de Shagrath. En ningún otro disco de su dilatada discografía ha vuelto a utilizar Shagrath este registro vocálico, ni antes (For All Tid, Stormblast), ni después (Spiritual Black Dimensions, Puritanical Euphoric Misanthropia…) incluso diría más: pese a que su “Puritanical Euphoric Misanthropia” suene más rápido y “novedoso” no transmite esa rabia, ese odio, ese dolor y esa atmósfera “raw” que emana de esta joya llamada “Enthrone Darkness Triumphant”, el cual es, precisamente, un homenaje a la oscuridad ,a la rabia y el dolor; una “Entronización de la Oscuridad Triunfante”. También tengo que decir que fue en su día el primer disco de Black Metal que escuché entero, y, claro, es un disco que aprecio bastante. Recordemos sus temas, que a estas alturas ya son himnos de esta banda (tal vez los mejores temas de la banda, quien sabe).

1. Mourning Palace: El tema que abre el disco, posiblemente el tema de inicio más reconocible de su discografía. Unas solemnes y ominosas notas de sintetizador dan paso al rugido de Shagrath y a unos intrumentos que entran arrasando. Las guitarras son muy agudas, como si fueran miles de agujas que taladran el oído. El sonido es muy raw, y aunque no es muy rápido este tramo posee mucha contundencia sonora. Tras la frase “Hear the cries from the Mourning Palace” se produce un cambio de ritmo más rápido, y donde la voz de Shagrath es cada vez más desgarrada y dolorosa. Y esto da paso a otro ritmo donde se alternan muy bien las guitarras rítmicas y los teclados. ¿Qué más puedo decir del que posiblemente sea el tema más famoso de Dimmu Borgir?. “El Palacio del Dolor (luto, sufrimiento)” es la canción que concierto tras concierto tocan o la última o de las últimas, y no es para menos. En un video de youtube aparecen imágenes de la banda alternadas con imágenes de la Segunda Guerra Mundial (La contienda, los soldados y ejércitos,Openheimer, Churchill, Stalin, Roosevelt al final), porque este mundo es el Palacio del Dolor.

2. Spellbound (by the Devil): Unas siniestras notas de sintetizador que dan paso a la contundencia de los instrumentos inician este tema bien diferenciado en dos partes. La primera muy enérgica, muy rabiosa, llena de odio, y con la voz de Shagrath muy diabólica y también cargada de rabia y odio, del odio más negro y oscuro. Conforme avanza la canción esta voz rabiosa va “in crescendo” hasta llegar a unos alaridos desgarradores: “Death and Terror rules the land, we have been spellbound….¡¡BY THE DEVIL!!”. Le siguen otros no menos desgarradores, y tras unas frases angustiosas y música atormentada unas notas de sintetizador inician la segunda parte de la canción, más melódica, más cargada de dolor (la primera mitad transmitía  más odio). Así finaliza este gran tema (otro de los grandes). En youtube también aparece un directo de este tema donde Shagrath y el entonces guitarrista Astennu daban vomitones de sangre al público y donde se ve tocando los teclados a Kimberly Goss (Sinergy).

3. In Death´s Embrace: Tanto las guitarras rítmicas, como el bajo, la batería y los teclados inician este popular tema del disco. Muy dinámico y rápido. Shagrath sigue con su registro de voz desgarrado (casi deathmetalero) y llega un cambio de ritmo introducido por los sintetizadores que desacelera la canción y le añade un toque más melódico, y tras otro cambio de ritmo la canción se vuelve oscilante y con sonidos pesados a la vez. Para dar paso otra vez a otro cambio de ritmo similar al anterior y volver al ritmo rápido inicial. Todo eso escucahndo las agudas guitarras rítmicas, el bajo, la batería y la desgarradora voz de Shagrath. Ya digo otro de sus temas más populares no solo del disco sino de toda su discografía.

4. Relinquishment of Spirit and Flesh: Esta canción es una de las dos canciones más crudas del disco. De hecho es, junto con Master of Disharmony, la más cruda (“Master of Disharmony” es más brutal y contundente, casi deathmetalera, y esta canción es más cruda propia del  Raw Black Metal). Tras unos inicios muy breves de sintetizador éste no vuelve a dejarse notar hasta el final de la canción. Entre ambas melodías inicial y final discurre una canción extremadamente cruda, muy rápida, con alaridos muy salvajes y crudos; se suceden sonidos muy agudos de guitarras retorcidas tan desgarradas como la voz. Y con los demás instrumentos se escucha una batería muy acelerada y un bajo contundente. Aunque de fondo se escuchen como un eco y en alguna ocasión los sintetizadores, y la canción cambie un par de veces de ritmo a otro más marcado y menos rápido el tema no pierde nada de crudeza, incluso en su parte más “lenta” gana contundencia y la voz de Shagrath es más grave. La parte final vuelve al ritmo acelerado y desquiciado del principio. Tremendo tema.

5. The Night Masquerade: Pese a que su inicio rápido pueda augurar una canción rápida tras el primer cambio de ritmo la canción se vuelve oscilante en su mayor parte. Eso sí, la voz de Shagrath sigue siendo tan cruda y desgarrada como en el resto del disco. En este tema, a diferencia del anterior la presencia de los sintetizadores es más destacada, aunque no es lo principal de la canción sí que le dan una ambientación más angustiosa, y esa misma sensación de angustia y dolor la transmite Shagrath con su voz. Pero al final de la canción se produce un acelerón del ritmo, y se escucha a la vez una voz de lo que parece el mítico personaje de la niña del filme “El Exorcista” (así se llama esta película en mi país, España). Y tras esta voz de niña poseída por Pazuzu se escucha al final de la canción solamente la voz de quien parece ser Satán.

6. Tormentor of Christian Souls: Otra canción que se inicia muy acelerada y con sintetizadores ambientales de fondo, pero esta vez dan la sensación de desazón y malestar. Y tras esta introducción un cambio de ritmo transforma la canción en una sucesión de ritmos sincopados con unas notas de sintetizador muy características. En el disco no aparece la letra de la canción por ser muy ofensiva pero aquí la dejo para que os deleiteis quienes no la conocíais (la letra).

I could drag you to my chambers
and strip you naked in darkness
I could pull out your fingernails one by one
and rape you till you find no hope

I could rip your guts out
and let you watch me
sacrifice your unborn child
I could leave you to starve
and even bring you to total silence
…but I won’t

For I find no pleasure in your physical pain
I want your christian soul to crumble

Your fucking soul

When I have seen your church go up in flames
and you are weeping I will laugh
When I have seen you mourn over loved ones
I will feel bliss when your mortal soul is in ruins
I will grin in the shadows
for that gives me pleasure

Tormenting a christian soul

…y en español para quien no lo entienda:

EL TORMENTO DE LAS ALMAS CRISTIANAS

Podría llevarte a mis aposentos,
Y desnudarte a oscuras,
Podría arrancarte uña a uña,
Y violarte hasta el desespero;

Podría destriparte
Y dejarte ver
El sacrificio del crío no nato,
Podría dejarte medrar
Y aún darte silencio total,
…Pero no lo haré.

Porque no hallo placer en tu dolor físico.
Deseo que tu alma cristiana se desmorone.
Tu puta alma.

Cuando vea el templo en llamas
Y llores: reiré,
Cuando por el prójimo te desconsueles,
Gozaré de tu ruinosa alma mortal.
Reiré en las sombras
Porque me place
Atormentar a un alma cristiana.

7. Entrance: Posiblemente el tema más melódico del disco; al menos el más melancólico. Unos ritmos oscilantes y unos sintetizaderes llenos de melancolía (llama la atención la parte que suenan solamente los sintetizadores con el doble bombo de la batería). Se alternan ritmos algo más desgarrados (junto con la voz de Shagrath) y llenos de dolor. Pero en lineas generales es de los temas que menos cambios de ritmo tiene. Aunque durante un momento parece que se acelere el ritmo vuelve al oscilante ritmo inicial y así hasta el final de la canción. Tal vez sea uno de los dos temas más melódicos del disco. El otro es “A Succubus In Rapture”.

8. Master of Disharmony: Brutal y despiadado, con un inicio muy salvaje y crudo  es este tema; si no el más crudo sí el más contundente, el más brutal y salvaje. Una canción casi propia del Brutal Death Metal (todo lo contrario al tema anterior). Y, aunque cambia de ritmo un par de veces en ningún momento deja de ser sofocante, aplastante, brutal y contundente. La voz de Shagrath sobrepasa el límite blackmetalero y se adentra en rugidos deathmetaleros. De fondo se escuchan de manera ambiental los sintetizadores en algunos momentos. Impresionante, sin necesidad de ser más rápido que algunos temas del disco “Puritanical Euphoric Misanthropia” transmite más odio, crudeza, contundencia y rabia.

9. Prudence´s Fall: El inicio de esta canción también es rápido y contundente, pero tras unas notas de sintetizador sigue con mucha contundencia pero con menos velocidad. Las voces de Shagrath vuelven a ser alaridos muy desgarrados. A partir de la mitad de la canción el sonido se va volviendo más melódico y va perdiendo velocidad así hasta finalizar con notas de sintetizador. Digamos que como es uno de los últimos temas la rabia y el odio da paso a la angustia y el dolor. en esta canción los sintetizadores tienen un papel alternado con las guitarras, bajo y batería.

10. A Succubus In Rapture: La última canción del disco, la más melódica, la canción de corte más clásico Heavy Metal. Una canción llena de tristeza, dolor y angustia. La voz de Shagrath también transmite esa angustia y tristeza. Y aunque en algunos momentos parece que se acelere apenas cambia a ritmos rápidos. Hay dos momentos donde se escuchan guitarras melódicas, uno a mitad de canción y el otro momento es el mejor: el final de la canción; la melodía está introducida por unas notas de sintetizador que dan paso a los acordes finales de guitarras melódicas (en este tema se escucha por unos segundos el registro vocálico normal de Shagrath, si os fijais). Si el disco se inicia con unas notas muy solemnes y un tema muy clásico y monumental, su final no iba a ser menos: triste, melancólico, desgarrado, lleno de dolor. Tremendo final. Uno de los mejores temas del disco (y también de su discografía).

11. Raabjorn Speiler Draugheimens Skodde (Bonus Track): Esta canción es en realidad una regrabación de un tema de su primer disco “For All Tid”. Tras unas notas de sintetizador que parecen de piano las guitarras el bajo y la batería van irrumpiendo, pero no de forma contundente sino más rítmica y melódica. Es una canción con mucha rítmica y de sonidos un tanto épicos (su primer disco habla sobre leyendas mitológicas nórdicas, y lugares de la mitología nórdica y escandinava, de ahí que no quisieran traducir las letras de ese disco, ni siquiera al inglés). Aunque Shagrath utiliza el mismo registro vocálico suena extraño ya que canta en noruego. La canción tiene, como ya he dicho, muy buenos ritmos y una melodía casi épica. A mitad de canción la velocidad se vuelve menos dinámica, y más densa. La voz de Shagrath se vuelve más aguda, y los sintetizadores se escuchan más , así como unos extraños acordes de guitarra que suenan entre las frases de Shagrath y le dan un aire inquietante a esta última parte de la canción.

Como ya he dicho no es un disco nuevo, pero sí que me parece su mejor disco; y como se ha levantado cierto revuelo (provocado por ellos mismos) tras la aparición de su “Abrahadabra” por el mero hecho de compararlo con los sonidos del “Enthrone Darkness Triumphant”, pues qué mejor manera de comprobarlo que escuchando otra vez esta obra maestra. (Comprobar si es cierto que Abrahadabra es un retorno a esta obra maestra…juzgad vosotr@s mism@s)

Os dejo unas fotos de la banda en esa época (1997):

Shagrath en un directo de 1997.

Otra foto del mismo directo, con Silenoz al fondo.

Y otra foto de Shagrath en acción. Durante un directo del Enthrone Darkness Triumphant (1997).

…Os presento a los verdaderos Dimmu Borgir, o mejor dicho, Dimmuborgir:

Estas formaciones volcánicas se encuentran al noreste de Islandia, cerca del volcán Krafla (no confundir con el temido Katla, que está al sur del país). Son llamadas las Dimmuborgir (Fortaleza Oscura en islandés). Shagrath y los suyos fueron de visita a este extraño y desolado lugar (como casi toda Islandia) y su nombre les inspiró para bautizar a su banda.

Otra imagen de Dimmuborgir.

Y más formaciones volcánicas del área Dimmuborgir.

En esta cueva Shagrath y los suyos quedaron afectados por los gases del lugar (o se fumaron algo) y encontraron la inspiración para bautizar su banda .

Esta banda, originaria de Puerto Vallarta Jalisco, fue formada a finales del 2006 por Kedart (voz) y Norbak (teclados), comenzaron a escribir canciones con la finalidad de no encasillarse en un solo género, buscando complejidad en la letra de las canciones hablando de miedos, seducción, metáforas góticas llenas de libertad. Tiempo después se unen al proyecto Scarcrow (bajo), Geegee Bleeth (batería) y Zephar (guitarra).

En el año 2007 comienzan la grabación de su primer demo en los estudios Pierleblack en Tepic Nayarit, ayudados de la producción de Daniel Pier quien fue el encargado de la remasterización profesional y la dirección orquestal de este, pero no fue sino hasta el año 2009 cuando por fin fue liberada esta primer producción.

Gracias al apoyo que reciben de parte de Eyescream Productions la banda ha abierto conciertos para importantes bandas en conciertos en la república, tales como el concierto de The 69 Eyes este año.

El estilo de la banda se puede ubicar entre el Black metal sinfónico con un poco de gótico, con un protagónico uso de los sintetizadores en todas sus canciones, su primer disco consta de 9 canciones sumando un total de 35 minutos.

1. Intro
2. Profecía
3. Liturgia
4. Le Petite Morte
5. Emarebil
6. Siniestra
7. Demencia
8. Sentencia
9. Entrega (Bonus Track)

Emarebil:

Mi descubrimiento de esta banda es reciente, embrujado por la calidad de su música me sorprendí al saber que eran mis paisanos (de hecho somos del mismo estado: Jalisco). Son contados los casos de bandas mexicanas que sobresalen o me gustan (Hocico, Brujería, Transmetal) y Emarebil Nocturna me ha parecido que puede llegar a estar muy por encima de estas bandas si mantiene la calidad demostrada hasta este momento.

Y al final llegó la prueba de fuego para estos noruegos que tanto han dado que hablar. Después de su anterior disco “In Sorte Diaboli”,  apreciado por muchos y odiado por otros (por mi parte no me pareció su mejor disco, más bien uno de sus discos más flojos), hubo drásticos cambios en la formación…en realidad se quedaron los miembros fundadores Shagrath y Silenoz junto con su buen amigo de la infancia Galder; hasta bandas como Dimmu Borgir notan la crisis, parece ser, ya que Abrahadabra ha sido realizado en los estudios que Shagrath tiene en su casa de Oslo y en la ciudad sueca de Uppsala, ciudad natal de los blackmetaleros Watain (¿Querrán los Dimmu que se les pegue algo de estos suecos tras su monumental “Lawless Darkness”?). La verdad es que como antiguo fan de sus primeros discos (For All Tid, Stormblast y su versión MMV, Enthrone Darkness Triumphant) pues no me importó nada que se fueran Mustis y Vortex, y presté más atención ya que Shagrath y Nuclear Blast comentaron que el nuevo disco sería un retorno al sonido Raw del Enthrone Darkness Triumphant y con orquesta, vamos una mezcla de su última etapa y de su primera etapa…y así ha sido.

El disco es un homenaje al verdadero Aleister Crowley (Edward Alexander Crowley, 12 de octubre de 1875 – 1 de diciembre de 1947) famoso ocultista inglés de finales del S.XIX y principios del S.XX que realizó numerosos viajes, entre ellos el que menciona esta banda, a Egipto (el Cairo) y donde escribió su “Libro de la Ley” en 1904, un manual de ocultismo práctico y donde aparece tres veces el término “Abrahadabra” (“voy a crear mientras hablo”, es lo que significa). Perteneció a la Orden Hermética del Alba Dorada (la Golden Dawn) a la que también perteneció, entre otros el escritor galés Arthur Machen, autor de obras como “el Gran Dios Pan”.Fundó la Ordo Templi Orientis (O.T.O) y fundó años después la orden esotérica Thelema en Italia ( la banda Behemoth le dedica un disco entero a todo esto; y no sólo su disco “Thelema 6″, casi toda su discografía hace referencias a Crowley, Dee y a civilizaciones y cultos paganos precristianos), incluso llegó a participar a una expedición al K2 en el Karakorum. Se dice que conoció la identidad del verdadero Jack el Destripador, incluso hizo una conferencia haciendo apología del psicokiller Gilles de Rais alias “Barba Azul”. Llamado también la Gran Bestia o la Bestia 666. Podría estar diciendo más detalles sobre su biografía (que tengo un libro bastante gordo en casa sobre su vida y obra) pero no me quiero entretener, digamos que junto con John Dee, Helena Blavatsky y H.P. Lovecraft entre otros ha sido una de las figuras más relevantes del ocultismo mundial. También el disco hace referencia a la mitología de H.P Lovecraft de la que en otras reseñas he hablado (Azathoth, Nyarlathotep, Cthulhu, Dagon, Yog-Sothoth, Shub-Niggurath…) y muy veladamente a H.P Blavatsky. (Bueno, claro está que yo no soy el verdadero Aleister Crowley, es un nickname que uso en Internet, mi nombre de pila es David). Pero claro, en el disco y en las letras es muy difícil rastrear a los Grandes Antiguos (The Great Old Ones) “lovecraftianos” salvo en algunos temas, y cuando hable de tales temas lo diré. El ambiente glacial y postindustrial al que se refiere y que aparece en las imágenes del libreto con lobos incluídos es porque según los nórdicos el “Armageddon” llamado por ellos “Ragnarok”, el fin del mundo será por una glaciación. Y parace ser por noticias que he estado leyendo en Internet y en varios libros (no hace mucho leí un libro llamado “Calor glacial”, el cual nos comenta que nos vamos hacia una glaciación que empezará este siglo) estamos entrando en una nueva glaciación (entre Noruega e Islandia se está parando la Circulación Termohalina…y a la espera están de que erupcione el Katla) la cual pondrá punto y final al Capitalismo Industrial y a esta Era (Interglaciar) llamada metafóricamente Era Piscis…fijaos las cosas que se pueden extraer leyendo entre líneas las letras del disco.

“Abrahadabra” es un disco que intenta conjugar lo mejor de su etapa más reciente con lo mejor de su primera etapa, intenta satisfacer a los dos tipos de fans que tiene Dimmu Borgir, y ciertamente lo consigue. No voy a entrar en debate si es o no su mejor disco pues tiene reminiscencias del “Enthrone Darkness Triumphant” y del “Puritanical Euphoric Misanthropia”. Original no es, aunque yo no esperaba que fuera original, sino que recuperaran la credibilidad perdida en su “In Sorte Diaboli”. La verdad es que cumple con las expectativas puestas en él, y me da la sensación de que podría ser su disco de despedida (el sospechoso nombre de algunos temas como: “Dimmu Borgir”, “Renewal” o “Endings and Continuations” o el mero hecho de ser un disco que contiene lo mejor de los anteriores y una orquesta de verdad sonando en casi la mayoría de sus temas parece que así lo avalen)…que sea su último trabajo de estudio el tiempo lo dirá. Veamos el disco tema a tema.

1. Xibir: Una breve y ominosa introducción con un sonido extraño al que se le añaden coros de voces y la orquesta sinfónica que colabora en el disco. Parece un poco apocalíptica la música, con las trompetas, los trombones, los coros, los violines…un tema bastante bueno. Todo orquestal.

2. Born Treacherous: Se inicia con una guitarra e inmediatamente Shagrath entra en acción así como el resto de la música. Se inician los clásicos cambios de ritmo de los que Dimmu ya ha hecho uso en otras ocasiones. Se alternan pasajes orquestales con pasajes de instrumentos metaleros. La combinación de orquesta y banda es muy buena. El trabajo de la batería es bastante bueno, así como el de los coros que acompañan la orquesta y el resto de la música. Es un tema dinámico más que rápido, con alternancias de ritmos y tempos. Shagrath utiliza aquí un registro vocálico algo más desgarrado que en anteriores trabajos, recordando un poco al registro del “Enthrone Darkness Triumphant” sin embargo aparece la voz “robotizada” en algunas partes.

3. Gateways: A estas alturas imagino que la mayoría de los fans de esta banda lo habrán escuchado y habrán visto el video. Es el tema si cabe más comercial del disco, con multitud de cambios de ritmo, con la orquesta sonando de fondo…también es un tema dinámico como el anterior, aunque con más cambios de ritmos, algunos sincopados. En este tema Shagrath hace una exhibición de registros vocálicos más blackmetaleros y a veces más deathmetaleros, incluso hacia el final canta con su voz normal durante un momento muy breve (la última frase de la canción). Una voz femenina acompaña a Shagrath (Agnete Kjolsrud). la cual también utiliza varios registros vocálicos, más agresivos y más melódicos al final de la canción. La versión del single era más comercial, sin embargo cuando apareció el disco sonaba incluso mejor al escucharse junto con las demás canciones. Aun así no deja de ser su tema más comercial, y no por ello es un mal tema; es un tema más trabajado. “Gateways” son los portales por los que volverán los ” Great Old Ones” lovecraftianos.

4. Chess With The Abyss: Tras un inicio guitarrero irrumpen las voces, los teclados, los coros… todo a una velocidad media, pero bastante dinámica. Y ,cómo no, cambios de ritmo, mucho más marcados y mejor elaborados. Este es un tema cuya letra tiene reminiscencias lovecraftianas: el abismo de oscuridad al que se refiere la letra no es otro que Azathoth, el Caos Primordial (Parabrahman para los hindúes y Helena Blavatsky) hablando de un retorno al mismo. Ya digo, el tema es un tema a medio tempo, no demasiado rápido, pero sí enérgico a la vez que melódico.

5. Dimmu Borgir: El tema más épico, iniciado con los coros de la orquesta. Tampoco es uno de los temas más rápidos pero sí el más épico, en el que más se exhibe la orquesta sinfónica (de Noruega) que acompaña a la banda en este disco. Es el tema homónimo de la banda. Dimmu Borgir significa en islandés “Fortaleza Oscura”. Shagrath y los suyos tomaron el nombre de unas formaciones volcánicas situadas en Islandia, no muy lejos de los cráteres del sistema volcánico Laki (el cual tras su erupción en 1783 desencadenó 6 años después La Revolución Francesa; zona cercana al temible Katla). A mitad de canción se escucha un soliloquio de Shagrath con su voz normal y una pieza de guitarra más bien melancólica, para dar paso a los coros de nuevo y a la orquesta acompañada de la banda, ya digo, un tema épico, trágico, como si tratara de anunciar el fin de la civilización (que no de la humanidad). Casi al final de la canción el ritmo cambia para volverse algo más agresivo y ominoso, y menos épico.

6. Ritualist: Este tema ya es algo más rápido (aquí se puede decir que empieza la “segunda parte” del disco, la que recuerda más al “Enthrone Darkness Triumphant”. Tras un inicio con Shagrath hablando y unos acordes de guitarra irrumpen los instrumentos con mucha furia y velocidad; Shagrath acompaña con su voz también furiosa, y con ese estribillo tan marcado “Ritualist”. Se alternan partes muy rápidas y veloces con el estribillo algo más lento. Y con la orquesta sonando de fondo, aunque esta vez destaca menos que en otros temas. Ritualista era Crowley, (y hay quien dice que fue agente secreto de la Reina de Inglaterra durante la Segunda Guerra Mundial). En este tema se escucha la voz del bajista que tenían para la ocasión: Snowy Shaw. Aunque a partir de la mitad del tema aparecen más cambios de ritmo no deja de ser un tema enérgico, y rápido.

7. The Demiurge Molecule: Este tema con una letra un tanto encriptada (difícil de descifrar) tiene una atmósfera algo más pesada, y Shagrath utiliza un registro más Deathmetalero al menos en su inicio. Los cambios de ritmo, tempo y de registro vocálico también son una característica en la canción (ritmos sincopados, más rápidos, más lentos) y todo acompañado por una orquesta que se escucha mejor que en el tema anterior, ya que esta canción no va tan rápida. El Demiurgo según Lovecraft es “Nyarlathotep” mesajero y alma de los Grandes Antiguos (el Arquitecto de los Universos, del Multiverso) según Helena Blavatsky sería Brahmá-Fohat. La Molécula del Demiurgo bien puede entenderse como la famosa “Partícula de Dios” del ya conocido Colisionador de Hadrones, pero en clave esotérica y ocultista; todos buscan esa piedra filosofal, esa molécula, que es la dadora de la vida a través de la palabra, “el Verbum” del Logos o Demiurgo. El final del tema ya es algo más épico y calmado, y con varios cambios de ritmo. Un tema bastante trabajado, y un tanto complejo.

8. A Jewel Traced Through Coal: Y aquí se inicia la parte que más me gusta del disco, tres temas rapidísimos y crudos encadenados. Aunque su inicio es con una percusión tranquila acompañada de un piano, y unos inquietantes sonidos, no os engañeis. Se introducen los demás instrumentos para de repente transformarse en un ritmo casi totalmente Brutal Death (si no fuera porque a media canción cambia de ritmo y se escucha algo de orquesta). Incluso la voz de Shagrath es casi de Brutal Death. Ya digo rápido, crudo y brutal, como en los viejos tiempos, como hace tiempo no escuchaba en esta banda (¡por fin!). Tremendo, rápido, crudo, furioso…el trabajo de la batería aquí es genial, muy bueno. También hay cambios de ritmo a otros ritmos más relajados musicalmente, pero no en lo vocálico donde Shagrath sigue cantando con furia. Y también la orquesta introduce su parte musical con sus coros; ya cerca del final de la canción vuelven los ritmos machacones y rápidos a lo Brutal Death. Muy buen tema. De los que más me gustan.

9. Renewal: Junto con el tema anterior es el que más me gusta (quizás un poco más éste). Otro tema a gran velocidad y furia. Directamente se inicia rápido sin concesiones (recuerda un poco al tema “Indoctrination” del disco “Puritanical Euphoric Misanthropia), incluso aparece un solo breve de guitarra, al que le sigue una parte algo menos rápida pero más furiosa, y otra parte más rápida y cruda con sintetizadores que recuerdan los que sonaban en el disco “Enthrone Darkness Triumphant”. La alternancia de ritmos muy rápidos y otros menos rápidos es tal que hace que el oyente deba prestar bastante atención a la canción. Rápida y compleja. También suena la voz del bajista Snowy.

10. Endings And Continuations: Con sonidos acuosos y unas voces propias de un ritual se inicia el tema que concluye el disco. “Abrahadabra” suena en voz muy baja. La entrada de los intrumentos también va acompañada de sintetizadores. La velocidad es relativamente elevada, sin embargo gana más en contundencia al principio. Es en el estribillo cuando se acelera y se vuelve muy crudo el tema, similar a los dos temas anteriores. Incluso la voz de Shagrath se recrudece y en cada frase del estribillo utiliza un registro diferente (Blacmetalero o Deathmetalero). También se escucha la voz de Snowy, pero esta vez un poco más de tiempo. “Abrahadabra” es lo que se oye del coro tras los registros vocálicos de Shagrath en el estribillo. Y tras las voces de Shagrath y Snowy acompañadas de la orquesta y los instrumentos de la banda finaliza el tema, repitiendo la palabra “Abrahadabra”.

11. Gateways, Orchestal Version (Bonus Track): Una de las ediciones especiales viene con la versión totalmente orquestal de este tema y su video (en otras ediciones aparece el tema Dimmu Borgir en versión orquestal). Un tema muy interesante, hecho por la orquesta sinfónica que colabora con la banda en el disco. Con muchos detalles, con bastante complejidad. Es un tema que no tiene ningún desperdicio.

12. Perfect Strangers (Deep Purple cover, Bonus Track): Y en otras ediciones especiales también aparece, además de la versión orquestal de Gateways, esta versión de los ultraclásicos Deep Purple una de las bandas que iniciaron el género “Heavy Metal”, del cual aparecieron posteriormente subgéneros, entre ellos el Black Metal. La versión está bastante bien, incluso más dura, ya que tiene ese toque de estar interpretada por una banda Blackmetalera. Aquí se escucha más la voz de Snowy y la voz de Shagrath es totalmente su registro normal, sin los gruñidos Blacmetaleros ni Deathmetaleros. Shagrath está en una banda de Hard Rock llamada “Chrome Division” además de estar en Dimmu Borgir.

En definitiva, “Abrahadabra” es un disco que recupera bastante credibilidad perdida tras su anterior y flojo trabajo “In Sorte Diaboli”. Homenajean a los (tres) grandes del ocultismo (a excepción de John Dee): Aleister Crowley, a H.P. Lovecraft y a H.P. Blavatsky (aunque a esta última sólo sea de forma velada el homenaje; y digo Helena Blavatsky porque esta ocultista fundadora de la Sociedad Teosófica fue y ha sido la base e inspiración de Aleister Crowley y sobre todo de H.P. Lovecraft para “crear” su cosmogonía). Un disco que en lo musical contiene los mejores elementos de sus anteriores discos, no se hace largo, y además es, como dijo Shagrath, detallista y muy eleaborado.

Esta imagen es una imagen promocional del disco. Aparecen los tres únicos miembros permanentes de la banda: Galder (Thomas Rune Andersen, abajo a la izquierda), Shagrath (Stian Tompt Thorensen, arriba de la foto) y Silenoz (Sven Atle Kopperud, abajo a la derecha).

Esta máscara (que aparece en el video Gateways) es una de las ediciones especiales del disco; en la parte de los ojos estaría el CD y el libro con las letras y fotos. Según Shagrath es la máscara que representa a los Grandes antiguos (the Old Ones). Aprovecho para recomendaros el libro de John Coulthart “The Haunter In The Dark, and Other Grotesque Visions” donde aparecen imágenes de los Great Old Ones lovecraftianos y acompañado de textos de el famoso escritor de cómics Alan Moore (“From Hell”, “The Watchmen”…).

La edición es bastante cara; es una de las versiones europeas.

Y ésta es la otra edición especial europea, más económica (la que yo tengo).

Ésta es una imagen de Aleister Crowley.

AZATHOTH: EL CAOS PRIMORDIAL. La deidad suprema del paneton lovecraftiano.

NYARLATHOTEP: alma y mensajero de los dioses. El Demiurgo, el Gran Arquitecto del Multiverso.

Y Cthulhu, la deidad más conocida del panteón lovecraftiano.

Los tres músicos de la foto (el tridente, ya que ese es el símbolo de la banda) son los que conforman esta gran banda de Black Metal sueco. Son: Erik Danielsson (bajo y cantante, a la derecha de la foto), Hakan Jonsson (batería, a la izquierda de la foto) y Pelle Forsberg (guitarra, en el centro de la foto); aunque como sus discos han adquirido una creciente complejidad (y monumental calidad) en los directos también cuentan con Set Teitan (Davide Totaro) a la guitarra y Alvaro Lillo al bajo. Formados en 1998 en la ciudad sueca de Uppsala (cerca de Estocolmo) sus inicios fueron de lo más discretos, realizando unas maquetas con sonido bastante cutre: “Go Fuck Your Jewish “God” (demo de 1998) y “The Essence Of Black Purity” (E.P de 1999); la verdad es que no despuntaban entonces, pero no hay que olvidar que se autoproducían y “se han formado a sí mismos como banda” sin ayudas externas.

En el año 2000 editan su primer L.P llamado “Rabid Death´s Curse”, un disco con un sonido todavía bastante primitivo y con una producción muy underground.

Ya digo, un disco muy crudo, con un sonido muy primitivo y rabioso que dejaba claro que eran de la corriente más underground y menos comercial del género.

Sin embargo en 2003 (un hecho destacado es que entre disco y disco suelen pasar entre 3 y 4 años, y ello es prueba de que su música es de mucha calidad) ya dan un gran paso con la publicación de su segundo trabajo llamado “Casus Luciferi”.

En este disco los temas ya están más elaborados, y, aunque el sonido sigue siendo crudo, las canciones ya tienen variedad de ritmos y de velocidad. Ellos mismos reconocen que este disco les costó más trabajo elaborarlo. Lo cierto es que se trata de uno de los mejores discos de la historia del Black Metal. Muchos se esfuerzan, y no entiendo la razón, en comparar esta banda con sus paisanos Dissection. Si bien es cierto que la temática de los primeros discos de Watain es similar a la temática utilizada por Dissection en lo musical no se parecen en casi nada, es más Dissection es en bastantes ocasiones muy melódico (casi épico). En cualquier caso este disco les colocó a la altura de las grandes leyendas del Black Metal (los sobrevalorados Mayhem, Dissection, Bathory, Burzum, Darkthrone, Emperor). En una edición especial de este disco aparece como bonus track el tema Watain de la banda VON (banda de black metal norteamericana, de la que Watain extrajo su nombre basándose en el título del tema Watain).

Y llegamos a 2007…

“Sworn To The Dark” supuso el gran paso de gigante de la banda, su más notable diferenciación  del resto (sí, del resto, sin excepciones) de las demás bandas de Black Metal. Muchos lo colocaban a la altura del sobrevalorado “De Mysteriis Dom Sathanas” de Mayhem o del “Storm Of The Light´s Bane” de Dissection. Personalmente pienso que los supera y en su momento se consagró si no como el mejor como uno de los mejores trabajos de la historia del Black Metal. Y eso que el disco casi pasó de puntillas en el mercado internacional. La verdad es que temas como el tema homónimo, “Storm Of The Antichrist” o “Satan´s Hunger” lo demuestran, incluso su último tema “Stellarvore” que parece un ritual ocultista de principio a fin así lo atestigua. Tremendo disco, brutal, con unos cambios de ritmo muy buenos, más rápidos, más lentos y todo ello sin sintetizador. Y los directos, pues es para verlos en directo, la verdad…

Watain – Sworn to the Dark:

Watain – Stellarvore:

…Y como es habitual en Watain han pasado tres años y ahora, en 2010, acaba de salir su nuevo trabajo llamado “Lawless Darkness” algo así como La Oscuridad Ingobernable (un homenaje al Caos, a Ain de la Kabbalah, a Parabrahman, a Nun, a Hunab Ku,  a Ginnungagap, o el Azathoth lovecraftiano,llamadlo como querais, es la misma entidad vista por diferentes culturas, el caos primigenio el origen y final de todo, El Todo Absoluto/ La Nada Absoluta). La banda comentó que el disco iba a ser un “Renacimiento del Black Metal” y ciertamente lo es, ya que estos últimos años el resto de las bandas de Black Metal estaban empezando a repetirse a sí mismas y eso ya era preocupante. La única manera de hacer renacer este (sub)género  de metal era ir a los orígenes, y los orígenes del Black Metal son el Heavy y el Trash Metal. Sinceramente , el disco está muy por encima de sus antecesores (y eso que son muy buenos) y muy por encima del resto de las bandas de Black Metal. Veamos el disco tema a tema.

1. Death’s Cold Dark: Tras un inicio un tanto tenebroso el tema irrumpe con mucha furia y velocidad, tanto en las guitarras, como la batería, como el bajo, como la voz de Erik. Todo de manera brutal, al poco tiempo se produce el primer cambio de ritmo menos rápido, y luego otra vez otro cambio a un ritmo más intenso, para dar paso a otro ritmo más sincopado. Así sucesivamente todo el tema, una alternacia de ritmos entrecruzados de guitarras, bajo y con un trabajo muy impecable en la batería. No digamos ya  los registros vocálicos de Erik, variados, rabiosos. Ya digo, un tema muy furioso, tremendo. (Watain suelen empezar y finalizar los discos con temas muy llamativos,; esto destaca, sobre todo, en este disco y en el anterior). La verdad es que la complejidad de los cambios de ritmo en este tema (y en los anteriores) es muy elevada, así que lo mejor es que lo escucheis.

2. Malfeitor: El inicio de este tema son unos acordes de guitarra un tanto melódicos, pero rápidamente el ritmo cambia tras un grito desgarrador de Erik . También es un tema que durante los primeros segundos se producen varios cambios de ritmo, unos sincopados, otros más rápidos y otros más lentos. Y tras los ritmos sincopados se produce un viraje a un ritmo algo más rápido, que va ganando poco a poco velocidad y que da paso a guitarras melódicas y a un registro vocálico menos desgarrado. Una parte de guitarra melódica y otra vez el ritmo del inicio. Ya digo, otro tema con multitud de cambios de ritmos entrelazados. El final del tema es más bien lento, con guitarra melódica, poco a poco más lento y así finaliza.

3. Reaping Death: Este tema fue el aperitivo del disco, hubo un single del mismo cuya cara B era un “cover” de Bathory llamado “The Return Of Darkness And Evil”. ¡¡Este disco consiguió el Disco de Oro en la primera semana!!. Reaping Death es el tema más inmediato del disco. De inicios machacones y taladrante, con un estribillo muy pegadizo; tampoco está exento de cambios de ritmo rápidos y lentos (menos cambios que otros temas) con partes de guitarra melódica y con ¡un (desquiciado) solo de guitarra casi al final de la canción!.

4. Four Thrones: Se inicia con cierta tranquilidad y pesadez en los instrumentos, para dar paso a unos ritmos más marciales y a un ritmo más oscilante. El estribillo de este tema es muy marcado; “Hail Lucifer”, “Hail Leviathan”, “Hail Belial”, “Hail Belzebuth” son los regentes de los cuatro tronos a los que se refiere la letra. Pese a que no es de los temas más rápidos sí que es de los más pesados y oscuros, incluso a mitad de canción hay un cambio de ritmo que la transforma en otro tema totalmente diferente, a medio tempo, para finalmente volver a los ritmos originales. Las guitarras melódicas se intercalan de vez en cuando entre las rítmicas. También destacaría el protagonismo del doble bombo de la batería en este tema, el cual le da mayor pesadez.

5. Wolves Curse: Iniciado con unos acordes tranquilos y aullidos irrumpe de manera muy violenta un brutal y furioso grito de Erik. Es uno de los temas más largos, y de los mejores (la verdad es que no hay ningún tema malo, ni flojo en este disco). Ritmos frenéticos acompañados de guitarras melódicas, y un estribillo muy característico (“Beware the Wolves Curse, Beware the Dark”) son los rasgos principales de este tema. Es uno de los temas más trabajados y elaborados del disco. En una de las partes de la canción se escucha una parte de guitarra melódica con apariencia de solo. (La verdad es que son tan complejos estos temas que cuesta describirlos, son, por así decirlo un “caos ordenado”, así que si teneis interés no dudeis en adquirir el disco, vale la pena).

6. Lawless Darkness: El tema homónimo del disco es un tema totalmente instrumental, y muy épico. No es un tema rápido pero sí un tema bastante elaborado. Se trata de un homenaje al propio Caos, a la Oscuridad Ingobernable. En el anterior disco también aparecen dos temas instrumentales, pero son más cortos y más lentos. Este tema también evoca a las atmósferas lovecraftianas (como ya he dicho el Caos según qué culturas tiene diversos nombres: Caos para los griegos, Ain para los hebreos, Nun para los egipcios, Hunab Ku para los mayas, Ginnungagap para los nórdicos, Parabrahman para los hindúes y Helena Blavatsky y Azathoth para H.P Lovecraft). No hace falta decir que Lovecraft es uno de los referentes de inspiración de esta banda.

7. Total Funeral: Este tema ya es bastante más agresivo y furioso. Iniciado con unos acordes aislados irrumpe con velociad y furia. Y tras un cambio de ritmo se adentra en ritmos más propios del Black Metal más clásico y underground. Posiblemente sea uno de los temas más Blackmetaleros del disco. Pero también tiene muy buenos y entrelazados cambios de ritmo, además de tener un estribillo muy pegadizo. Erik utiliza variados registro musicales (su voz desgarrada y unos alaridos que parecen ecos distantes, incluso algún “growl” al estilo “Death Metal”.  Tiene muchos elementos Trashmetaleros, incluso un solo de guitarra casi al final. (digamos que se alternan pares Blackmetaleras y Trashmetaleras).

8. Hymn To Qayin: El tema más Black metalero del disco (y el más épico), un himno a Caín. Furioso, denso, brutal, incluso con guitarras melódicas. También se alternan los cambios de ritmo, dentro de una densidad casi claustrofóbica. Ya digo un tema que apenas da tregua, salvo en algunas partes algo más melódicas. Casi al final llega a su momento más épico gracias a una melodía muy trabajada.

9. Kiss Of Death: El tema más variado, y el más complejo del disco (y uno de los mejores). Los riffs de guitarra del principio son Deathmetaleros. Un cambio de ritmo nos introduce a unas partes algo más densas y un tanto esquizofrénicas, para luego introducir riffs más Blackmetaleros. Incluso hay una parte muy melódica y melancólica tras el estribillo (de lo mejor de la canción, y además inesperada). Y tras esta parte melódica otro cambio de ritmo más marcial. Cabe destacar que en esta canción Erik no utiliza ningún filtro para la voz (no usa filtro de voz en el micro en ningún tema, pero en este tema es donde más se nota)…..los efectos de agua que se escuchan al final del tema son los que introducen el siguiente y último tema del disco…

10. Waters Of Ain: Considerado como el Magnum Opus no sólo de este disco sino de toda su discografía Las Aguas de Ain (el Caos; para curios@s: Ain es el aspecto más primitivo del Todo Absoluto/ La Nada Absoluta en la Kabbalah hebrea, Ain es la Nada Absoluta, el Vacío o Caos, Ain Soph sería el Todo Absoluto y Ain Soph Aur la Luz Absoluta que se corresponde con Lucifer, el Fohat de la Doctrina Secreta o el Brahma hindú, del que emerge la Trimurti) también se inicia con unos acordes más bien tranquillos tras los cuales irrumpe el tema con mucha furia (se trata del tema más largo del disco, 14:28 minutos). Durante su primera mitad es un tema rápido y en ocasiones machacón. Intenso, muy intenso. Pasada la mitad del tema hay un par de partes más melódicas y tranquilas, una de las cuales introduce una parte muy brutal y desgarradora que de repente nos trae otra parte calmada donde solo se escucha a Carl McCoy, el cantante y líder de la banda de Gothic Rock/Metal  Fields Of The Nephilim. Y tras esta parte aparece el final de la canción: un grandioso solo de guitarra al más puro estilo Heavy Metal. Ya digo, MONUMENTAL, SU OBRA MAESTRA (en una entrevista Erik, el cantante y bajista, dijo que le gustaría que durante su funeral sonara esta canción…y no es para menos).

11. Chains Of Death (Death SS  cover): Este tema es una versión del tema Chains Of Death de la banda de Heavy Metal italiana Death SS. Un gran homenaje a esa banda y a los orígenes del metal.

Notas Finales: Si eres un/a verdader@ fan del Heavy Metal en todas sus variantes y subgéneros este disco te gustará sin duda. Es un disco más melódico que Sworn To The Dark y más agresivo que Casus Luciferi, tiene más de todo, es muy completo. Cuando dijeron que habían hecho renacer el Black Metal no mintieron, ya que si nos adentramos hacia los orígenes del Black Metal vemos que es un subgénero del Trash Metal (al igual que el Death Metal) sin olvidar que todo subgénero del Metal tiene su origen en el Heavy Metal. De ahí que tenga elementos Heavymetaleros, Trashmetaleros, Deathmetaleros con sus solos de guitarra…Para hacer renacer el Black Metal hay que ir a los orígenes del Metal y adaptarlos al estilo propio, y vemos que Watain es las poquísimas bandas (si no la única) de Black Metal (y de Metal) con personalidad propia. (Y no busqueis comparaciones en los sobrevalorados Mayhem o en Dissection, yo no las veo). Como habreis leído la escena noruega fue la Segunda Ola de Black Metal, y la primera fue: Hellhammer/Celtic Frost, Bathory, Slayer (los discos “Hell Awaits” y “Show No Mercy”), Mercyful Fate, Morbid Angel, Venom…y es en esta Primera Ola de Black Metal en la que Watain se ha fijado para hacer renacer el Black Metal.

…Y ahora algunas imágenes de la banda en directo…

La verdad es que se parece a un Uruk Hai ¿verdad?.

Además de las clásicas pinturas utilizan sangre…

…Y cabezas de cordero desolladas (el resto del cuerpo sirve de adorno para el micro que utiliza Erik).

…Además el disco viene con una edición especial dentro de un libro de cuero negro con el logotipo de la banda (el libro de cuero es el “estuche”) y que contiene una bandera con una de las imágenes que aparecen en el libreto, la edición digipack del disco con el bonus track, un colgante, una vela (para invocar a Lucifer, Leviathan, Belial y Belzebuth…o a quien querais), y unas 10 cartas de Tarot en la que cada una representa una imagen de cada una de las 10 canciones del disco y una de esas imágenes, la que corresponde al tema Total Funeral, es la que aparece en la bandera.

Como les decía, podrán encontrar varias bandas con este nombre, pero la banda que más destaca (almenos desde mi punto de vista) son éste par de italianos que se dedican a hacer un Black Metal con tintes folkloricos, melancólicos, sinfónicos y épicos.

Puede parecer una combinación extravagante, en momentos suena alegre, en otros triste, momentos épicos, combinación de varios estilos de voces, aunque la principal suena a alaridos de plegaria salidos del purgatorio, este par de italianos interpretan un muy digno papel de Nazgûls, la letra de las canciones están completamente en latín.

Aunque sólo tienen un disco y data de hace algunos años (2002), la producción está muy lograda, que sin duda nos transporta en un viaje por los reinos de los orcos, los elfos y los hobbits.

La primer pista: Proemium es una corta introducción sinfónica que nos prepara para el verdadero contenido, arreglos de cuerdas hechos con sintetizadores y voces operísticas.

En el segundo tema: Hult-Garth (Qui Inferorum Animas Excitat) (Hult-Garth, aquel que invoca almas de muertos) podemos apreciar el verdadero sonido que nos trae Nazgul, ágiles ritmos de la batería, gritos de lamentos salidos del infierno combinados con una voz limpia, con contrastados cambios de ritmo, pasando de una ametrallante exclamación a tranquilos ritmos medievales con tintes sinfónicos, para retomar el camino del metal.

El tercer tema es Elficidium (algo así como Mazacre élfica), narra la emboscada a una aldea élfica por parte de los orcos, asesinando a un gran número de ellos al no estar preparados para el asalto. Comienza con una alegre flauta antes de la batería, guitarras y teclados, esta canción me sorprendió por la combinación de géneros, ritmos alegres, luego agresivos, luego épicos… todo un coctel musical, de mis piezas favoritas del disco.

El cuarto tema Dies festi… es una corta pieza instrumental que recuerda un festival (de ahí su nombre: Día festivo).

In Summis Montibus (En la punta de las montañas) es una pieza agresiva que combina una trompeta con la furia de la batería, las rápidas guitarras y la mágia de la tierra media, para acompañar el viaje que están llevando los ejercitos hacia la guerra.

Nigrum Praesagium (Negro presagio) es una melancólica pieza instrumental, un melódico clavicordio tocando musica medieval acompañado de chelo, flauta y violín.

Impetus Quartae Lunae Novae (El asalto de la cuarta luna nueva), otra excelente pieza sinfónica que narra la batalla de la última fortaleza humana: Kamuth, buen trabajo de los sintetizadores (mi instrumento musical favorito), este es otro de los temas que considero más sobresalientes del disco.

Caelum Obscuratur, otra corta pieza instrumental, trompeta, tambores y sintetizadores acompañan el ritmo de guerra de los tambores, esta pieza sirve como introducción a la siguiente canción.

Legio Draconorum Orkian (La Legión de los dragones orkian), una agresiva pieza musical dedicada a los orcos, los Uruk-hai y sus dragones, probablemente de cuando los dragones aún existían en la Tierra Media.

Natura Cadit. Chelos, clavicordios y violínes en este breve espacio instrumental.

Charcharon (Damnosus Impetus) (Charcharon, Furia Debastadora), una deliciosa combinación de agresividad con ritmos medievales que, como todo el disco, cuenta con numerosos cambios de tempo.

Solvitur Ad Elfmuth (Ante Bellum) (Sarpan hacia Elfmth, antes de la guerra), es la pieza más larga del disco (casi nueve minutos), es un trubuto a los ejercitos de orcos y trolls que se preparan para la batalla, zarpando y alistando sus armas para el futuro encuentro bélico.

Bellum (Humanes Resistentes Superavit) (Guerra, Caida de la Resistencia Humana) narra la descripción de la última batalla, donde es derrotada la alianza de los humanos con los elfos, dando a entender un final alternativo a historia de Tolkien, el anillo regresa a Sauron y su reino de terror se esparce por la Tierra Media.

Epilogus la última pieza, meramente instrumental, es la conclusión de esta facinante obra sinfónica.

Un disco que probablemente no le guste a cualquiera, tengo la teoria de que es poco conocida esta banda por este motivo, pero a mi en lo personal me ha agradado mucho, es por eso que estoy ayudando a difundir este buen Black Metal, que se cree aún está activa.

“Vlad Tepes” (1978) de H.R. Giger (famoso por ser el diseñador de la criatura “Alien” y de diseñar los decorados en la primera y segunda parte de esta saga, así como por sus ilustraciones tan bizarras); posiblemente su obra más bizarra y extraña es la elegida esta vez para este disco de Tom Gabriel Fischer (alias “Warrior”). Y es la segunda vez que colaboran juntos Warrior y Giger, ya en 1985 el dibujante helvético (amigo íntimo de Warrior, ambos son de Zürich) prestó su famoso dibujo “Satan I” para el disco “To Mega Therion” de Celtic Frost.

Triptykon puede parecer una nueva banda, pero en realidad no lo es; tal vez la formación sí, pero no el proyecto, me explico. El nombre de la banda (Tríptico) se debe a que este es el tercer proyecto de Tom Gabriel Fischer. El primero fue, el ya lejano Hellhammer, creado en 1982 (Jan Axel Von Blomberg, batería de los famosos Mayhem debe su nickname a esta formación en homenaje a Warrior), considerada la verdadera banda pionera del género Black Metal y muy influyente en el Death Metal (también pionera en ese género). Al poco tiempo, en 1984,  esta banda se disolvió y de sus cenizas nació la conocida Celtic Frost . Celtic Frost fue considerada una banda muy experimental que tocaba muchos géneros: Death Metal, Trash Metal, Heavy Metal, Black Metal, Avant Garde Metal, Doom Metal. También hay que decir que sus primeros discos han sido muy influyentes, sobre todo el ya mencionado “To Mega Therion” (1985). Y tras un disco que fue un fracaso en ventas  titulado “Cold Lake” de 1988  (“Vanity Nemesis” en 1990 intentó volver a hacer un sonido metalero como sus primeros trabajos) decidieron separarse una larga temporada. Se reunificaron y de esa unión salió el que fuera el disco más oscuro de Celtic Frost: “Monotheist” (2006). Tras este disco Warrior comentó que quería hacer algo todavía más oscuro, pero Martin Eric Ain no estuvo muy de acuerdo así que Warrior decidió abandonar Celtic Frost; realmente Celtic Frost era Tom Gabriel Warrior, así que tras su marcha la banda se disolvió para siempre…

…de sus cenizas nació Triptykon, y así se completa el “Tríptico”. Antes de introducirme de lleno en este sombrío disco (que no recomiendo a cualquiera dadas sus características) tengo que decir que Hellhammer y Celtic Frost han sido bandas muy influyentes en muchas bandas de metal (podeis verlo en Internet) de varios estilos (Death, Black, Doom, Gothic, Avant Garde, Heavy) de metal. Veamos este trabajo tan sombrío (ya dijo Warrior que sería lo más sombrío de su carrera, y ciertamente lo es), que es Black, Death, Trash, Avant Garde, Doom y Heavy Metal…incluso con un tema más bien Gothic Metal.

1. Goetia: Este es el tema al que hace referencia el título del disco “Eparistera Daimones” (Los demonios a mi izquierda), ya que hay un libro llamado “Goetia” publicado por Aleister Crowley y también llamado “La Llave Menor de Salomón” (no confundir con “Las Clavículas de Salomón”) el cual describe a unos 72 demonios, sus símbolos y la forma de invocarlos.

Es un tema largo (11 minutos) que se inicia con unos acordes tranquilos de guitarra, una guitarra muy pesada, (Warrior acostumbra a tocar de esta manera las guitarras). Y tras unos acordes de bajo irrumpe el tema con violencia, donde se alternan partes blackmetaleras, deathmetaleras, trashmetaleras y, a veces, doommetaleras. Posiblemente sea uno de sus temas más paradigmáticos (o tal vez el más paradigmático). Warrior utiliza varios registros de voz a la vez que la canción cambia de ritmos rápidos a lentos y otra vez rápidos. Es pesada, densa y muy oscura. Una brutal y cruda manera de empezar el disco. Contundente.

2. Abyss Within My Soul: El tema más Doom del disco, lento, pesado y  más oscuro si cabe que el anterior. La sensación de “densa claustrofobia” se acentúa en esta canción. Ya digo, lento, pesado, muy denso. Las guitarras y el bajo suenan al unísono, con una batería que les sigue el ritmo, y una voz que oscila entre grave, desesperada y desgarrada. Parece como si la música formara un tejido de oscuridad palpable, como si se pudiera tocar y sentir.

3. In Shrouds Decayed: Este tema se inicia de forma muy tranquila, misteriosa, con unas guitarras distantes, y unos efectos de sintetizador muy oscuros. La voz de Warrior aquí suena más tranquila, más tenebrosa, más misteriosa. Más que denso el tema es muy oscuro. Su aparente tranquilidad  crea bastante desazón y malestar en el cuerpo. Tras un cambio de ritmo suenan más guitarras (guitarras contenidas, tranquilas), el bajo y la batería; se introduce otro cambio de ritmo donde aparecen las guitarras pesadas tan características y el tema gana en velociad y pesadez, así como la voz de Warrior que vuelve a ser blackmetalera, rabiosa.  La canción tiene más variedad de ritmos que la anterior, digamos que va de menos a más. Incluso se escuchan coros que parecen ser femeninos casi al final. Y se vuelve a tranquilizar para dar paso al ritmo final, algo más intenso.

4. Shrine: Esta canción es un efecto sonoro como si fuera el ruído de una corriente fría de aire, acompañado de ecos, sonidos lejanos y sepulcrales voces de ultratumba, como si fueran del más allá (de hecho el tema se llama “Sepulcro”). Corto pero muy intenso.

5. A Thousand Lies: Mucho más intenso en velocidad y brutalidad es este tema (el más brutal del disco). Rápido, sucio, brutal, con unos registros vocálicos que oscilan entre el Black Metal, el Death Metal y el Trash Metal. También su música oscila entre el Black y el Death Metal, tremenda, brutal y desgarrada. Un tema muy rabioso, muy denso y pesado además. Tremendo, brutal, sin misericordia. Con varios cambios de ritmo que no hacen más que aumentar esa sensación de pesadez y brutalidad. Incluso tiene un solo (sucio, rabioso) de guitarra casi al final de la canción.

6. Descendant: Y tras la furia llega…no exactamente la tranquilidad. Con una guitarra de fondo aguda, ominosa entran los demás instrumentos, al principio de forma más lenta y poco a poco ganan velocidad. Estamos ante otro tema denso, casi “irrespirable” . Los cambios de ritmo introducen pasajes más Doom (de forma similar al primer y segundo tema). Guitarras pesadas se alternan con la voz rabiosa y cambiante de Warrior. Finaliza la canción un ritmo rápido y un solo de guitarra más rápido que el ritmo que lo introduce.

7. Myopic Empire: Unas guitarras pesadísimas, lentas y un efecto de voz muy extraño inician esta canción. Warrior alterna su registro normal de voz (a normal me refiero a sus gruñidos) con este efecto extraño de voz.  De igual manera se alternan partes de guitarra más densas y lentas con otras partes algo más rápidas, incluso aparece un solo de guitarra a mitad de canción. Y, de repente, aparece lo más experimental de la canción: unas notas de piano acompañadas de una voz femenina, sólo el piano y la voz. Los demás instrumentos retoman la canción pero esta vez de manera más pesada y densa, cada vez más pesada y aplastante, hasta finalizar la canción.

8. My Pain: Otro tema experimental del disco. Un tema muy tranquilo. Suena un sintetizador y una voz femenina. Es un tema más bien “gótico”, muy melancólico. Un osasis en medio de la densidad aplastante del resto del disco. Sin embargo no deja de ser un tema oscuro y misterioso como el resto. También sorprende la voz femenina que canta (cantante invitada) a mitad de canción, a la que le acompaña una voz masculina que más que cantar parece que habla.

9. The Prolonging: Y llega el último tema del disco. Casi 20 minutos de ritmos pesados y cambiantes. También se inicia con unos sonidos tranquilos de guitarra. De inicios Doom y muy pesados la canción va ganando algo de velocidad. Un cambio de ritmo introducido por el bajo sonando más grave de lo habitual introduce la voz de Warrior más grave de lo habitual también. Los efectos de las guitarras y el bajo (muy graves) son de lo más extraños y pesados en esta parte de la canción.  Las guitarras y el bajo se alternan cambios de ritmo constantemente así como la voz de Warrior cambia de registro en varias ocasiones según el ritmo que marque ese momento la canción. Transcurrido el ecuador de la canción ésta se vuelve más densa y pesada, y algo más rápida para luego dar paso, otra vez, a ritmos más Doom metaleros que son los que finalizan la canción (y menudos efectos de guitarra más extraños al final de la misma). Un tema muy experimental.

Desde luego Warrior ha cumplido con su palabra. El disco es mucho más oscuro y pesado que su antecesor  “Monotheist”. Como bien se ha dicho “menos es más” y este disco lo demuestra. No es un disco rápido y taladrante como la mayoría de discos de Black Metal, o de Death Metal, pero es un disco tremendamente oscuro, experimental, denso, “claustrofóbico”, sepulcral, ominoso, desasosegante. Si te gustan discos muy experimentales con muchos elementos (Black, Death, Doom, Trash, Avant Garde, Gothic, Heavy) metaleros este trabajo te gustará (y si no te “arrugan” los adjetivos que he escrito en la anterior frase), pero si eres de los que les gusta el metal clásico, épico, y nada experimental ni tremendamente oscuro…mejor no lo escuches. aquí os dejo unas fotos de la banda.

De izquierda a derecha: Vanja Slajh (bajista), V. Santura (guitarrista, también guitarrista de la banda de Black Metal Dark Fortress), Norman Lonhard (batería) y Tom Gabriel Fischer “Warrior” (cantante, guitarra, compositor principal, frontman).

Otra imagen de la banda; esta vez Warrior y Lonhard (batería) en primer plano y V. Santura (guitarra) y Vanja Slajh (bajista) están detrás. (Sí,  hay una chica en la banda).

Esta imagen es un grabado que hizo el artista (tan bizarro como Giger) Vincent Castiglia. En la versión CD Mediabook hay un poster con esta imagen pero de tonos azulados. Los símbolos corresponden a símbolos que aparecen en el libro Goetia (o Ars Goetia), que he mencionado antes.

Y ésta es la imagen completa de la obra de H.R. Giger llamada “Vlad Tepes” de 1978.

“La Torre de Babel” del dibujante mancuniano (de Manchester) John Coulthart…el Zigurat más famoso de la historia es la portada de este increíble disco de Melechesh. El disco no es actual (2006) pero como se trata de un gran disco haré una reseña. Antes un poco de historia sobre la banda.

Melechesh (que significa Rey del Fuego) es una banda de origen israelí creada allá por 1993 en Jerusalén, pero, curiosamente ninguno de sus componentes es israelí (ni son judíos ni son musulmanes); Ashmedi ( guitarra melódica,  voces, teclado, percusión en el estudio, guitarra acústica) es de origen armenio-asirio, Moloch (guitarra rítmica) es asirio, Xul (batería y percusión) es holandés y su anterior bajista Al´Hazred es ucraniano (el actual bajista se llama Kawn). Actualmente residen en Amsterdam (Holanda). La temática de sus discos (4 de momento, en 2010 editarán otro) abarca temas mesopotámicos, sumerios, ocultos.

En lo musical diferenciaría sus dos primeros discos más blackmetaleros de los dos más recientes, más enfocados al Trash Metal con elementos blackmetaleros (en pocas palabras, los dos discos más recientes son “Blackened Trash Metal”). “As Jerusalem Bruns…Al´Intisar” de 1996 fue su primer trabajo, bastante enfocado al Black Metal, rápido y crudo.  Editaron en 2001 “Djinn” su segundo trabajo, tamién enfocado al Black Metal pero ya poseía un sonido más definido, más personal, y con mejor producción. En 2003 llegó “Sphinx” , un trabajo en el que definen todavía más su estilo llamándolo “Mesopotamian Metal”. La verdad es que en este disco el Black Metal va dejando paso al Trash Metal (de hecho el 60 %  del disco  se puede decir que es Trash Metal) con dos temas instrumentales (una de las características de esta banda en sus últimos discos es hacer, al menos, un tema instrumental). Finalmente en 2006 editaron “Emissaries”, un monumental trabajo con mucha variedad de ritmos, melodías y tempos. Mientras esperamos su nuevo trabajo de 2010 voy a desmenuzar “Emissaries”.

“Emissaries” hace referencia a que nosostros, la humanidad, somos los hijos de los Nephillim, (raza hija de los Annunaki, dioses sumerios…o dioses astronautas según la mitología sumeria) y, por tanto, somos sus emisarios.

1. Rebirth of the Nemesis: Se inicia con la entrada a la vez de todos los instrumentos y con unas melodías de guitarra muy orientales y mesopotámicas; la batería marca unos ritmos y tempos seguida por los demás instrumentos; cambia el ritmo de la guitarra para dar entrada a otra parte más rítmica, menos melódica, pero de ambiente muy mesopotámico, y aquí se escucha la voz del cantante (una voz blackmetalera). La alternancia de ritmos y melodías es lo distintivo de esta canción. Excelente trabajo de guitarras, tanto rítmicas como melódicas. El tema es muy trashmetalero (de Black Metal sólo posee la voz del cantante y algunas partes rápidas de la batería). Ya digo, multitud de cambios de ritmos con ambiente oriental  (y mesopotámico).

2. Ladders To Sumeria: Este tema se inicia de manera algo más calmada que el anterior, con guitarras melódicas y rítmicas sucediéndose hasta que aparece el doble bombo de la batería y la voz  para darle mayor dinamismo y agresividad. Tal vez en algunas partes tiene elementos más blackmetaleros, pero la combinación de estos elementos con elementos trashmetaleros y coros masculinos acompañados de partes melódicas muy “orientales” le dan una aire muy dinámico a la canción. En todo momento posee partes melódicas de guitarra que acompañan a una rítmica que no es minimalista, sino que varía. Esta canción, ya digo, no es tan rápida como la anterior pero también tiene muchos detalles interesantes en sus cambios de ritmo.

3. Deluge Of Delusional Dreams: Otro excelente tema que se incia solamente con guitarras rítmicas a las que se le van añadiendo los demás instrumentos y más velocidad. Tremendo juego de guitarras para el inicio del tema; y llega un cambio de ritmo que introduce la voz y un aumento de la velocidad de la canción hasta convertirse en un tema totalmente trashmetalero. Aquí también se escuchan coros masculinos, de hecho destacan más que en el anterior tema. Tampoco podían faltar partes de guitarra melódica intercaladas en las guitarras rítmicas. Los cambios de ritmo también están presentes. Lo más llamativo de este tema es que se divide en dos partes: la primera (Act I) llamada Cast Tempest From The East, y la segunda (Act II) llamada Enlil´s Retaliation. Esta segunda parte del tema, más corta, tiene coros de voces más graves, es algo más blackmetalera y agresiva pero igual de buena que la anterior. No le faltan las melodías. Un tema muy curioso, y muy bueno.

4. Touching The Spheres Of  Sephirot: el tema más rápido, más blackmetalero del disco, más duro. Con cambios de ritmo igualmente rápidos unos y otros, más rítmico, menos melódico. Pero no por ello es un mal tema. No es el típico tema blackmetalero “taladrante” sin más, ya que varia en bastantes ocasiones de ritmo, incluso tiene partes muy buenas de guitarra melódica. Tremendo (como los demás).

5. Gyroscope: De inicio mucho más tranquilo, con un bajo que se distingue claramente y unas guitarras rítmicas y melódicas más diferenciadas se presenta este tema. La velocidad de esta canción es menor que la anterior. Aquí las guitarras melódicas tienen todo el protagonismo, donde vuelven a mostrar un aire muy oriental, muy mesopotámico, haciéndonos viajar unos 6000 años atrás a Babilonia, a Sumeria, a los Zigurats…y a los Annunaki.

6. Double Helixed Sceptre: Las guitarras del inicio desconciertan pero a los segundos vemos como el tema aumenta velocidad. También parece un tema con bastantes elementos blackmetaleros, sobre todo su batería; por otra parte cuando entra la voz cambia totalmente de ritmo, y se ralentiza para volverse más melódico. Y otro cambio de ritmo introducido por unos golpes secos de batería nos introducen en otra sección más trashmetalera con coros masculinos. Aparece un solo de guitarra que se alterna con las partes rítmicas (curiosamente las guitarras rítmicas y melódicas se alternan muy bien en este disco).  Casi al final del tema vuelven los ritmos blackmetaleros alternados con los trashmetaleros y los coros. Una canción muy compleja y elaborada (como todas las del disco).

7. The Scribes Of Kur: La canción instrumental. Tocada con una guitarra acústica muy característica de las regiones asirias (Irak, Irán, Siria, Turquía, Jordania; estos países conforman lo que se llama Asiria). Unas percusiones orientales y otros instrumentos de cuerda y viento muy propios de Oriente Medio se escuchan de fondo y nos transportan una vez más a esa cultura y lejana civilización (la civilización de los Zigurats, de los Annunaki, de Enki, de Gilgamesh…). Un tema muy evocador.

8. Leper Jerusalem: Inciado con un sonido de fondo de guitarra rítmica al que se le añaden los demás instrumentos conducidos por guitarras rítmicas, un tema con ritmos totalmente trashmetaleros. La rítmica de este tema, oscilante, recuerda un poco a su primer tema. La alternancia de ritmos le dan un aire muy dinámico, aumentado por la también alternancia entre guitarras rítmicas y melódicas. Este tema es uno de los temas paradigmáticos y representativos de porqué se llama su estilo “Mesopotamian Metal”.

9. Sand Grain Universe: No os engañeis, comienza algo tranquilo, pero tras el grito del cantante irrumpen con dureza los instrumentos. Para luego dar un giro y convertirse en un tema con melodías trashmetaleras, y luego otro giro y convertirse en un tema con ritmos blackmetaleros…y así sucesivametne toda la canción. En esta canción los cambios de ritmos a un estilo (Trash Metal) y otro (Black Metal) con partes melódicas muy orientales le dan un aire muy experimental que, la verdad, les ha salido muy bien. Cerca del final hay un cambio de ritmo marcado por las guitarras rítmicas tremendo,  que es el que finaliza la canción.

10. Emissaries And The Mysterium Magnum: Se inicia con la guitarra melódica, pero al poco tiempo se añade el doble bombo y las guitarras rítmicas acompañando las melodías. No es al principio rápido, pero sí es un tema denso y fragoroso (a causa de las percusiones). No podían faltar los constantes cambios de ritmos, unos sincopados (cuando canta Ashmedi) con guitarras melódicas, otros con guitarras rítmicas acompañadas de doble bombo. A mitad de canción se introduce un cambio de ritmo que le da un giro al tema; parece otra canción, con ritmos y melodías diferentes, con mayor presencia de guitarras melódicas. Desde luego este tema es una exhibición musical de grupo (incluso sin la voz sería un tema excelente). Y el solo de guitarra con el que concluye la canción es igualmente otra exhibición de Ashmedi.

11. “Extemporized Ophtalmic Release”: Este tema es un Bonus Track, totalmente instrumental y bastante más tranquilo que los anteriores. Toda una exhibición de guitarras melódicas y rítmicas, pero sobre todo de guitarras melódicas.

La verdad es el disco no deja indiferente a nadie. Ya he dicho que es un disco de “Blackened Trash Metal”, con más elementos trashmetaleros que blackmetaleros. Así que si sois fans del buen Trash Metal os gustará; incluso me atrevo a decir que os sorprenderá por sus melodías tan orientales, tan mesopotámicas. No os preocupeis a los que no os guste el Black Metal, no es un disco machacón ni agresivo, es un disco muy personal, y cuando digo personal me refiero a que esta banda ha creado un estilo propio. Para finalizar os dejo unas fotos promocionales del disco.

Melechesh con su mascota.

Esta vez Ashmedi solo con el león.