Black

Nachtblut, Black/Dark Metal desde Alemania

221 días

by H3r3j3 in Black, Dark, Metal

El nombre de la bandam Nachtblut es una amalgama de las palabras Noche y Sangre en Alemán, (algo asi como decir “Noche de Sangre” o “Noche sangrienta”), la banda fue formada en el año 2005 en la ciudad alemana de Osnabrück por Sacerdos (Voz, Bajo), Askeroth (Voz), Greif (Guitarra), Skoll (Batería) y Lymania (Teclados). Su estilo musical es un Black Metal muy melódico… aunque creo que encajan más dentro del Dark Metal ya que su música no tiene mucho de diabolica (que es uno de los fundamentos del Black Metal), más bien los temas de sus canciones son de carácter político y problemas sociales. Durante los primeros años de la banda logró hacerse de algo de fama en la escena underground alemana gracias a su primer concierto en 2007.

Su primer trabajo, titulado Das Erste Abendmahl (la primer cena), salió a la venta en junio del 2007, al no tener una disquera que los patrocinara fue publicado por ellos mismos, pero gracias a este disco se les abrieron las puertas a más fama, dandoles la oportunidad de que abrieran conciertos para bandas de renombre como Immortal, Sodom, Watain, Varg, Endstille y muchas más.

Intro
Ketzer
Schreckenschor
Nie Gefragt
Heiliger Krieg
Mein Gebieter
Kindstod
Des kleinen Herzens Letzter Schlag
Augenschein
Blutgerüst
(pista oculta)

Intro comienza con un ritmo de latidos de corazón seguidos por unos golpeteos metálicos, seguido por un ritmo electronico acompañado de sintetizadores, es una pieza corta para abrir telón.

Ketzer (Hereje), nos presenta el estilo musical que caracteriza a esta banda, ritmos melódicos de unas guitarras electricas fuertes, sintetizadores y un par de voces, unos susurros y la voz black del vocalista, me encanta la mágia que transmite una simple melodía de piano casi al final de la canción.

Schreckenschor (coro de terror) comienza con un sintetizador emulando unas voces corales, seguido de otro sintetizador con una melodía que suena un poco medieval y la batería como acompañamiento, abriendo paso para las guitarras eléctricas y al vocalista. Aunque es una buena canción no destaca en el disco.

Nie Gefragt (nunca preguntó) es una de mis piezas favoritas del disco, quizá por el intenso uso de los teclados y lo bien llevada la melodía durante toda la canción. Comienza con un sintetizador que acompaña al piano, guitarra y sonidos de cuerdas (hechas con sintetizador), aquí el vocalista hace dos cambios de voz, entre limpia y voz black (de troll como suelen decir), la melodía parece sacada de una caja musical… con el toque de black metal correspondiente que agregan los demás instrumentos.

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Heiliger Krieg (guerra santa) eleva la velocidad y agresividad del estilo musical… como que aquí quisieron hacer parecer más black metal su música. Además de las guitarras aquí agregan a la sopa sonidos de cuerdas y algo que parece el sonido de un violín que es tocado como guitarra (vamos, ese sonido de “requinto” pero en violín).

Mein Gebieter (mi maestro) continúa con el estilo velóz de la anterior pista, comienza con una guitarra acústica que abre paso a una veloz batería y guitarras, algunos cambios de tiempo y bueno, a mi gusto algo repetitiva.

Kindstod (infanticidio/muerte infantil) Aquí cambia un poco la cosa, el ritmo parece más industrial, guitarras repetitivas, tono rítmicos muy marcados, aunque en momentos se acelera, como si estuvieramos escuchando Rammstein con voz Black.

Des kleinen Herzens Letzter Schlag (el último latido del corazón) otra de mis favoritas del disco… si, también tiene mucho teclado, vuelven a retomar el estilo melódico de las primeras canciones, es una canción triste y fuerte, habla de la muerte de una pequeña niña que fue violada y masacrada y la maldad inherente en los hombres.

Augenschein (apariencia) después de una pequeña introducción de cuerdas toma algo de velocidad con las guitarras, la canción agrega algunos sonidos de organo de iglesia pequeña, cuerdas, latidos para agregar un poco de variedad al ritmo.

Blutgerüst (andamio) es una buena canción para cerrar el disco, muy melodica, con sonidos de piano y cuerdas como acompañantes de las guitarras, algo lenta pero agradable.

Para el 2009 producen su segundo disco, titulado Antik (Antiguo) un disco aún más melódico que el anterior, con una mejor calidad de sonido, además que se puede apreciar un mejor dominio de los instrumentos.

Antik
Ijobs Botschaft
Die Blutgräfin
Gedenket Den Toten
Die Mutter Die Ihr Kind Verlor
Sturz Des Ikarus
Kreuzigung
Hexe
Des Menschens Kunst Blindheit Zu Säen
Kreuzritter

El disco comienza con la canción que da título al disco: Antik (antiguo), una pieza con un ritmo agradable para los headbangers, agradable ritmo de las guitarras acompañadas de sintetizadores y un piano al fondo, la letra hace referencia a la vejez y el sentido que le da la cultura actual a los ancianos… La vida es una guerra y la muerte es la paz eterna.

Ijobs Botschaft (mensaje de bob), un ritmo primitivo de la batería da apertura a unas melódicas guitarras industriales, la canción habla de un acaudalado sujeto a quién le son arrebatados todos sus bienes, y su esposa e hijos muertos por lo que parece ser un tornado o algo asi (algo del viento), no conozco mucho la biblia pero parece un pasaje sacado de esta.

Die Blutgräfin (la condesa sangrienta) una canción dedicada a la condesa Bathory, sus primeros años como gente de la realeza, su obsesión por mantenerse bella y sus rituales donde se bañaba en sangre de jovenes virgenes para mantener su belleza.

Gedenket Den Toten (recordar a los muertos), aunque el ritmo de la canción se parece mucho a la pista anterior tiene elementos que la distinguen, el sintetizador de fondo emula la voces de un coro, la letra de la canción habla sobre un remordimiento de la cantidad de muertes que generan las guerras y de lo agradecido que estan lo sobrevivientes de ver cada nuevo día.

Die Mutter Die Ihr Kind Verlor (la madre que pierde un hijo) es la canción más triste del disco, un melancólico piano acompaña a las guitarras y a un sintetizador que hace de coro. La canción habla del dolor que siente una madre al perder a su único hijo que murió ahogado, no puede olvidarlo y sigue haciendole ropa, preparandole comida y cantandole canciones.

Sturz Des Ikarus (la caida de Ícaro). En la mitología griega Ícaro se fabrica unas alas con plumas de aves y las pega con cera de velas, logra volar cerca del sol pero el calor de éste derrite la cera de las alas y hace que caiga de gran altura hacia su mierte, la canción habla precisamente de este acontecimiento y como su padre Deadalus lo ve caer y morir.

Kreuzigung (crucifixión) una excelente pieza, rítmica con buenas guitarras y batería, un organo de fondo acompaña la melodía durante toda la canción, la pieza como bien habrán intuído habla sobre la muerte del mesías de los cristianos y de cómo pide perdón a Dios por los actos que están cometiendo… perdonalos porque no saben lo que hacen.

Hexe (bruja) una muy destacable canción, acelerada en momentos para hacerla parecer más Black Metal, la canción habla sobre la santa inquisición y su feroz caceria por acabar con todo lo hereje.

Hoy día ya tienen contrato con la famosa disquera austriaca Napalm Records, por lo que debería ser más facil conseguir su material… aunque yo no he tenido suerte en conseguir su música en formato físico.

Des Menschens Kunst Blindheit Zu Säen (la cegera del hombre hacia el arte de sembrar) critica principalmente la religión judía y sus creencias de no comer carne de cerdo, rebajar a la mujer, los crímenes de honor, el fanatismo, el Ramadán, la apostasía… buena pieza pero no destaca lo suficiente en el disco.

Kreuzritter (cruzado) nos traslada al medievo y los ideales en los que creían esos “soldados de Dios” para cumplir los caprichos de la iglesia, vaya tiempos obscuros.

El disco tiene además una canción oculta de aproximadamente 6 minutos de duración, muy buena he de agregar, pero que no he podido conseguir la letra de la canción para saber sobre que habla.

Página web oficial: www.nachtblut.com

alemania Black germany Metal Nachtblut

SAMAEL: PASSAGE

238 días

by Aleister Crowley in Black, Melódico, Metal

Passage, el disco más querido de los suizos Samael. Un disco que data de 1996, pero que fue reditado con bonus extra (en realidad estos bonus son los temas del E.P Exodus). Entre los años 1991 y 1998 muchas bandas de metal publicaron sus mejores discos y otras muchas muy buenas aparecieron (Watain, por ejemplo). En otra reseña que hice de la banda dije que su disco Above era (y ciertamente lo es) su disco más blackmetalero, pero no dije que fuera el mejor. Passage sí que es el mejor de su trayectoria (aunque para otros fans su mejor disco es Ceremony of Opposites). Las letras también hablan de ocultismo y esoterismo, como sucede en el resto de sus discos, incluso los dos primeros discos tocan estos temas aunque de forma más primitiva (de forma “satánica”) de hecho en uno de ellos hay una tema que es un homenaje a Cthulhu. Y la portada de este disco (que cambia un poco en la versión reeditada) quizás sea lo más enigmático: la Luna, nuestro satélite. Para muchos es un satélite natural, para otros es un satélite “artificial”, es decir, que no es propio de la Tierra. La verdad es que la Luna parece demasiado grande (es un cuarto del tamaño de la Tierra) para ser un satélite natural de la Tierra, pero ahí está. También se dice que es más antigua que la Tierra (Helena Blavatsky así lo dice en su Doctrina Secreta, y no es la única). ¿Acaso será el proyector de nuestra realidad?(realidad holográfica como decía el científico David Bohm). Quien sabe. Mientras reflexionais esto vamos a ver los temas de este disco, que son 17, ya que están también los temas del E.P Exodus.

1. Rain. El tema que abre el disco es un tema rápido, rítmico y muy enérgico. Aunque tenga algunas partes algo más tranquilas se trata d euno de los temas con más energía del disco. Las guitarras rítmicas marcan toda la canción, y los sintetizadores le dan un ambiente épico. La lluvia divina, las lágrimas del creador demiurgo que nos sueña, y con cada derramamiento de lágrimas se producen los diluvios cíclicos que hunden una civilización y hacen renacer otra, y esa otra civilización son las semillas germinadas de las lágrimas divinas del demiurgo que sueña.

2. Shining Kingdom. Otro tema que también se inicia de manera enérgica, pero que, sin embargo adquiere un ritmo diferente. Una canción más melancólica, más triste. Con ritmos más marcados y con un mayor protagonismo de los sintetizadores. La voz de Vorph es algo más desgarrada. Como ya he dicho son los sintetizadores los que marcan el ritmo principal de la canción. Un viaje largo, hacia el punto donde empezó todo (Punto Omega) ese punto de Luz ese reino de Luz hacia el que todo converge (para volver todo a la oscuridad primigenia de nuevo) es el viaje que debemos emprender. El viaje del conocimiento. Eso describe la letra de la canción.

3. Algel’s Decay. Con unas percusiones y un piano de fondo se inicia este tema. Un sintetizador que parece el órgano de una iglesia y un ritmo muy melancólico son los rasgos principales de este tema. Una canción que habla de la angustia y desesperación del agujero negro en el que se convierte un alma deprimida y atormentada. En esta canción letras y música van de la mano, es decir conectan perfectamente. Un tema lleno de angustia y dolor.Donde se alternan partes más tranquilas con otras más intensas.

4. My Saviour. Este tema ya es más intenso que el anterior, con un estruendo musical considerable y una intensidad mayor que en los temas anteriores. Aunque las guitarras y batería suenan con fuerza, al igual que la voz de Vorph siguen siendo los sintetizadores los que marcan el desarrollo de la canción. Los cambios de ritmo que posee son variados, hacia partes más densas, hacia partes más lentas. Nuestro salvador es cada uno de nosotros mismos, cuando encontramos la verdad en nuestro interior, cuando llega ese momento también somos el “Alfa y el Omega” somos Uno con el Todo, y alcanzamos la verdad y liberación.

5. Jupiterian Vibe. Posiblemente el tema más peculiar del disco. Su inicio es muy característico, unas percusiones tribales dan paso a unos riffs de guitarra muy agudos. La voz de Vorph irrumpe de manera violenta. La canción se vuelve oscilante y muy pesada, muy densa y plomiza. Es un tema muy propio del Death Metal. Solemne y siniestro avanza hacia su final. Esta canción fue uno de los “singles” incluso tiene video. La creación trasciende al creador, el poder de la palabra, todo está conectado, todo se mueve, hasta lo inanimado (en el video se intuye la influencia de la Luna). Todo está conectado con el Todo.

6. The Ones Who Came Before (Los que vinieron antes). Con unos ritmos casi marciales y muy machacones se presenta este tema. Unos sintetizadores de fondeo le dan una carácter más ominoso si cabe, y la voz de Vorph empieza inquietante y gana más furia conforme avanza la canción. Un tema lleno de rabia y odio contenido. Antes de las civilizaciones hubo otras humanidades (como dice Blavatsky) y otras razas; los que vinieron antes éramos nosotros, la humanidad. Parece ser que la humanidad somos avatares de nosotros mismos y fractales del multiverso los cuales formamos una porción del Todo Absoluto.

7. Liquid Soul Dimension. Tras unos pesados riffs de guitarra irrumpe un tema en el que los sintetizadores ganan más protagonismo, pero que van al ritmo de las guitarras rítmicas. Vorph canta con voz furiosa. La canción no tiene mucha velocidad pero transmite mucha energía y pesadez instrumental. Se dice que el Universo alguna vez fue líquido, y lo volverá a ser. “Solve et Coagula”, eso es lo que tiene “tatuado” Baphomet/Samael/Lucifer en los brazos. Por tanto, nuestra alma también es “líquida”, plástica, moldeable, llena de fuerza y adaptable a todo, independiente.

8. Moonskin. Uno de los temas más melancólicos del disco. Un piano se escucha durante toda la canción y es el instrumento que marca el ritmo y la melodía de la misma. La voz de Vorph es dolorosa y triste. Los riffs de guitarras también son melancólicos y tristes. Parece como si fuera una metáfora de la vida, como si nos enamoráramos de la belleza superficial de las cosas la cual no conduce a nada y es una ilusión, de ahí que diga que esa belleza se llama “Moonskin”. Enamorados de ilusiones sin sentido, que no conducen a nada.

9. Born Under Saturn. Un tema plomizo, pesado con riffs muy densos y con unos sintetizadores que transmiten desazón. Así es este tema que, además, posee bastantes cambios de ritmos y velocidades. La voz de Vorph también cambia bastante de registro según cambia el ritmo y la melodía de la canción, pero en líneas generales viene a ser todo un tema ominoso. El significado de Saturno está asociado con la muerte, el sacrificio, la mala suerte, la lucha contra el inevitable destino de cada uno, de la derrota y desilusión. También tengo que decir que está associado con Samael/Lucifer/Baphomet en su parte más siniestra, de aquello que está maldito.

10. Chosen Race. Se trata de un tema similar a “The ones who came before”. Un tema muy enérgico, contundente y pesado. Temabién se trata de un tema con bastante velocidad. La voz de Vorph también se recrudece bastante. Los sintetizadores si bien juegan un papel importante acompañando bien al resto de los instrumentos hacen de colchón atenuando un poco la crudeza y contundencia de los demás instrumentos. La raza elegida, la raza fuerte, libre, la raza que lucha contra el “miedo a la libertad” (esto es el título de un ensayo de Erich Fromm). ¿Acaso no se referirán a los 144.000?. El final del tema recuerda mucho a la pesadez plomiza de “Jupiterian Vibe”.

11. A Man In Your Head. Los sintetizadores y los efectos hechos por los mismos como son ecos de voces muy siniestras le dan a esta canción un aspecto muy tenebroso. Los riffs de las guitarras rítmicas son muy marcados, casi sincopados. La densidad y pesadez de este tema es incluso mayor que en los anteriores. Las melodías marcadas por los sintetizadores le dan un aspecto más solemne. La letras hacen alusión al despertar del hombre, del ser inteligente que tenemos en nuestra mente, que no nos dejemos guiar como ganado, como borregos por los demás, quienes crean guerras, generan miedo y destruyen nuestra libertad que tenemos innata. Despertad, no os dejeis engañar.

12. Exodus. Esta canción, y las que le siguen son del E.P Exodus. También se inicia con unas guitarras rítmicas pesadas y unos sintetizadores un tanto inquietantes. La voz de Vorph aparece tranquila en la mayor parte del tema. Los cambos de ritmo a otras partes más enérgicas y otras más tranquilas son una constante en esta canción. La migración del alma, “a través del desierto por el que fluye el Mercurio” (esta frase me recordó a la obra alquímica “De Signatura Rerum” de Jakob Böhme), hacia el reino de la Luz (Lucifer/Samael/Baphomet) y de ahí hacia el Todo Absoluto (Parabrahman) a través de la luz del Logos y la fuerza que poseemos de Él (Fohat) es nuestro destino, ese será nuestro éxodo.

13. Tribes of Cain. Con uno ritmo de sintetizadores oscilantes, una voz muy grave y unas guitarras rítmicas también oscilantes que, en ocasiones, siguen el ritmo de los sintetizadores transcurre este tema. Una canción que nos transmite una atmósfera tensa, cruel, inquietante. Las Tribus de Caín somos nosotros, la humanidad, “Profundo es el dolor del que nace la liberación”, “largo es el camino que conduce a la luz”. “Oponerse a la oscuridad no lleva a ninguna parte” porque todos venimos de esa oscuridad. Esa es el destino final de la humanidad (el Punto Omega que decía Teinhard De Chardin), volver a esa oscuridad a través de la luz.

14. Son of Earth. Otro tema que se inicia con guitarras rítmicas pesadas a las que se le unen unos sintetizadores que aportan melodía. Un tema duro, enérgico, lleno de rabia y desgarrador. Los sintetizadores aparecen y desaparecen como si fueran olas, lo que le da una sensación extraña a la canción, incluso al final del tema aparece uritmo más electrónico. a“Bienvenido al mundo de los vivos, aquí está tu castigo supremo”…”bienvenido al mundo de los muertos, aquí está tu recompensa prometida”. Esto es lo que significa ser hijo de la Tierra, estar de paso en este planeta para sufrir, y despertar de este mundo “Maya” (mundo de ilusión) para despertar una vez muerto (parafraseando un poco al filósofo alemán Arthur Schopenhauer en su obra “El Mundo como Voluntad y Representación”).

15. Winter Solstice. Otro de los temas melancólicos y tristes del disco, donde la presencia de notas de piano dominan toda la canción. Un piano que hace del tema una canción triste y melancólica. También se escuchan los demás instrumentos como las guitarras y batería, pero de manera más sosegada y triste, incluso la voz de Vorph también acompaña a esa melancolía. El sosticio de invierno en el Hemisferio Norte, el 21 de diciembre es un día muy simbólico en la cultura Occidental. La noche más larga del año, acompañada de misterio, a veces de la Luna brillante e inquietante y a veces no. Una noche llena de pureza y magia oculta y oscura.

16. Ceremony of Opposites. El tema homónimo del disco anterior. Una canción muy dura, con unos registros vocálicos muy deathmetaleros y una música muy pesada, y plomiza, acompañada de sintetizadores épicos. Incluso el propio tema es bastante épico a la vez que siniestro y duro. Pese a que n va a mucha velocidad es capad de mostrar mucha rabia y crudeza. Un tema de corte similar a Jupiterian Vibe (aunque este tema es anterior). La ceremonia de los opuestos, la parte superior se convierte en inferior (“Como es arriba es Abajo”) la fantasía se hace realidad y viceversa, todo se entremezcla, “el amor es un veneno que crece en el corazón de los débiles”…todo tiene su aspecto dual. Eterna lucha (como decía Hans Horbiger en su Cosmogonía Glacial).

17. From Malkuth to Kether. El tema más electrónico del disco, con ritmos machacones, alternados con partes melódicas de sintetizador. Pese a que se escucha la voz de Vorph no aparecen la letra de esta canción en el libreto del cd. Malkuth y Kether son dos esferas del árbol hebreo de la Kabbalah, dos sephiroth. Kether es la esfera superior, la culminación de nuestro camino para encontrarnos a nosotros mismos y nuestra libertad, y Malkuth es la esfera inferior, desde donde partimos, pudiendo escoger varios caminos.

18. Untitled. Un tema instrumental y electrónico (con algunas guitarras), melancólico, sin voces y triste despide este genial disco.

Como ya he dicho Passage es, en mi opinión, el mejor disco de Samael (para otros es Ceremony of Opposites) y pienso que se merecía una reseña. Fue el disco que marcó el punto de inflexión en su discografía. Su reciente disco “Lux Mundi” recuerda mucho al disco Passage (aunque con elementos del disco Above) incluso en la estructura de los temas. Incluso ellos mismos han reeditado este disco (y también los anteriores así como el disco “Eternal”) porque son conscientes de lo realmente bueno que es, todo un clásico. Ahora algunas fotos de la banda.

Samael también conocen a Hans Rudolph Giger (el “padre” de la criatura Alien). Hicieron una visita al museo de Giger. Samael y Giger son del mismo país, Suiza (Confederación Helvética es su verdadero nombre), y digo también porque en otra de mis reseñas nombro a Giger en relación a otra banda helvética pionera del Black Metal: Triptykon. Realmente fue pionera bajo el nombre de Hellhammer (fueron los verdaderos padres del Black Metal, allá por 1983), mutando a Celtic Frost y, finalmente a Triptykon.

Otra imagen de los suizos Samael. Banda pionera del Black Metal. Pioneros y experimentales

Os presento al verdadero Samael (también conocido por el videojuego Silent Hill).

Os presento a Baphomet. Efectivamente, son la misma entidad (junto con Lucifer) pero con diferente nombre. La banda Samael le dedica una canción en su disco Ceremony of Opposites.

P.D. Estos días se está celebrando en Suiza, concretamente en la localidad de St. Moritz una reunión del Grupo Bilderberg. Habrá que estar atentos y bien despiertos ante lo que pueda venir.

Black Metal passage Samael suiza

BURZUM: FALLEN

329 días

by Aleister Crowley in Ambiental, Black, Dark, Metal

“Élégie” (1.899), o Elegía del pintor francés William Adolphe Bouguereau ha sido la imagen que ha elegido Varg Vikernes para la portada de su nuevo disco titulado Fallen (Caído). Un disco que, en palabras de Vikernes, tiene reminiscencias de sus dos primeros trabajos: su disco homónimo “Burzum” y su disco “Det Som Engang Var”. También es una evolución de su disco anterior, “Belus”, con bastantes novedades. La verdad es que así ha sido, el disco presenta novedades bastantes interesantes y abre la puerta a una evolución del sonido de Burzum; evolución positiva por mi parte. El disco,entre otras novedades, no tiene sonidos minimalistas como en prácticamente todos sus discos anteriores, es decir, que en sus temas apenas hay acordes y notas que se repiten hasta la saciedad como sucede en algunas canciones de sus anteriores discos (de hecho incluso su disco Belus también tiene dos temas minimalistas, especialmente su última canción). La otra novedad es que en este disco Varg Vikernes no utiliza únicamente su registro vocálico blackmetalero sino también su voz normal. La música no se centra exclusivamente en el género Black Metal, también explora otros terrenos del metal como el Dark Ambient, cosa positiva, por otra parte. En cuanto a la temática es un tanto difícil de explicar, pero parece que Varg Vikernes hace una introspección de su propia vida utilizando la metáfora del autosacrificio del dios nórdico Odín (o Wotan) para obtener la sabiduría de las runas (Odín sería el equivalente al Logos, y su Alter Ego es Loki, el padre de la diosa Hel), del mito del Árbol del Mundo (es un fresno) llamado Yggdrasil y de los mundos que hay en él y bajo él (Asgard, Nifelheim, Muspelheim, Helheim, el Ginnungagap o caos primordial el cual es el origen de todo, inclusive de Yggdrasil). Odín pasó nueve días en este árbol y sus nueve mundos para obtener la sabiduría de las runas (una especie de autosacrificio). Vikernes compara su vida con un autosacrificio, una caída y bajada a los infiernos de Hel y un renacer de sí mismo. Desde luego en este disco se ve muy claro que Vikernes es “odinista” como él mismo ha dicho en varias entrevistas. Veamos los temas del disco.

1. Fra Verdenstreet (Desde el Árbol del Mundo): Es un tema muy breve, de poco más de un minuto. Se trata de una introducción. Se escuchan murmullos de voces susurrantes y el sonido de un ruído distante que se acerca cada vez más.

Ésta es la representación del Universo según la mitología escandinava; el Árbol del Mundo y los Nueve Mundos.

2. Jeg Faller (Estoy cayendo): Unas guitarras rápidas y nerviosas inician esta canción. Tras unos acordes la canción se vuelve oscilante y atmosférica con un sonido muy reconocible. La voz de Vikernes es, al principio y en algunos pasajes, blackmetalera; y en otrs pasajes (estribillo) utiliza su registro vocálico normal. Incluso en algunas partes se diferencia bastante bien el bajo. En definitiva, un tema muy ambiental.

3. Valen (Caído): Otra vez vuelven las guitarras a iniciar otro tema, pero esta vez más oscilantes y más ambientales: La voz de Vikernes se alterna con gruñidos blackmetaleros y su registro normal. Tal vez sea el tema del disco más cercano al concepto de minimalismo, es decir que pese a no ser de riffs y acordes muy monótonos sigue una estructura muy marcada y oscilante. También es un tema muy ambiental, quizás más ambiental que la canción anterior. antes de seguir quiero recalcar que el disco más que contener la rabia propia de temas blackemetaleros se decanta por la tristeza y melancolía. Aunque la tristeza y la melancolía son dos palabras muy asociadas a la música de Burzum si escuchamos toda su discografía…tristeza, melancolía y angustia.

4. Vanvidd (Locura): Y su caída fue hacia el abismo de la locura (Vikernes se compara a sí mismo con el viaje y autosacrificio que hizo Odín para obtener la sabiduría de las runas). Es la canción más dura y blackmetalera del disco. Las guitarras y demás instrumentos son más acelerados en esta canción. Y también la voz de Vikernes se alterna entre gruñidos blackmetaleros y susurros con su voz normal. Pese a que cambia de ritmo en algunos tramos más relajados en su mayoría es una tema rápido y muy característico del género del Black Metal. Vikernes grita con alaridos esquizofrénicos y desconcertantes en una parte de esta canción. Rápido, completo y variado, así se resume este tema.

5. Enhver Til Sitt (Cada uno por su lado/ Cada hombre tiene lo que se merece): Se trata de la canción más relajada del disco. Lenta, a medio tempo, con alternancias entre guitarras rítmicas, melódicas y registros vocálicos de varios tipos. Curiosamente es el tema que más cambios de ritmo tiene. Justo lo contrario que bastantes canciones de su anterior discografía; y al no ser un tema rápido se distinguen bastante bien estos cambios de ritmo.

6. Budstikken (El mensaje): El mensaje o la moraleja de toda su vida, de lo que ha aprendido a lo largo de su vida. Es el tema que más me gusta. Con un extraño acorde de guitarra y la irrupción de unos golpes secos de batería y platillos acompañados de una guitarra de fondo se inicia esta canción. Y tras unas notas de guitarra irrumpe un cambio de ritmo más acelerado y con la voz blackmetalera de Vikernes, y donde también utiliza su voz normal. Los cambios de ritmos, de registros vocálicos y de tempos son habituales en este tema; ritmos más rápidos, más oscilantes y lentos. En definitiva una canción muy completa.

7. Til Hel og tilbake igjen (Hacia Hel y vuelta a empezar): La canción es una conclusión del disco. Se trata de percusiones rítmicas y sonidos con intrumentos también de percusión parecidos a platillos, incluso se escuchan susurros lejanos. Una guitarra acústica con algunos acordes muy acentuados son las notas que se oyen al final de este extraño tema. Hel es, según la mitología escandinava, hija de Loki; tiene su equivalente en la mitología hindú en la diosa Kali. “Ir a Hel” significa morir. Su hogar es llamado el Helheim, el Reino de los Muertos y se dice que está dentro, a su vez, del Nifelheim, el Reino de los Hielos que hay al norte del Abismo del Caos llamado Ginnungagap. No voy a describir más cosas de la mitología escandinava, para ser sincero no la domino mucho y de lo que se trata es de describir este disco nuevo de Burzum, no de contar aquí la mitología de Escandinavia, aunque Varg Vikernes la utiliza mucho en sus discos. En definitiva, es un buen disco, no voy a opinar si es o no su mejor disco, eso ya es algo personal; pero de lo que no cabe duda es de que se trata de un disco que ha hecho evolucionar el estilo musical de Burzum, y eso supone una bocanada de aire fresco.

Ésta es la imagen entera que ha utilizado Vikernes en la portada del disco, por si alguien tenía interés en saber cómo era la imagen en su totalidad. No es la primera vez que una banda de Black Metal utiliza una imagen de este autor para la portada de alguno de sus discos, ya que los noruegos Gorgoroth utilizaron otra imagen de Bouguereau para la portada de su disco “Ad Majorem Sathanas Gloriam”, y es la siguiente imagen (llamada “Dante y Virgilio en el Infierno”; aunque en el disco de Gorgoroth no aparece la imagen entera sino la mitad superior; algo similar ha hecho Vikernes en su disco Fallen, no utiliza toda la imagen para la portada de su disco):

Y ahora algunas imágenes de Vikernes:

Antes de entrar en prisión en 1.993 (izquierda) y después de salir de prisión en 2.009 (derecha), 16 años después…

¡¡Vaya cambio!!.

¡Vikernes ha vuelto a las andadas!

La última cena del Inner Circle (Vikernes en el centro de la imagen, rodeado de los miembros de Emperor, Darkthrone, y Mayhem)…Euronymous no estaba invitado.

ENTHRONE DARKNESS TRIUMPHANT (RELOADED)

426 días

by Aleister Crowley in Black, Metal

Está claro que este disco de Dimmu Borgir no es actual (data de 1997). En el título del post aparece la palabra “Reloaded” porque en 2008 se remasterizó el disco y la reedición fue llamada “Reloaded”; tenía algunas cosas añadidas como imágenes de la portada y contraportada del disco así como un video de una interpretación de uno de los temas del disco (Entrance) en un festival de la época (creo que es el Dynamo) e imágenes de la banda de aquella época. Tras decir en numerosas ocasiones que he sido fan de la primera época de este grupo, no de su época más orquestal (Death Cult Armageddon, In Sorte Diaboli…) también tengo que decir que el disco que más me gusta de los noruegos es precisamente éste (considerado por muchos como su mejor disco). A otros fans de la banda les gustarán más otros discos…de lo que no hay duda es de que se trata de su disco más “raw”, es decir, más crudo y que más odio, rabia y dolor transmite (ni siquiera el Stormblast ni con su “remake” ha sido capaz de transmitir esto en su totalidad). Está considerado como uno de los mejores discos de Black Metal de la historia, y ciertamente lo es, aunque tenga sintetizadores (Emperor utilizaban sintetizadores en sus discos y algunos de ellos están entre los mejores discos de Black Metal de la historia; de hecho Emperor fueron los “padres” del Black Metal sinfónico/melódico). Fue el primer disco que hicieron ya con Nuclear Blast y el primero en letras en inglés (los dos anteriores usaban su lengua materna, el noruego). De todo el disco en su conjunto lo que más destacaría son las guitarras tan agudas e hirientes, así como los cambios de ritmo que introducen los sintetizadores y las guitarras, y lo mejor: la desgarradora y salvaje voz de Shagrath. En ningún otro disco de su dilatada discografía ha vuelto a utilizar Shagrath este registro vocálico, ni antes (For All Tid, Stormblast), ni después (Spiritual Black Dimensions, Puritanical Euphoric Misanthropia…) incluso diría más: pese a que su “Puritanical Euphoric Misanthropia” suene más rápido y “novedoso” no transmite esa rabia, ese odio, ese dolor y esa atmósfera “raw” que emana de esta joya llamada “Enthrone Darkness Triumphant”, el cual es, precisamente, un homenaje a la oscuridad ,a la rabia y el dolor; una “Entronización de la Oscuridad Triunfante”. También tengo que decir que fue en su día el primer disco de Black Metal que escuché entero, y, claro, es un disco que aprecio bastante. Recordemos sus temas, que a estas alturas ya son himnos de esta banda (tal vez los mejores temas de la banda, quien sabe).

1. Mourning Palace: El tema que abre el disco, posiblemente el tema de inicio más reconocible de su discografía. Unas solemnes y ominosas notas de sintetizador dan paso al rugido de Shagrath y a unos intrumentos que entran arrasando. Las guitarras son muy agudas, como si fueran miles de agujas que taladran el oído. El sonido es muy raw, y aunque no es muy rápido este tramo posee mucha contundencia sonora. Tras la frase “Hear the cries from the Mourning Palace” se produce un cambio de ritmo más rápido, y donde la voz de Shagrath es cada vez más desgarrada y dolorosa. Y esto da paso a otro ritmo donde se alternan muy bien las guitarras rítmicas y los teclados. ¿Qué más puedo decir del que posiblemente sea el tema más famoso de Dimmu Borgir?. “El Palacio del Dolor (luto, sufrimiento)” es la canción que concierto tras concierto tocan o la última o de las últimas, y no es para menos. En un video de youtube aparecen imágenes de la banda alternadas con imágenes de la Segunda Guerra Mundial (La contienda, los soldados y ejércitos,Openheimer, Churchill, Stalin, Roosevelt al final), porque este mundo es el Palacio del Dolor.

2. Spellbound (by the Devil): Unas siniestras notas de sintetizador que dan paso a la contundencia de los instrumentos inician este tema bien diferenciado en dos partes. La primera muy enérgica, muy rabiosa, llena de odio, y con la voz de Shagrath muy diabólica y también cargada de rabia y odio, del odio más negro y oscuro. Conforme avanza la canción esta voz rabiosa va “in crescendo” hasta llegar a unos alaridos desgarradores: “Death and Terror rules the land, we have been spellbound….¡¡BY THE DEVIL!!”. Le siguen otros no menos desgarradores, y tras unas frases angustiosas y música atormentada unas notas de sintetizador inician la segunda parte de la canción, más melódica, más cargada de dolor (la primera mitad transmitía más odio). Así finaliza este gran tema (otro de los grandes). En youtube también aparece un directo de este tema donde Shagrath y el entonces guitarrista Astennu daban vomitones de sangre al público y donde se ve tocando los teclados a Kimberly Goss (Sinergy).

3. In Death´s Embrace: Tanto las guitarras rítmicas, como el bajo, la batería y los teclados inician este popular tema del disco. Muy dinámico y rápido. Shagrath sigue con su registro de voz desgarrado (casi deathmetalero) y llega un cambio de ritmo introducido por los sintetizadores que desacelera la canción y le añade un toque más melódico, y tras otro cambio de ritmo la canción se vuelve oscilante y con sonidos pesados a la vez. Para dar paso otra vez a otro cambio de ritmo similar al anterior y volver al ritmo rápido inicial. Todo eso escucahndo las agudas guitarras rítmicas, el bajo, la batería y la desgarradora voz de Shagrath. Ya digo otro de sus temas más populares no solo del disco sino de toda su discografía.

4. Relinquishment of Spirit and Flesh: Esta canción es una de las dos canciones más crudas del disco. De hecho es, junto con Master of Disharmony, la más cruda (“Master of Disharmony” es más brutal y contundente, casi deathmetalera, y esta canción es más cruda propia del Raw Black Metal). Tras unos inicios muy breves de sintetizador éste no vuelve a dejarse notar hasta el final de la canción. Entre ambas melodías inicial y final discurre una canción extremadamente cruda, muy rápida, con alaridos muy salvajes y crudos; se suceden sonidos muy agudos de guitarras retorcidas tan desgarradas como la voz. Y con los demás instrumentos se escucha una batería muy acelerada y un bajo contundente. Aunque de fondo se escuchen como un eco y en alguna ocasión los sintetizadores, y la canción cambie un par de veces de ritmo a otro más marcado y menos rápido el tema no pierde nada de crudeza, incluso en su parte más “lenta” gana contundencia y la voz de Shagrath es más grave. La parte final vuelve al ritmo acelerado y desquiciado del principio. Tremendo tema.

5. The Night Masquerade: Pese a que su inicio rápido pueda augurar una canción rápida tras el primer cambio de ritmo la canción se vuelve oscilante en su mayor parte. Eso sí, la voz de Shagrath sigue siendo tan cruda y desgarrada como en el resto del disco. En este tema, a diferencia del anterior la presencia de los sintetizadores es más destacada, aunque no es lo principal de la canción sí que le dan una ambientación más angustiosa, y esa misma sensación de angustia y dolor la transmite Shagrath con su voz. Pero al final de la canción se produce un acelerón del ritmo, y se escucha a la vez una voz de lo que parece el mítico personaje de la niña del filme “El Exorcista” (así se llama esta película en mi país, España). Y tras esta voz de niña poseída por Pazuzu se escucha al final de la canción solamente la voz de quien parece ser Satán.

6. Tormentor of Christian Souls: Otra canción que se inicia muy acelerada y con sintetizadores ambientales de fondo, pero esta vez dan la sensación de desazón y malestar. Y tras esta introducción un cambio de ritmo transforma la canción en una sucesión de ritmos sincopados con unas notas de sintetizador muy características. En el disco no aparece la letra de la canción por ser muy ofensiva pero aquí la dejo para que os deleiteis quienes no la conocíais (la letra).

I could drag you to my chambers
and strip you naked in darkness
I could pull out your fingernails one by one
and rape you till you find no hope

I could rip your guts out
and let you watch me
sacrifice your unborn child
I could leave you to starve
and even bring you to total silence
…but I won’t

For I find no pleasure in your physical pain
I want your christian soul to crumble

Your fucking soul

When I have seen your church go up in flames
and you are weeping I will laugh
When I have seen you mourn over loved ones
I will feel bliss when your mortal soul is in ruins
I will grin in the shadows
for that gives me pleasure

Tormenting a christian soul

…y en español para quien no lo entienda:

EL TORMENTO DE LAS ALMAS CRISTIANAS

Podría llevarte a mis aposentos,
Y desnudarte a oscuras,
Podría arrancarte uña a uña,
Y violarte hasta el desespero;

Podría destriparte
Y dejarte ver
El sacrificio del crío no nato,
Podría dejarte medrar
Y aún darte silencio total,
…Pero no lo haré.

Porque no hallo placer en tu dolor físico.
Deseo que tu alma cristiana se desmorone.
Tu puta alma.

Cuando vea el templo en llamas
Y llores: reiré,
Cuando por el prójimo te desconsueles,
Gozaré de tu ruinosa alma mortal.
Reiré en las sombras
Porque me place
Atormentar a un alma cristiana.

7. Entrance: Posiblemente el tema más melódico del disco; al menos el más melancólico. Unos ritmos oscilantes y unos sintetizaderes llenos de melancolía (llama la atención la parte que suenan solamente los sintetizadores con el doble bombo de la batería). Se alternan ritmos algo más desgarrados (junto con la voz de Shagrath) y llenos de dolor. Pero en lineas generales es de los temas que menos cambios de ritmo tiene. Aunque durante un momento parece que se acelere el ritmo vuelve al oscilante ritmo inicial y así hasta el final de la canción. Tal vez sea uno de los dos temas más melódicos del disco. El otro es “A Succubus In Rapture”.

8. Master of Disharmony: Brutal y despiadado, con un inicio muy salvaje y crudo es este tema; si no el más crudo sí el más contundente, el más brutal y salvaje. Una canción casi propia del Brutal Death Metal (todo lo contrario al tema anterior). Y, aunque cambia de ritmo un par de veces en ningún momento deja de ser sofocante, aplastante, brutal y contundente. La voz de Shagrath sobrepasa el límite blackmetalero y se adentra en rugidos deathmetaleros. De fondo se escuchan de manera ambiental los sintetizadores en algunos momentos. Impresionante, sin necesidad de ser más rápido que algunos temas del disco “Puritanical Euphoric Misanthropia” transmite más odio, crudeza, contundencia y rabia.

9. Prudence´s Fall: El inicio de esta canción también es rápido y contundente, pero tras unas notas de sintetizador sigue con mucha contundencia pero con menos velocidad. Las voces de Shagrath vuelven a ser alaridos muy desgarrados. A partir de la mitad de la canción el sonido se va volviendo más melódico y va perdiendo velocidad así hasta finalizar con notas de sintetizador. Digamos que como es uno de los últimos temas la rabia y el odio da paso a la angustia y el dolor. en esta canción los sintetizadores tienen un papel alternado con las guitarras, bajo y batería.

10. A Succubus In Rapture: La última canción del disco, la más melódica, la canción de corte más clásico Heavy Metal. Una canción llena de tristeza, dolor y angustia. La voz de Shagrath también transmite esa angustia y tristeza. Y aunque en algunos momentos parece que se acelere apenas cambia a ritmos rápidos. Hay dos momentos donde se escuchan guitarras melódicas, uno a mitad de canción y el otro momento es el mejor: el final de la canción; la melodía está introducida por unas notas de sintetizador que dan paso a los acordes finales de guitarras melódicas (en este tema se escucha por unos segundos el registro vocálico normal de Shagrath, si os fijais). Si el disco se inicia con unas notas muy solemnes y un tema muy clásico y monumental, su final no iba a ser menos: triste, melancólico, desgarrado, lleno de dolor. Tremendo final. Uno de los mejores temas del disco (y también de su discografía).

11. Raabjorn Speiler Draugheimens Skodde (Bonus Track): Esta canción es en realidad una regrabación de un tema de su primer disco “For All Tid”. Tras unas notas de sintetizador que parecen de piano las guitarras el bajo y la batería van irrumpiendo, pero no de forma contundente sino más rítmica y melódica. Es una canción con mucha rítmica y de sonidos un tanto épicos (su primer disco habla sobre leyendas mitológicas nórdicas, y lugares de la mitología nórdica y escandinava, de ahí que no quisieran traducir las letras de ese disco, ni siquiera al inglés). Aunque Shagrath utiliza el mismo registro vocálico suena extraño ya que canta en noruego. La canción tiene, como ya he dicho, muy buenos ritmos y una melodía casi épica. A mitad de canción la velocidad se vuelve menos dinámica, y más densa. La voz de Shagrath se vuelve más aguda, y los sintetizadores se escuchan más , así como unos extraños acordes de guitarra que suenan entre las frases de Shagrath y le dan un aire inquietante a esta última parte de la canción.

Como ya he dicho no es un disco nuevo, pero sí que me parece su mejor disco; y como se ha levantado cierto revuelo (provocado por ellos mismos) tras la aparición de su “Abrahadabra” por el mero hecho de compararlo con los sonidos del “Enthrone Darkness Triumphant”, pues qué mejor manera de comprobarlo que escuchando otra vez esta obra maestra. (Comprobar si es cierto que Abrahadabra es un retorno a esta obra maestra…juzgad vosotr@s mism@s)

Os dejo unas fotos de la banda en esa época (1997):

Shagrath en un directo de 1997.

Otra foto del mismo directo, con Silenoz al fondo.

Y otra foto de Shagrath en acción. Durante un directo del Enthrone Darkness Triumphant (1997).

…Os presento a los verdaderos Dimmu Borgir, o mejor dicho, Dimmuborgir:

Estas formaciones volcánicas se encuentran al noreste de Islandia, cerca del volcán Krafla (no confundir con el temido Katla, que está al sur del país). Son llamadas las Dimmuborgir (Fortaleza Oscura en islandés). Shagrath y los suyos fueron de visita a este extraño y desolado lugar (como casi toda Islandia) y su nombre les inspiró para bautizar a su banda.

Otra imagen de Dimmuborgir.

Y más formaciones volcánicas del área Dimmuborgir.

En esta cueva Shagrath y los suyos quedaron afectados por los gases del lugar (o se fumaron algo) y encontraron la inspiración para bautizar su banda .

Black

Nachtblut, Black/Dark Metal desde Alemania

SAMAEL: PASSAGE

BURZUM: FALLEN

ENTHRONE DARKNESS TRIUMPHANT (RELOADED)

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