Apocalyptica en Caracas 2012

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Comenzando el año como debe ser, el 19 de Enero estuve en el CIEC durante el concierto de apocalyptica.

No habia estado nunca en un concierto en el Centro Internacional de Exposiciones de Caracas y debo decir que es una gran locación para eventos de este tipo, quizás algunos pensaran que es pequeño, pero por el precio de las entradas y la naturaleza de la banda era quizás predecible que no se explotara de gente (vamos que ya saben, que aqui poca gente esta dispuesta a pagar por rock) pero de vuelta al sitio, es genial, estaba en la cola y veia mi carro, estacionamiento y todo a la mano (alguna gente llevo sillas e iba y las guardaba al carro o birras en una cavita)


Sibelius

Puntual a las 8 empezo el concierto con la presentación de Sibelius a quienes no habia escuchado y de quienes quede gratamente sorprendido, si tengo que compararlos con algún sonido, seria con Angra, especial nota al momento en que tocando su tema “Venezuela Infinita” sacaron la bandera, un genial sentimiento de que alli solo habia gente queriendo rockear de buena manera, sin maltripeos, y orgullosos de su pais desbordo el sitio.

A eso de las 9 se montaron los finlandeses que dieron todo en el escenario, interactuaron muchisimo con el publico y hicieron verdaderos malabares con los cellos.


Apocalyptica

Apocalyptica se paseo por todos sus exitos, acompañados por Tipe Johnson, cuando fue necesario y por el publico cuando no, que probablemente sorprendio, entonando bastante bien las canciones de apocalyptica como bittersweet y los covers de metallica.

Un publico encendido que siempre pidio mas a la banda y 2 bandas que cumplieron entregando todo hicieron de este un concierto para emprender el 2012 con buen pie!

Setlist
On the Rooftop With Quasimodo
2010
Grace
Master of Puppets
(Metallica cover)
Not Strong Enough
(with Tipe Johnson)
I’m Not Jesus
(with Tipe Johnson)
Quutamo
Psalm 1
(Perrttu Solo)
Bittersweet
Nothing Else Matters
(Metallica cover)
Last Hope
Life Burns!
(with Tipe Johnson)
Seek & Destroy
(Metallica cover)
Inquisition Symphony
(Sepultura cover)
Encore:
At the Gates of Manala
I Don’t Care
(with Tipe Johnson)
Enter Sandman
(Metallica cover)
Encore 2:
Hall of the Mountain King

Rock on!
Nos leemos!

Havok – Time is Up

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Buen trash desde Colorado para terminar este 2011, riffs rapidos y dobles bombos para soltar el cuello jaja

Realmente no se con que banda compararla que les de buena idea de que se van a encontrar, ojo y no es que el sonido sea unico, nada mas lejos de la verdad, es que realmente no importa! es simplemente musica para soltar el cuello!

Nos leemos!

VALLENFYRE: A FRAGILE KING

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Resulta curioso cuando a estas alturas de la carrera profesional de un compositor éste decide publicar el que es uno de sus mejores discos de toda su trayectoria musical. Gregor Mackintosh es de esos casos excepcionales que así lo atestiguan. Con su banda Paradise Lost (porque, no nos  engañemos, él es Paradise Lost, el principal compositor) fundó lo que se llamó el género Doom/Gothic Metal a finales de los 80; y cada vez que decidía modificar un poco su estilo a más o menos electrónico el resto de bandas coetáneas del género hacían lo mismo (Moonspell, Tiamat, Theatre of Tragedy…) excepto una: My Dying Bride (amigos de los Paradise Lost, por cierto). A finales de 2009, durante la gira del último disco de Paradise Lost (Faith Divides Us Death Unites Us) falleció el padre de Gregor de un cáncer fulminante (ya tenía una gran metástasis). Gregor no olvidó que su padre fue quien le introdujo en la música, junto con su hermano mayor. Tras sufrir y sentir por lo que a uno/a se le pasa por la cabeza y por su alma cuando muere uno o sus dos padres, o cualquier familiar directo (digo esto porque me siento totalmente identificado con Gregor: yo también perdí hace 27 años a mi madre, la cual murió de cáncer, también…y hace 9 años a mi padre quien murió de un infarto; para entender lo que uno siente ante algo así sólo puedo decir que lo teneis que vivenciar…vivenciar esa “travesía por el desierto” moral, emocional y existencial que os cambia para siempre). Gregor decidió dar rienda suelta a esa rabia y dolor que sentía en su interior. Así fue como nació esta catársis en forma de proyecto y banda musical llamada Vallenfyre (que significa Strong Fire o fuego fuerte en inglés antiguo). Los otros miembros de la banda son Adrian Erlandsson (batería de Paradise Lost), Hamish Glencross de My Dying Bride a la guitarra rítmica y melódica, Scott al bajo, y Mully (técnico de guitarras de Paradise Lost) a la guitarra rítmica. Gregor toca la guitarra melódica y canta con una sepulcral voz deathmetalera.

La portada es obra del artista Orion Landau, y por lo que entiendo representa al dios celta Lug/Cernunnos (con todas sus connotaciones y significados que no voy a explicar aquí); otra clave para entender esta portada y el doble sentido de las letras del disco es el día en que fue publicado: 31 de octubre, la mítica noche de Halloween, fiesta pagana céltica muy representada en los países anglosajones. Más allá de las payasadas yankis de esta fiesta (las otras dos fechas paganas son Walpurgis el 30 de abril, y San Juan el 24 de junio, aparte de los Sabbats) Halloween representa oficialmente la Víspera de Todos los Santos…extraoficialmente el mito de la Tierra Hueca o Agartta (de ahí lo de las calabazas huecas), tal vez asociado al sentimiento de oquedad que te queda tras sufrir algo así y de lo efímero de esta “vida”…”Carpe Diem, Memento Mori” (aprovecha el momento, recuerda que vas a morir). Así pues, estamos ante un disco muy Death Metal Old School, de producción muy dura, con sonido muy sepulcral y duro, muy duro; las voces son implacables, y los ritmos muy machacones. El disco recuerda mucho al Death Metal de los orígenes y hay quien lo ha querido comparar con los primeros Entombed, con Celtic Frost (yo diría Hellhammer, padres del Black/Death metal, y ahora bajo el nombre de Triptykon), o con Autopsy. Personalmente pienso que tiene su particular sonido propio, y que, incluso recuerda ,dados sus elementos Doom, al primer disco de Paradise Lost (Lost Paradise) y a la pesadez sepulcral del disco In Requiem de Paradise Lost. Vamos a ver el disco tema a tema.

1. All Will Suffer (Todos van a sufrir). Tras unos sonidos de guitarra irrumpe la pesadez brutal y casi Doom de las guitarras e instrumentos. No es un inicio súbito y machacón sino que nos adentra poco a poco en este mundo de dolor y sufrimiento. La voz de Gregor es tan dura como los instrumentos. Irrumpen después otros ritmos más deathmetaleros y pesados. No se trata del tema más rápido del disco pero sí de uno de los más pesados. Todos van a sufir, una letra que gira en torno al sufrimiento de cualquier tipo (tanto de enfermedades como el cáncer que padeció su padre) como del sufrimiento de este mundo, del habido y del que habrá (pues la época que estamos iniciando va a traer mucho, mucho sufrimento). “La procesión de dolor infernal” es el sufrimiento. Y así se desarrolla este durísimo tema entre ritmos doom y deathmetaleros con guitarras melódicas intercaladas.

2. Desecration. (Profanación). El single. el tema que dio a conocer el disco. Unas guitarras melódicas muy nerviosas y entrecruzadas dan paso a un ritmo vertiginoso e implacable…profanando los oídos. Un tema de ritmos muy pegadizos (para cabecearlo en los conciertos) alternados en unos más rápidos y otros menos, pero comandados por la guitarra melódica y las guitarras rítmicas. El dolor, la carga que no se puede compartir. El vacío y océano de desesperación en el que vivimos se vuelve negro, implacable un vacío que empuja a la profanación de la falsedad de la “felicidad” (la cual pienso que, en realidad no es más que la ilusión de este mundo “Maya”  (como dice el hinduismo) en el que vivimos). Y finalmente el tema concluye con unas melodías muy desalentadoras.

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3. Rabenous Whore (Puta Voraz). Pese a su inicio tranquilo la canción se vuelve muy ràpida y muy cruda, sin concesiones y asfixiante. Salvaje, atroz y rabiosa (como debe ser). La indignidad humana, la mentira (tan extendida estos tiempos) es la Puta Voraz, que sólo queda contrarrestada por la Verdad: el sufrimiento, vamos. En cierta parte, la canción se vuelve un tanto Doom con unas notas de guitarra melódica (que no agradable) para volver al ritmo machacón e infernal (“Ravenous Whore”) del final. En este tema también se puede entender como Gregor está asimilando con mucho dolor la muerte de su padre, entregado al infierno del dolor interior. También puede entenderse como Puta Voraz a la Muerte que todo lo consume.

4. Cathedrals of Dread (Catedrales de los atemorizados). Este tema ha sido el elegido para hacer un video (que podeis ver en Youtube). Un tema muy crudo y pesado. De inicio un tanto doom, pero que conforme avanza se vuelve más veloz y mucho más crudo y despiadado. Otro tema que combina elementos de su primera y su segunda canción: un tema pesado y machacón pero a la vez pegadizo. La letra profundiza todavía más en las atmósferas de autodestrucción, de sufrimiento y dolor que envuelven todo el disco. Cambios de ritmo a partes melódicas y pequeños solos de guitarra aparecen a lo largo de la canción. Rugidos deathmetaleros muy despiadados. “El horror de la realidad”, “una ilusión mórbida” (eso es la realidad), “las catedrales del temor”. A pesar de toda la eternidad se mantiene la Muerte. Un dios vacío y “desaparecido”…”un desfile sin sentido”, “vítimas de la gran decepción”…todo esto son fragmentos de la letra inmisericorde de esta brutal canción; no creo que haga falta que me explique más. Tremendo tema.

5. As The World Collapses. (Como se derrumba el mundo). Otro tema que profundiza mucho más en el dolor interno que sufre Gregor tras su dolorosa pérdida. Otro sonido similar al del primer tema introduce un ritmo creciente que da paso a su vez a otro ritmo deathmetalero muy pesado con elementos doom. Este tema es más rítmico que los anteriores. Sin embargo los rugidos de Gregor y el aumento de velocidad de los instrumentos hacen de esta canción una de las más duras, crudas y salvajes del disco. Las guitarras melódicas se entrecruzan con las rítmicas así como los ritmos rápidos y salvajes y los ritmos más doom, así como una voz muy sepulcral. Un tema impresionante y muy cruel. La desolación y rabia de Gregor se mezclan con la podredumbre de este mundo en decadencia que poco a poco está colapsando, un mundo de traidores, un mundo cuyo aroma es el hedor de la maldad. Una letra muy desesperante, como veis. Un pequeño solo de guitarra aparece al final de esta brutal y despiadada canción. Otro tema salvaje y crudo.

6. A Thousand Martyrs. (Mil Mártires). Unos acordes de guitarra melódica dan paso a un rugido muy grave y a una guitarra muy melódica que recuerda a los mejores Paradise Lost. Inmediatamente todo esto da paso a unos ritmos crecientes y a un monólogo incesante de Gregor (es uno de los temas donde más se escucha su voz). Y vuelve a irrumpir esa guitarra melódica que recuerda a discos como In Requiem o el trabajo más reciente de Paradise Lost (Faith Divides Us Death Unites Us). A mitad de tema se produce un aceleración del ritmo y un súbito cambio de ritmo hacia guitarras  melódicas cargadas de tensión y guitarras rítmicas muy pesadas. Y otro cambio de ritmo introduce partes más rápidas y pesadas en la canción para así finalizar. La letra trata del dolor personal que siente Gregor por la muerte de su padre, y de cómo los demás “borregos” no saben lo que él siente. Por eso repito lo que he dicho al principio de la reseña: sólo los que hemos pasado por algo así sabemos el brutal dolor interior que se siente, un dolor que ahí queda (no se supera un dolor así…sencillamente se aprende a convivir con algo así, sin más), un dolor que te hace ver a los demás y la vida de otra forma.

7. Seeds. (Semillas). Se trata del tema Doom del disco (más doommetalero que deathmetalero). Ritmos densos, pesados, sepulcrales…son los ritmos que impregnan este tema durante toda la canción. Las guitarras melódicas también acompañan a estos ritmos pesados y densos. Pese a que en algún fragmento se vuelve más rápida y la aparición de un pequeño solo de guitarra, la canción vuelve a ser otra vez pesada en su mayor parte. Es un tema totalmente dedicado a su difunto padre. El cual, tras su muerte ha dejado un gran vacío en su semilla (Gergor). Su padre se adentra en un “sueño eterno” y, mientras, Gregor, se enfrenta un “eterno invierno” de dolor y sufrimiento. Se despide así, de su padre e ídolo, del que fuera su rey. Queda claro que Gregor quería mucho a su padre.

8. Humanity Wept. (El llanto de la humanidad). Otro de los temas más rápidos y crudos del disco, ya desde el inicio comienza rápido y brutal. Un tema de ritmos muy frenéticos y rápidos. Conforme avanza aumenta en brutalidad más que en rapidez, tanto los instrumentos como la voz de Gregor. Otra canción para dar “cabezazos” en los conciertos. Casi al final el ritmo sufre un cambio hacia una sección más pesada y menos rápida. Una humanidad ciega en sus esperanzas, demasiada ocupada en vivir al día y en la corrupción, una humanidad que apenas llora por aquellos que quedan atrás. Una humanidad ciega a la verdad y que se acerca al abismo sin fin del olvido.

9. My Black Siberia. (Mi negra Siberia). Tras unos acordes calmados el tema se inicia con un ritmo un tanto tranquilo y muy rítmico. Unas guitarras melódicas e incluso un solo de guitarra aquí y allá se intercalan en medio de ese ritmo, dándole un toque de nostalgia a la canción. Todo el tema es así, calmado y tranquilo musicalmente, muy doom. Un tema que lanza una dura crítica hacia los gobernantes de la humanidad, a la corrupción, a los genocidios, al matadero en el que se hemos convertido nuestro planeta, un matadero perparado para unos “cerdos” que parece que es lo que somos, de usar y tirar. La Siberia Negra puede ser el sentimiento interno de dolor y frialdad (frialdad que quema y consume) con el que convive Gregor (y muchos de nosotros), pero a la vez una negra frialdad que te vuelve más duro y te hace mirar al resto con otros ojos, un mundo que va hacia a su devastación y desolación (bueno dicen que nos vamos ya a una inminente glaciación y hacia la Sexta Gran Extinción de Especies…purificar el planeta para luego nacer otra humanidad y vuelta a empezar, como decían los Mayas y los hindúes sobre las siete razas de la humanidad…siendo nosotros la quinta). Son tantas las interpretaciones de estas letras tan encriptadas como los cuentos de Borges o la Doctrina Secreta de Blavatsky…algo propio de Gregor, incluso en su banda Paradise Lost.

10. The Divine Have Fled. ( Los dioses han huído). Otro tema que, tras un inicio un tanto indeciso se adentra en un ritmo muy machacón y pesado. La voz de Gregor es muy dura, más que en otras canciones. Pese a ser una canción dura y muy pesada no es rápida como otras. Digamos que se alternan partes muy doommetaleras y partes rápidas y machaconas por igual. Las guitarras melódicas y rítmicas se mezcaln de manera muy magistral, incluso la irrupción de unas guitarras melódicas muy propias del estilo de Paradise Lost le dan mucha personalidad a este tema tan singular y variado. Los dioses no están, la humanidad está sola en su sufrimiento y su agonía. Gregor sigue reflexionando de forma más profunda sobre la pérdida de su padre y el tormento que ello conlleva.

11. The Grim Irony. (La cruda ironía). Un tranquilo y pesado inicio nos lleva a una canción con bastantes guitarras melódicas al más puro estilo Doom Metal de Paradise Lost. Un tema que parece una procesión de angustia y desolación sin límite, acrecentada por las voces guturales de Gregor y por las guitarras melódicas que le dan mucha tensión y desazón. En esta canción son las guitarras melódicas las que adquieren mucho protagonismo y las que marcan los cambios de ritmo, incluso las guitarras rítmicas siguen esos cambios de ritmo a veces lento, a veces algo más rápido, siempre transmitiendo desazón y resignación. “Condenado a un infierno en vida. Flagelado y crucificado”,”una sociedad sin sentido” ,son fragmentos de un alma totalmente desolada y entregada a sufrir en un mundo donde la gente siente morbo y fascinación por lo cruel y despiadado…hasta que les toca sufrir, y ahí se acaba el morbo y la fascinación. “El cadáver congelado de un sol” (como la enana marrón Némesis que acompaña nuestro sol), “las guerras apenas han comenzado” (y encima es verdad), “Genocidio global, olvidaos de los cielos” (genocido que llegará por guerras, y por tal vez una glaciación (provocada por el sol “congelado”)…la cruda ironía: la fascinación por lo brutal, atroz y desagradable hasta que a uno le toca sufrirlo (y entonces ya no resulta fascinante, esa es la cruda ironía y cruda realidad; ironía de una sociedad hipócrita y decadente).

12. Majesty Dethroned. (Majestad Destronada). El Bonus Track del disco resulta ser el tema más crudo, salvaje, cruel y despiadado de todo el disco. La mejor manera de concluir el disco, a mi parecer. Tras unos acordes de guitarra un ritmo frenético y unas voces brutales irrumpen en la canción, para dar paso a unos ritmos muy brutales y encarnizados. Durante casi toda la canción estos ritmos salvajes y brutales muy deathmetaleros están presente, aunque hay varios cambios de ritmo hacia otros ritmos más densos todavía. La fría verdad de un ángel negro que te espera al final de esa oscuridad cerrada llena de sombras silenciosas. El cuerpo roto de una majestad destronada que avanza hacia su estancia enterna. Un tema con cambios de ritmo más y menos rápidos, pero todos ellos ominosos y una letra mucho más ominosa todavía, en la que se refleja el destino final de todo humano, de quien fuera el padre de Gregor, su rey destronado.

En definitiva, si eres fan de géneros de metal comerciales y suaves mejor no escuches este disco, pero si te gustan los discos más duros y doom de Paradise Lost este disco te gustará, así como si te gusta del Death Metal Old School sin concesiones y despiadado. Este disco es el duro retrato de una pérdida, del dolor, de la rabia, del sufrimiento y una catársis pura y dura. Un disco con el que me siento muy identificado (es el disco en el que me he sentido reflejado, por motivos personales, de forma similar a Gregor) ya que también pasé por mi calvario particular tras perder a mis padres. Ahora os dejo unas fotos de la banda.

Una foto promocional de la banda.

Y otra foto promocional de la banda con apariencia menos siniestra.

NIGHTWISH: OCEANBORN

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A estas alturas imagino que conocereis todos este disco, pero pienso que se merece una reseña. El disco es de 1998, pero en 2008 la banda decidió reeditarlo, al igual que sus discos: Angels Fall Fisrt, Wishmaster, Century Child, y el E.P Over The Hills And Far Away (curiosamente hay una canción de la banda de rock gótico The Mission UK que se llama así). Oceanborn fue el disco que supuso el gran salto cualitativo en la banda. Aunque el reconocimiento les llegó con Wishmaster la verdad es que Oceanborn es su mejor obra maestra. Muchos creen que Nightwish empezaron a flojear tras la marcha de Tarja, pero pienso que ya en los discos Century Child y Once pese a que estaba Tarja ya no mostraban tanta calidad, aun siendo discos muy buenos. Este disco está lleno de simbolismos tanto en las letras como en la portada: Las Aguas del Océano del Caos (Nun para los egipcios, o las “Aguas de Ain” que decían Watain en su disco más reciente). El búho o lechuza como mensajero de los dioses (el Búho de Minerva), la mujer que representa la Tierra, el espíritu de Gaia; el Ojo que Todo lo ve, el ojo de Horus/Osiris reptiliano, que parece la Luna en la que está reflejada la Tierra, siendo observada está última por ese Ojo representado por la Luna. Un disco con referencias totalmente esotéricas.

1. Stargazers. Unos solemnes sintetizadores inician este rápido y épico tema. La voz de Tarja irrumpe de manera tan épica como los demás instrumentos. Tarja utiliza en este tema diversos registros vocálicos operísticos unos más intensos que otros. Las guitarras y los teclados se compenetran perfectamente en este tema más powermetalero. Stargazers pueden ser los “astrónomos o astrólogos”, y con esta ambigüedad juegan, ya que en la Edad Antigua astronomía y astrología eran una misma cosa. ¿Y quienes eran esos “dioses astrónomos o astronautas” de la humanidad?. Tras varios cambios de ritmo unos más épicos que otros la canción se vuelve un tanto tranquila para finalizar de manera apoteósica.

2. Gethsemane. El tema que más me gusta del disco. Aunque se inicia con todos los intrumentos a la vez el teclado, en este caso piano adquiere un gran protagonismo  durante toda la canción. La voz de Tarja también adquiere gran protagonismo. Las melodías son más góticas, más melancólicas y tristes. Una vez más Tarja vuelve a utilizar varios registros de voz. A mitad de canción se produce un cambio de ritmo hacia melodías más épicas pero igual de tristes. Gethsemane además de ser un nombre femenino es también el Huerto de los Olivos donde estuvo Jesús de Nazaret antes de morir. Así que la letra es una alegoría al dolor, a la pena, al sufrimiento, a la angustia y la soledad.

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3. Devil and The Deep Dark Ocean. Este tema es más ominoso y siniestro, además la presencia de una voz masculina (Tapio Wilska) acentúa más esa característica. Los instrumentos  van acelerados, pero no da la sensación de ser un tema powermetalero. La voz de Tarja es más ominosa, igualmente operística pero no transmite sensación de melancolía sino de desazón. Tras un momento pausado, unos registros vocálicos masculinos más crudos llega una parte más épica pero igualmente ominosa en la canción. Es en este tema donde se habla de los elementos de la portada del disco (la lechuza, la dama de blanco, el océano, el Ojo). El Primogénito Lucifer (mal llamado el diablo) el “Oceanborn”, que empieza y finaliza los ciclos de la eternidad.

4. Sacrament of Wilderness. Otro de los grandes y épicos temas del disco. Unas notas de sintetizador abren este gran tema. Pese a que el tema tiene partes más rápidas es más propio del Gothic Metal. La voz de Tarja es más bien triste excepto en los coros que se vuelve más épica. El Sacramento del Yermo habla de la soledad de los páramos del Norte de Europa, de la nieve, del frío, de los lobos, de la noche oscura. Tras un breve solo de guitarra el tema acaba repitiendo de manera muy épica el estribillo, cada vez más rápido.

5. The Passion And The Opera. Unos acordes rítmicos de guitarra inician este tema tan curioso. La voz de Tarja entra con unos sincopados y muy imponentes rítmos. Los cambios de registro vocalícos de Tarja vuelven a ser notables en este tema). A mitad de tema se produce un gran cambio de ritmo de manera que la canción parece otra; Tarja hace unos registros de voz totalmente operísticos para finalizar de manera épica la canción. A ritmo de ópera se describe la pasión y la lujuria como elementos innatos en nuestra naturaleza humana.

6. Swanheart. Con unas tristes notas de piano y flauta se inicia esta hermosa y a la vez triste canción. La voz de Tarja es igualmente muy triste y bella. Poco a poco van entrando los demás intrumentos hasta acabar de manera más triste si cabe que cuando empezó el tema. El amor por seres queridos, la tristeza por la pérdida de los mismos, la añoranza son conceptos que aparecen en la letra de este triste pero a la vez hermoso tema.

7. Moondance. La danza de la Luna, se llama este baile pagano y tal vez tribal. Tras unas notas de piano entran los demás instrumentos pero de forma que parece todo una danza pagana (parece no, es una danza). Tras una pausa tranquila marcada por un piano y una flauta vuelven los sonidos propios de la danza cada vez más intensos y rápidos e incluso con coros al final de la canción. Una canción ideal para bailarla de noche, en un claro de un bosque nevado y a la luz de la Luna llena.

8. The Riddler. (El acertijo). Una canción que es más bien épico-gótica. Tarja se vuelve a lucir con sus registros vocálicos tan buenos. Las guitarras tienen más protagonismo y lo mejor de la canción: un estribillo bastante épico. Todo ello aderezado con un ritmo muy dinámico. ¿Quienes somos? ¿De dónde venimos y a dónde vamos? ¿Por qué estamos aquí? La propia existencia es el gran acertijo el cual sólo lo saben las profundas aguas del océano del Caos. Éste es otro de los mejores temas del disco.

9. The Paraoh Sails To Orion. Otro de los temas ominosos y posiblemente el más impresionante del disco. Una vez más se vuelve a escuchar una voz masculina que le da un toque muy ominoso y siniestro al disco. Los instrumentos también suenan igual de ominosos (atención al piano que suena en la canción) al menos la primera mitad de la canción, incluso la voz de Tarja suena como si estuviera anunciando el Apocalipsis. La canción tiene un ritmo bastante rápido y enérgico. a mitad de canción hay un cambio de ritmo que vuelve el tema bastante más imponente y espectacular. El Faraón viaja (navega) a Orión, la “patria de los dioses egipcios”. Recientemente se ha descubierto en las Pirámides una Barca Sagrada, como si el Faraón hubiese pretendido realizar un viaje estelar. Orión, el lugar hacia donde están orientadas las Pirámides de Giza, uno de los lugares mágicos para el Antiguo Egupto, el otro es Sirio. Y allí espera evitando mirar al rostro del  dios Horus/Osiris/Seth (o Nyarlathotep, como lo llamaba Lovecraft). Monumental tema.

10. Walking In The Air. Se trata de una excelente versión del tema de Howard Blake que lleva el mismo nombre y que compuso para el filme “The Snowman”. La versión original está compuesta para niños pero esta versión posee una variedad instrumental mayor. Ya digo, majestuosa versión de un bonito tema, con guitarra melódica y cambio de ritmo incluídos.

11. The Sleeping Sun. El tema que cierra el disco. Otro tema muy melancólico y triste. La voz de Tarja es lo más destacable en esta canción, acompañada de sintetizadores también muy tristes y melancólicos. Los demás instrumentos suenan de forma tranquila. en el estribillo de la canción la voz de Tarja cambia de registro siendo más imponente y haciendo que a uno se le ericen los pelos. Cuando el sol se esconde la noche queda reflejada en el océano tranquilo y oscuro, donde también queda reflejada la melancolía, la tristeza y la pena.

12. Nightquest. El Bonus Track del disco. Una canción bastante heavymetalera. donde las guitarras eléctricas (aparece un pequeño solo de guitarra) tienen bastante protagonismo pero donde también el piano juega un papel muy importante, y menudas notas de piano. Un tema muy dinámico y vivo. La voz de Tarja también adquiere un tono muy vivo y dinámico. La temática es un tanto fantástica, la búsqueda nocturna de personajes fantásticos y de lugares de ensueño. Quizás es lo que trae o lo que inspira una noche mágica en “la Tierra de los Sueños”.

Los otros  temas son canciones en directo de tres de los temas de este disco (Sleeping Sun, Swanheart y The Paraoh Sails To Orion). El mejor disco de Nightwish se merecía una reseña (aunque tampoco está nada mal el disco Wishmaster) y por ello he hecho esta reseña. Hay discos que por mucho que pasen los años nunca envejecen ni pierden cualidades, al contrario, ganan en calidad y se convierten en clásicos, y este disco es un claro ejemplo.

Una foto de la banda en la época de la primera edición del disco (1998)…¡Sí, Jukka no tiene el pañuelo en la cabeza!:

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